A la gallina, entre todos la mataron...

La próxima edición de Summercase se aplaza a 2010
Debido a la situación de crisis financiera presente en nuestro país este 2009, la dirección de SINNAMON ha decidido emplazar la celebración de Summercase a 2010. El principal motivo no es otro que el de encontrarnos en un contexto económico generalizado que no garantiza la celebración de nuestros eventos con la calidad que desearíamos.
Por último, queremos constatar que el retraso en comunicar esta información sólo se ha debido a nuestra intención por agotar todas las alternativas para hacer posible la celebración de nuestro festival. En este difícil 2009 seguiremos trabajando duro y con ganas para sacar adelante el resto de nuestros proyectos. Proyectos dedicados al público que siempre ha creído en nosotros, como venimos haciendo desde hace más de una década.
Gracias a todos,
SINNAMON


Con este comunicado los organizadores del “Summercase”, que en los últimos años se había venido celebrando simultáneamente un fin de semana de julio en Boadilla del Monte (Madrid) y Barcelona, anunciaban su intención de dejar un año en barbecho su festival hasta que las revueltas aguas de la crisis bajen menos turbias. Personalmente creo que la idea de un mismo cartel en las dos ciudades más importantes del país en días alternativos da la posibilidad de que públicos de cualquier punto tenga a una distancia asumible los conciertos. Además las bandas que han tocado a lo largo de las tres ediciones me han parecido muy interesantes con lo que como propuesta me parece de las mejores que a lo largo de los últimos años han empezado a aflorar en el verano hispano.

Y aquí radica una de las principales causas de que haya dejado de ser rentable el negocio del festival de verano. Para empezar raro es el pueblo que no organiza su evento como reclamo turístico y ante tanta oferta el público se reparte. Cuando hace más de una década comenzaron a celebrarse por estos lares, la “batalla” entre el “Doctor Music Festival”, “Espárrago Rock” y FIB se cerro con la victoria de este último, la desaparición de los otros dos y la aparición de un nuevo modelo. Como con los grandes nombres no se podía competir por los altos caches y la dificultad de rentabilizar la inversión, se empezaron a realizar festivales o de estilos muy definidos o con gente de segundo nivel en poblaciones que, sin demasiadas infraestructuras, podían reunir a un par de miles de personas con un presupuesto no demasiado alto.

La oferta de sol y música, gracias a los vuelos de bajo coste, hizo que jóvenes de toda Europa tuvieran a golpe de ratón la posibilidad de planificar las vacaciones en función de sus gustos. Cada ciudad en mayor o menor medida empezó a organizar el suyo, pero claro había veces que un mismo grupo, aprovechando el viaje, tocaba en varios sitios con lo que el organizador perdía la exclusividad y daba al turista la alternativa de elegir en que lugar verlos. Así cuando se empezó a pedir por contrato a los artistas que no apareciesen en otro cartel (para extranjeros, claro), los caches se elevaron, por lo que los márgenes se ajustaron, los precios subieron y la necesidad de tener que meter cada vez más gente para cubrir los costes hizo que la rentabilidad del negocio desapareciese. Para colmo la falta de fechas ha hecho en los últimos tiempos que varios festivales coincidieran en fecha por lo que la audiencia se repartió y no se cumplieron las expectativas.

Tendrá que haber un reajuste con la oferta, y en los próximos años nos acostumbraremos a leer que otros festivales se dejan de celebrar (en este ya se sabe de momento que “Ola Festival”, “Forward Festival”, “Weekend Dance” y “Daydream” tampoco se harán). Yo personalmente lo prefiero ya que eso abre la posibilidad a que estos artistas hagan una gira normal y poder verlos en algún sitio que me venga bien, ya hoy por hoy mis posibilidades de escaparme todo un fin de semana de verano son nulas. Seguramente sobrevivan los más modestos (hasta mi pueblo organiza en fiestas el suyo con los grupos de la comarca) y los más asentados, pero la gallina de los huevos de oro de momento ha dejado de poner. Ya se sabe, entre todos la mataron y ella sola se murio...

La primera piedra en el muro de Pink Floyd

Un 27 de febrero de 1967 Pink Floyd entraban en los estudios “Sound Techniques” de Chelsea para grabar los dos temas de su primer single: “Arnold Layne” y “Candy and a currant bun”. No era ni mucho menos la primera vez, ya que por ejemplo el 11 de enero de ese mismo año y en el mismo lugar habían registrado una versión de casi 17 minutos de “Interstellar overdrive” para una película que estaba rodando Peter Whitehead sobre la nueva imagen de Londres, pero en ese momento lo hicieron ya como banda profesional dedicada en exclusiva a la música. Aunque ellos no lo sabían en ese momento (auque podían intuirlo ya que en general tenían las cosas muy claras) aquella era la primera piedra de una larga y exitosa carrera.

Nacidos dentro de la clase media-alta de una Inglaterra en guerra, desde el principio parece ser que tuvieron una idea bastante definida de que es lo que querían llegar a ser, estrellas del rock and roll (y no héroes de la clase trabajadora como muchos de sus coetáneos). Así cuando Roger Waters, Rick Wright y Nick Mason (que llevaban en juntos en grupos desde 1963 con otros compañeros y bajo distintos nombres) incorporaron a Syd Barrett a la banda no dudaron en darle el bastón de mando y aceptar el cambio de nombre (la fusión de Pink Anderson y Floyd Council, dos bluesmen que él conocía), sus composiciones y una nueva dirección artística.

Se puede decir que The Pink Floyd Sound (como se llamaron en un primer momento) empezaron a rodar en enero de 1966 con una serie de espectáculos que se organizaron en el “Marquee”. Coincide esa puesta en marcha con la llegada del movimiento hippie a Londres que en la capital británica se caracterizó, en palabras del batería de Soft Machine, por “reencontrar el espíritu del jazz, es decir, una expresión autentica, salvaje, pero esta vez nuestra no la de los negros” (Robert Wyatt). La vocación de la banda desde el primer momento fue rupturista haciendo de la búsqueda de nuevos sonidos y la experimentación su bandera con Barrett ejerciendo de capitán que con firmeza y criterio dirige a su gente hacia una victoria segura.

El panorama musical estaba protagonizado fundamentalmente por The Beatles, The Rolling Stones, The Who y The Kinks, y ese era el espejo en el que, en función de sus gustos, los jóvenes de la tercera generación de bandas empezaban a mirarse. Los Floyd en ese momento de cambio social y cultural que estaba sufriendo el Reino Unido consiguieron hacerse con un hueco tras convertirse en el grupo residente del ”UFO”. Gracias a lo novedoso de su propuesta, que investiga en la construcción de canciones y en la técnica para lograrlo, se convirtieron en los niños mimados de las vanguardias del momento. El local empezó a programar conciertos a finales de 1966 y enseguida se transformó en el punto de encuentro del Londres más freak en el cual rutilantes estrellas también se dejaban ver llamadas por la psicodelia y los nuevos sonidos cósmicos que allí se podían escuchar. Ahí es donde se curtieron sobre un escenario (algo parecido a lo que les sucedió a The Beatles en Hamburgo) y donde pudieron sentar las bases de lo que llegarían a ser más adelante, un grupo capaz de improvisar y reinventar cada noche sus canciones

Cuentan que en ese momento ya sonaban todas las canciones que formarían parte de sus singles y su primer LP, por lo que las distintas discográficas que aspiraban a contratarles sabían más o menos que era lo que podían esperar de la banda. Ya he contado que desde el principio sabían lo que querían y en función de eso se comportaban, y así cuando decidieron dar el salto al profesionalismo se decantaron por la discográfica que más se ajustaba a sus necesidades, y cuando entraron a grabar lo hicieron pensando en el éxito comercial tanto o más que en la cuestión artística. Los temas que en directo se alargaban hasta el infinito una vez que pasaron al plástico se quedaron en una duración adecuada para ser radiados y así alcanzar más repercusión. Los conciertos eran para desarrollar ideas, los discos para ofrecer hits a la gente para que luego fuesen a verles.

Versiones más extensas del “Arnold Layne” circulan en el mercado pirata aunque el single que grabaron ese 27 de febrero, y que significó su pistoletazo de salida en el mercado discográfico, no llega a los 3 minutos con lo que acceso a las listas y las radios fue casi inmediato. Curiosamente a partir de ese momento se acelero el desgaste físico y mental de Syd Barrett y, a pesar de publicar en los meses siguientes un par de sencillos más y un maravilloso álbum de debut, las exigencias del mercado en forma de conciertos, marketing y entrevistas fueron haciéndole entrar en una espiral de consumo de sustancias e introspección que le llevaron a la locura. Pero el auge y caída de Barrett ya la contaré otro día ya que eso es otra historia y corresponde a una piedra más en el muro...

Mi habitación (La Habitación Roja)

Parecía tan fácil, y todo lo que hacía era encerrarme
en mi pequeño mundo, tan lejos del tuyo,
no era mi intención, tenías razón,
no había otra opción...
Era tan necesario, tenerte a mi lado para no derrumbarme,
para evitar herirme, para evitar hundirme,
poder desahogarme y dejar de mentirme,
y al fin decidirme...

Y ahora en la habitación, todo tiene otro color,
es tan diferente...
Me tatuaré tu nombre en la piel, así que no se te ocurra desaparecer.

Como cambian las cosas, como ha cambiado todo,
como se abren mis ojos buscando tu mirada,
tu expresión, tu llamada,
lo hice cada noche pero no contestabas,
creí que abandonabas...
Ahora ten tengo a mi lado,
haremos todo aquello que habíamos planeado,
recuperando el tiempo que dejamos a un lado,
no quiero lamentarlo, sólo recuperarlo,
nunca más separarnos...

Y ahora en la habitación, todo tiene otro color,
es tan diferente...
Me tatuaré tu nombre en la piel, así que no se te ocurra desaparecer.

Paradigmática opción, quizás decisión.
¿Hablo de amor o de alguna otra pasión?

(Extraída del álbum " La habitación roja " / GRABACIONES EN EL MAR – 1998)

George Harrison, el "beatle" tranquilo

Hoy habría cumplido 66 años George Harrison. Ante el binomio Lennon / McCarney con el que se ha querido simplificar la historia de los “Beatles”, la realidad es que existía un tercer hombre, probablemente con el mismo talento que los otros dos, al que la circunstancias Le relegaron a un segundo plano que en la última etapa del grupo se demostró que era injustO. Tras años de escuchar y leer todo tipo de argumentos a favor de uno u otro, y de haber tomado claro partido por uno de ellos en mi juventud, con la madurez confieso abiertamente que mi favorito es sin duda Harrison (y Ringo el que mejor me cae).

Es innegable el talento de John y Paul, pero la posición de George en la banda se definio en los primeros dias de The Quarrymen cuando McCarney le invitó a formar parte del grupo tras escucharle tocar en el autobús de regreso a casa. Era el más pequeño de la banda (y en edades tan tempranas eso se nota más que cuando eres más mayor), por lo que esa cierta inseguridad en si mismo unido a la fuerte personalidad de los otros dos, su carácter introspectivo y su tendencia a quedarse en un segundo plano en las conferencias de prensa, le forjaron una imagen menos gramurosa y talentosa que la del resto de compañeros.

En cualquier caso hubo un punto de inflexión, cuando John conoce a Yoko y a Paul le toca empezar a tirar del carro casi solo a partir de “Sargent Pepper’s”, que George encuentra un resquicio por el que lograr que su voz se escuche dentro del grupo. De hecho el fue el que más presionó para abandonar las giras, el que se llevó al resto a la India a conocer a Ravi Shankar y el que, con la inclusión del sitar en las composiciones, animó al resto a buscar nuevos sonidos que luego incluir dentro de los arreglos. Además no podemos olvidar las canciones que interpretó (siempre alguna en cada álbum) y las que poco a poco fue incluyendo en los discos que pasaron de un segundo plano a competir en pie de igualdad con las de Lennon / McCarney..

Así temas como “While my guitar gently weeps”, “Something” “Here comes the sun” están entre los mejor que grabó la banda y nadie duda que sus composiciones hicieron que los otros tuviesen que seguir dando lo mejor de si para mantener el tipo respecto a su compañero. Otros temas suyos son “If I needed someone”, “Think for yourself”, “Taxman” (que abría el álbum “Revolver”), “Within you without you”, “It´s all too much”, “Old brown shoe”, “I need you”, “I me mine” o “For you blue”, sin contar con sus aportaciones al buen funcionamiento interno del grupo como mediador entre los dos pesos pesados. El llevó a Eric Clapton al estudio en un momento de máxima tensión lo que hizo que el buen rollo volviera aunque sólo fuese durante unos horas.

Prueba de su carácter tranquilo y conciliador es lo que se puede ver en una de las escenas de la película “Let it be” en la que Paul parece no muy satisfecho con lo que está tocando y se lo hace saber de forma un tanto desagradable. El, en lugar de cabrearse y enzarzarse en una discusión, se muestra abierto a hacer lo que el otro dijese sin querer entrar en polémica alguna. Ese carácter suyo hizo que no pelease por muchos de los temas que iba presentando al grupo y que, una vez disuelto definitivamente en 1970, pudo incluir en el fantástico “All things must pass” que tiene el honor de ser el primer disco triple de la historia del rock. La gran colección de temas, casi todos fantásticos, hizo de este, en mi modesta opinión, el mejor disco publicado por un “beatle” en solitario. Puede parecer exagerado, pero ninguno de sus excompañeros (es cierto que le ayuda el hecho de ser triple) reunía mayor número de canciones buenas que este.

Y después de todo lo dicho, en opinión de los que le trataron de cerca, parece ser que era un tipo abierto y dicharachero, amigo de sus amigos y una gran persona siempre buscando el buen ambiente a su alrededor. En un mundo tan cainita como el musical, fue uno de los grandes amigos de Bob Dylan, mantuvo su relación con Eric Clapton a pesar de que le quitase la mujer y tuvo un vínculo de gran afecto con gente como Billy Preston, Tom Petty, Carl Perkins, Jeff Lynne o los otros “beatles”... Fuera de la música su gran amigo fue Eric Idle de los “Monty Python” a los que produjo sus películas y para los que compuso algunas canciones.

En su carrera en solitario, al margen del ya mencionado “All things must pass”, publicó otros nueve discos de estudio, dos directos y otro par de recopilatorios repartidos en 20 años. En el último álbum que publicó en vida en 1987 (tras su fallecimiento apareció uno en el que había estado trabajando en los últimos tiempos en compañía de su hijo) reunió en su garaje para grabar el tema "Handle with care" como cara B de un single a Bob Dylan, Tom Petty, Roy Orbison y Jeff Lynne, y dado el buen resultado del encuentro decidieron grabar un álbum entero (luego serian dos) bajo el nombre de The Traveling Wilburys. Su muerte se produjo un 29 de noviembre de 2001 tras una larga enfermedad, sin hacer mucho ruido y rodeado de la gente a la que quería

He de confesar que la noticia no vino en el mejor momento y me dejo bastante tocado. El mundo de la música le sigue llorando, y raro es el año que alguno de sus amigos no realiza algún acto para mantener viva su memoria. No es necesario ya que es eterno, y lo es por si mismo y por la banda a la que perteneció, pero sobre todo por que hizo llorar dulcemente a su guitarra y el que la ha escuchado nunca lo olvidara...

Una vuelta por la gira de Björk

Mucho se ha hablado en los últimos tiempos de la cantante islandesa por algunas cuestiones extramusicales y es justo hacerlo, ahora que hay razones, por la materia en la que sin duda más destaca. Es cierto que lo que se ha escrito no es negativo, ya que tiene que ver con una fundación que ha creado en colaboración con la firma feminista “Audur Capital” (la cantante aporta el nombre y la empresa más de 800000 dólares) con el objetivo de inyectar capital en aquellas compañías que sean social y medioambientalmente responsables con el fin de restablecer la maltrecha economía de su país, y a la que dedica su tiempo intentando captar nuevos inversores. Además cedió el sencillo “Natura” (se puede ver el video en “Nattura.info”) a una asociación en la que se recogen ayudas para la protección del medio ambiente islandés, con lo que aunque no haga música tampoco ha estado quieta.

Pero por fin ahora vuelve a ser noticia por la publicación de un nuevo trabajo llamado “Voltaic” y que, aunque en principio estaba prevista para la semana que viene, de momento la edición se ha retrasado sine die. En breve se cumplirán dos años desde la aparición en el mercado de su último disco de estudio “Volta” y, aunque duela a alguno de sus fans más apasionados, hay que reconocer que la llegada de esta caja decepciona un poco. Después de todo ese tiempo lo que muchos esperábamos era nuevo material con el que poder volver a buscar argumentos para defenderla o acribillarla (según gustos) y decidir si es una jeta o la artista más grande e innovadora del siglo XXI.

Yo, sin ser un experto dominador de su obra y si tuviese que decantarme por una de las dos opciones, lo haría por la segunda ya que me merece todo el respeto del mundo y acepto que ha hecho cosas muy interesantes. Aunque sólo sea por “Human behavioure” y “Vespertine” (tema de su álbum de 1993 “Debut” y su disco de 2001 respectivamente) merece que su nombre aparezca en los libros de historia de la música, y sinceramente creo que este mundillo nuestro es mucho mejor con ella dentro que sin ella. Eso no quita para que me parezca que alguna de las cosas que ha publicado sean auténticos peñazos que no se traga ni el tío más colgado del mundo, pero también le pasa a Young o Dylan y nadie les pone en duda...

El tiempo que ha dejado pasar para publicar esta caja de recuerdo y en edición limitada de la gira de “Volta” (que ha terminado hace no demasiado tiempo) hace presagiar que vamos camino del mayor periodo sin disco de Björk que haya pasado nunca. Hasta ahora el record esta en los cuatro que transcurrieron entre “Homogenic” de 1997 y el ya mencionado “Vespertine” (sin duda sus dos mejores trabajos aunque “Debut”, “Post” e incluso la BSO de “Bailando en la oscuridad” también brillan a gran altura), y aunque desde entonces han aparecido otros dos, su capacidad para componer y sorprender ha bajado bastantes enteros, por lo que es difícil imaginar otro disco con inéditos a corto y medio plazo.

Dentro de “Voltaic” te encuentras con un poquito de todo lo que ha sido la presentación en vivo de su último álbum. Se trata de una bonita caja con dos CD’s y dos DVD’s que incluyen las imágenes de un concierto en Paris y otro en Reykjavic, los videos del disco y dos documentales, y dentro del audio encontramos remezclas y versiones acústicas de todos los temas de “Volta”. Como amante de este tipo de productos agradezco y aplaudo su aparición, aunque debería ser un complemento y no una alternativa que la haga ganar otro par de añitos antes de ofrecer material nuevo (y más cuando estamos hablando de su peor disco junto a “Medulla”).

Quizás el problema esté en que hizo de la innovación su bandera y en los últimos ocho años no ha encontrado un mástil en el que hacerla ondear. Sus fans seguro que la esperan, aunque supongo que entenderá que un servidor, hasta que decida resucitar, se va a dedicar a otros menesteres. Cuestión de prioridades...

Un letrista llamado Antonio Machado

Ayer se cumplieron 70 años de la muerte del poeta Antonio Machado en Collioure y, como este es un blog dedicado a la música en todas sus variantes, creo que el hecho de que sus versos hayan sido utilizados como letras de canciones y que algunas de estas hayan quedado dentro del subconsciente colectivo de varias generaciones, le hacen merecedor de un pequeño recuerdo desde este espacio. Y más cuando estas canciones para después del último viaje, sin estar en absoluto inspiradas en él, perfectamente podrían haberlo estado...

La referencia que a todo el mundo le viene a la cabeza cuando se habla de Machado y música es la de Joan Manuel Serrat y su disco de 1969 “Dedicado a Antonio Machado poeta”. Esto es una opinión muy personal, pero creo que la carrera del “noi del Poble-sec” no habría sido la misma sin él, ya que desde ese momento despego definitivamente e hizo que la polémica de eurovisión se olvidase completamente. Es cierto que su primer disco en castellano (tenia ya tres en su lengua materna) había gozado de bastante éxito, pero fue con su maravillosa aproximación a la obra machadiana cuando recibió el unánime aplauso de crítica y público, logrando sacar del olvido y reivindicar (con el dictador aun en el poder) a un poeta marginado y olvidado durante décadas por su orientación política.

Además de incluir dos poemas previamente musicados por Alberto Cortez (“Las moscas” y “Retrato”) y otro de creación propia dedicado al poeta (“En Coulliure”), los nueve restantes son magnificas adaptaciones de sus versos que consiguieron emocionar y conmover a mucha gente a ambos lados del Atlántico. Lo bueno de estos temas en comparación con los de Paco Ibáñez (“Era un niño que soñaba”, “Proverbios y cantares”, “Tus ojos me recuerdan”, “Yo voy soñando caminos”...) son las preciosas melodías y lo fácil que resultaba su escucha para toda clase de público frente a la aspereza y dureza del estilo del valenciano. Por contra este tiene a su favor el gran reconocimiento que ha tenido su labor de cantador de poetas y que su obra sea utilizada en muchos colegios como material didáctico. Serrat logró su disco más vendido y el éxito, Ibáñez ser la voz y la música de la poesía española.

Pero la aparición de Machado en letras de canciones no se ha quedado exclusivamente en el terreno de los cantautores (otros no tan conocidos como Esteban Valdivieso con “Yo voy soñando caminos” o “La primavera besada”, Adolfo Celdrán con “Abril florecía” o Garpar Payá con “Pegasos” también han puesto melodía a textos de suyos), y por ejemplo versos como “Llanuras bélicas y páramos de asceta – no fue por estos campos el bíblico jardín-; son tierras para el águila, un trozo de planeta por donde cruza errante la sombra de Caín” aparecen en el tema de Robe Iniesta (de Extremoduro) “Buscando una luna”.

Probablemente sean muchas las razones por las que se le debe recordar y ninguna de ellas tenga que ver con la música. Lo se, pero en mayor o menor medida todos en algún momento de nuestra vida hemos entonado eso de “Todo pasa y todo queda...” sin saber muy bien de donde venia y es gracias a que van acompañados de melodía por lo que viven en nuestra memoria. Murió hace 70 años, pero sigue entre nosotros y seguirá mientras alguien abra uno de sus libros y lea sus versos o una de sus canciones suenen en cualquier rincón del mundo.

Santander, 10 - Agosto - 1989 (Radio Futura)

Junto con Nacha Pop son la mejor banda surgida en España en la tan cacareada “movida madrileña” aunque a diferencia del grupo de Antonio Vega desde el primer momento fueron tratados como los niños bonitos del movimiento por todos los medios (desde los más comerciales tipo “Los 40” hasta los más “puristas” como “La edad de oro”), lo que hizo que alcanzaran el éxito con relativa facilidad (y una impresionante colección de canciones y unos directos absolutamente bestiales). El bootleg que hoy comento fue emitido por “Radio3” en el verano-otoño de 1989 y corresponde a su “gira décimo aniversario” que, por desgracia para ellos, no pudo realizarse como les habría gustado. El sonido es perfecto, y cuando me apetece recordarles en vivo es a esta grabación a la que recurro y no a la oficial.

En marzo de ese año había aparecido en las tiendas “Escuela de calor. El directo de Radio Futura”, un disco grabado en los dos últimos conciertos de la gira de promoción de “La canción de Juan Perro” y que personalmente creo que es una autentica chapuza. Para empezar se vendió en formato de álbum doble cuando perfectamente habría cabido el material en uno sencillo. La razón es que, si bien en un principio iban a editarlo como sencillo, tras escuchar las cintas de los conciertos decidieron editar las 18 canciones del show por lo que necesitarían el formato de doble LP. Un nuevo cambio de planes redujo nuevamente el número de temas a 11, pero mantuvieron los dos discos con lo que el precio de venta fue superior al que debería haber sido.

Además, por desgracia, no refleja ni mucho menos lo que era la banda en esos momentos quedando una grabación bastante fría y carente de todo el sentimiento y emoción que, los que tuvimos ocasión de verles en directo en aquella época, sabemos que eran capaces de transmitir sobre un escenario. Por último se nota que está muy retocado en la postproducción con lo que creo que todo se queda en un intento fallido que no impidió que se vendiera como churros y preparase el camino de lo que seria la apoteosis final de su carrera un par de años después.

Pero en ese momento ya estaban trabajando en el estudio en su nuevo álbum y que a la postre seria el último de la banda con material inédito. La idea inicial era comenzar una gira para conmemorar sus diez años en la música y que en el ecuador de la misma apareciese publicado el disco, con lo que “Escuela de calor” serviría para promocionar la gira y esta haría lo propio con “Veneno en la piel” que es el título que llevaría esa colección de nuevas canciones. Todo se torció cuando a mitad de la grabación Enrique Sierra sufre un derrame cerebral y tiene que ser operado de un aneurisma que le deja semiparalizado el brazo izquierdo. La grabación con las bases de las diez canciones hechas se paraliza y empiezan a preparar los conciertos con un nuevo guitarrista.

El elegido es Ollie Halsall (mano derecha durante 20 años de Kevin Ayers y que moriría de sobredosis en 1992) que se sumaria los hermanos Auseron, Antonio Moreno (batería muy reconocido dentro del nuevo flamenco) y al teclista Pepe Torres para los 35 conciertos que darían entre el 2 de agosto y el 8 de noviembre uno de los cuales es el que recomiendo hoy. Ya he comentado en otras ocasiones que los “piratas” de grupos españoles, por norma general, suelen tener dos posibles fuentes: o un concierto grabado para algún especial de televisión o uno emitido por la radio. En los del segundo tipo no es raro que entre canción y canción haya comentarios que pisan algún tema, aunque en esta ocasión (y debido a que se incluían en el repertorio 5 no publicados que irían en el disco aparcado) lo hacen en mitad de los mismos para evitar que se radien por otros medios antes de tiempo.

Los arreglos de las canciones varían en muchos casos de los del disco en directo cosa que se agradece bastante ya que estas cobran interés con sus nuevos ropajes, y además aquí si que aparece perfectamente reflejada la fuerza e intensidad que tenían sus conciertos. Incorpora además las tres versiones (Bob Marley, Marvi Gave y Otis Reding) que hacían en los bises y, aunque se nota la ausencia de Enrique sobre las tablas, la grabación es muchísimo mas disfrutable que la oficial y hace honor a lo que esos directos eran capaces de transmitir a los que nos encontrábamos ahí abajo...

Tras el fin de la gira volvieron al estudio para acabar el disco que se traían entre manos con Enrique ya recuperado y en marzo de 1990 salía directamente al numero uno de las listas. Aún les quedaban un par de añitos de vida como grupo aunque el 30 de septiembre dieron su último concierto y “Tierra para bailar” fue un disco de relecturas de temas propios para cerrar el contrato que tenían con “Ariola”. En primavera de 1992 anunciaron su separación con un comunicado de prensa cuando estaban en su punto álgido alegando que era la única forma de mantener su independencia artística y creativa. Sus caminos han vuelto a cruzarse desde entonces en varias ocasiones, pero han sabido respetar el peso y valor de su historia no mancillando el nombre casi sagrado de Radio Futura. Yo se lo agradezco.

Título del bootleg: Concierto en Santander, 10 Agosto - 1989
Lugar y fecha: Santander, 10 Agosto - 1989
Listado de canciones:
01 – Escuela de calor.
02 – Han caído los dos.
03 – A cara o cruz.
04 – Si me dejas solo.
05 – Mercuriana.
06 – Imagen pública.
07 – El tonto Simón.
08 – La vida en la frontera.
09 – Veneno en la piel.
10 – No tocarte.
11 – En el chino.
12 – Condena de amor.
13 – El canto del gallo.
14 – Paseo con la negra flor.
15 – Soul shakedown party.
16 – I heart it through the gravepine.
17 – Hard to handle.
18 – La estatua del jardín botánico.

U2 pierden la línea del horizonte

Hace varias semanas que está a la venta en tiendas digitales “Get on your boots” el primer single del nuevo disco de U2 y desde hace un par de días (para quien sepa buscarlo) ya se puede descargar gratuitamente en la red “No line on the horizon”, aunque su aparición en las tiendas no este prevista hasta el próximo 2 de marzo. La verdad es que yo creía que la filtración iba a ser imposible, ya que las medidas de seguridad tomadas por la discográfica en esta ocasión habían sido espectaculares, pero a pesar de todo... El secretismo que rodeaba el nuevo disco los irlandeses era total, y las noticias que se tenían de el eran escasas y las había ido dando con cuentagotas el grupo cumpliendo con su calculado plan de marketing...

Lo primero que se supo en 2006 es que estaban grabando con Rick Rubin como productor, y al cabo de unas semanas que habían decidido prescindir de él y volver a trabajar con el equipo habitual (Brian Eno y Daniel Lanois al que esta vez se incorpora Steve Lillywhite) eliminando todo el material que tenían y empezando de cero. El año 2007 lo pasaron grabando en distintas localizaciones (Fez, Dublín y Nueva York), y después de verano aparecieron en la red varios videos grabados por un vecino de la banda mientras ensayaban en la terraza del chalet de Bono en el sur de Francia, y aunque sonaban fatal en poco tiempo se retiraron ante la denuncia (o la amenaza) presentada por el representante del grupo. Luego se informó del título del disco y la portada, al poco tiempo del nombre de las canciones y los formatos en que aparecería (CD sencillo, CD + DVD, doble vinilo, edición de lujo, digital con tema extra si se reserva con antelación...) y por fin la venta single y el videoclip como anticipo del disco y las fechas de la gira (cuyas entradas saldrán a la venta casi sin tiempo de digerir su contenido).

Las trabas que se han puesto para que la prensa no colgase en la red el disco (las discográficas siempre han creído que han sido ellos los que lo han hecho con las copias que mandaban para que las críticas y reseñas se hiciesen coincidiendo con la aparición del disco) llevó a la compañía a organizar las llamadas “hearing parties” (reúnen a los periodistas en una sala y les ponen el álbum de tirón para que lo escuchen y puedan hablar de el). Está claro que esta vez no han sido los periodistas, y que la copia que ahora se puede descargar de la red ha salido de la mano de alguien lo suficientemente próximo al grupo para tenerla en su poder. Como pista para el que lo quiera buscar diré que en las redes P2P el que lo ha colgado ha sido un DJ de la radio holandesa que firma “Gielbeelen” y como consejo recomendaría precaución ya que hay gente que, bajo el nombre de discos famosos aun no publicados, cuelga en la red contenidos que no se ajustan a lo que dice el título y que a veces incluso contienen peligrosos virus.

No soy fan de U2 aunque he de reconocer que me hizo ilusión leer hace tiempo que su nuevo trabajo seria un retorno a lo que fue “Achtung baby”... Pues bien, tras un par de escuchas precipitadas tengo que decir que ya le gustaría a este parecerse ligeramente al que para mi es, con mucha diferencia, su mejor disco. Tendré que dejar que pasen unas escuchas más (aunque no me gustan tanto como para darles muchas más oportunidades) para juzgar con un poco más de criterio, pero a bote pronto he de reconocer que ha dejado un poco frió y que no me ha gustado demasiado.

Ya digo que no son ni mucho menos mi grupo de referencia por lo que creo que puedo ser bastante objetivo y, a pesar de que puedo cambiar de opinión, me parece que el horizonte al que hacen referencia en el título lo perdieron de vista hace tiempo. De momento se han quedado en la banda de un visionario enamorado de si mismo, que si bien es más interesante que muchas de las propuestas que nos bombardean todos los días, no deja de ser un producto hecho con el único objetivo de gustar y vender muchas copias. Esto no es ni bueno ni malo (depende del cristal con que se mire), pero cuando se compone pensando en la cartera y la fama en lugar de en criterios estrictamente artísticos, el resultado suele dejar mucho que desear. Puedo equivocarme, pero yo lo veo así...

De como Kurt alcanzo el Nirvana...

De no haber sido eliminado hace casi 15 años (ya 15 años) Kurt Cobain habría cumplido hoy 42... Pero, como ya habrá tiempo de Hablar de eso dentro de unas semanas, hoy me limitaré a comentar los primeros pasos de la banda antes de grabar “Nevermind” y convertirse en la brújula de una generación eligió a Cobain como gurú en vida y luego lo elevó a los altares del rock tras su muerte. Nadie como él consiguió cantarle a los deseos y frustraciones de una juventud con síndrome de Peter Pan, un mal que el mismo sufría al ser incapaz de enfrentarse a las exigencias de un negocio tan podrido como era el del rock.

Nacido en Aberdeen en 1967, su primera guitarra se la regaló su tío al cumplir 14 años y desde ese momento empezó a buscar a gente con la que poder montar una banda. A lo largo de la escuela secundaria le resultó difícil por la falta de interés y talento de sus amigos, aunque alguna vez que lo logró se dedico a hacer versiones de Led Zeppelín y AC/DC. Todo cambio en 1985 tras su encuentro con Krist Novoselic en su casa a la que había acudido acompañando a su hermano Robert del que era amigo. Krist era un gran aficionado al punk por lo que enseguida conectaron los dos y decidieron juntarse para hacer música. Ambos se convirtieron en habituales en los ensayos de The Melvins, un grupo al que admiraban, auténticos inspiradores del grunge y con el que llegaron a tocar en alguna ocasión, y que les influenciaron de una forma definitiva.

En 1986 dieron su primer concierto y, aunque fueron varios los baterías que pasaron por la banda hasta 1990, habría que destacar a Dale Crover de The Melvins con el que grabaron varias maquetas y que les acompañó en varias etapas en directo y Chad Channing que se encargó de las baquetas en “Bleach” y aguanto en la banda a lo largo de ese año y parte del siguiente. Tras utilizar varios nombres, en febrero de 1988 empezaron a llamarse Nirvana, y al poco tiempo firmaron su contrato con la discográfica independiente “Sub Pop” con la que grabaron su primer disco que vería la luz a principios del año siguiente. Los 600 dólares que costaron las sesiones de grabación corrieron a cargo de Jason Everman, y en agradecimiento la banda lo incluyo en los créditos como segundo guitarrista a pesar de n haber tocado en ningún tema. También los acompaño en la gira promocional por Estados Unidos hasta que los abandonó para incorporarse en Soundgarden en 1989.

A principios del año siguiente empezaron a trabajar en las maquetas del que seria su siguiente álbum con el productor Butch Vig y que provisionalmente iba a llamarse “Sheep”. En estas sesiones quedó claro que Chad no era el batería que necesitaban así que volvieron a recurrir a Crover para varios conciertos hasta que Buzz Osborne de The Melvins les presentó a Dave Grohl que buscaba un nuevo grupo con el que tocar tras la ruptura de su banda de hardcore punk. Después de escuchar las demos Geffen decide ficharlos, y así en como empiezan a grabar en los estudios "Sound City" de Los Angeles y co Vig de productor el que seria su primer trabajo para una multinacional.

El problema llegó con las primeras mezclas que no les convencieron, por lo que decidieron contratar a Andy Wallace que llevó el disco en otra dirección, añadiendo trucos de estudio y capas de reverberación logrando un sonido más ligero, lejos de la crudeza dela banda en directo, limitando su sonido indie y logrando un rock agradable para las radios y televisiones que años después muchos intentarían imitar. El éxito fue inmediato y superaron con creces las expectativas que la discográfica y ellos mismos se habían creado. Lograron llevar el sonido grunge y alternativo a las listas de ventas y mejores discos del año, y lograron que los medios prestasen atención a una serie de grupos que llevaban tiempo haciendo música y hasta ese momento habían pasado inadvertidos.

El resto de la historia es conocida... Giras multitudinarias, millones de discos vendidos, su adicción a la heroína, la aparición de Courtny Love en su papel de Yoko Ono de la “generación X”, una desmesurada persecución por parte de los medios, ingresos en clínicas de desintoxicación... y finalmente su muerte el 5 de abril de 1994. Dicen que tenia intención de romper con todo lo que le rodeaba e iniciar una nueva vida al margen de la música y de su mito.

Aspiraba a convertirse en el Salinger del fin de siglo y en lugar de eso apareció muerto en el garaje de su casa con una bala en la cabeza. Desde ese momento pasó a formar parte del Olimpo del rock y de los cadáveres ilustres, aunque yo no me creo que se suicidara ya que para muchos valía más dinero sobre un charco de sangre que retirado, y ya se sabe lo que pasa cuando hace acto de presencia el poderoso caballero... Pero me temo que esa es una historia que contaré en otro momento...

There there (Radiohead)

In pitch dark I go walking in your landscape.
Broken branches trip me as I speak.
Just 'cos you feel it doesn’t mean it's there.
Just 'cos you feel it doesn’t mean it's there.

There's always a siren singing you to shipwreck.
(Don't reach out, don't reach out)
(Don't reach out, don't reach out)
Stay away from these rocks we'd be a walking disaster.
(Don't reach out, don't reach out)
(Don't reach out, don't reach out)

Just 'cos you feel it doesn't mean it's there.
(There’s someone on your shoulder)
(There’s someone on your shoulder)
Just 'cos you feel it doesn't mean it's there.
(There’s someone on your shoulder)
(There’s someone on your shoulder)
There there.

Why so green and lonely?
And lonely.
And lonely.

Heaven sent you to me.
To me.
To me.

We are accidents waiting.
Waiting to happen.
We are accidents waiting
Waiting to happen

(Extraída del álbum "Hail to the thief " / EMI - 2003)

La niña rockera - V

La niña rockera ya no está sola. Desde hace unos días ha dejado su condición de solista para entrar a formar parte de un dúo y, aunque aparentemente no se lo ha tomado mal, habrá que dejar que pase un tiempo para ver que tal se adapta al nuevo formato. De momento todo sigue más o menos igual, y cuando voy a buscarla a la salida del cole sigue pidiéndome que la cante alguna canción de las que a ella la gustan. El problema llega cuando lo que me pide se encuentra en el extremo contrario de mis preferencias musicales y encima el artista en cuestión me resulta desagradable y antipático.

Ni que decir tiene que, llegado el caso, hago de tripas corazón y me marco un dueto con mi niña sin que me importe demasiado ir por la calle más importante de la ciudad dando la nota. Además pedirle a un niño discreción y mesura resulta imposible por lo que lo normal es que la gente se gire con una sonrisa en los labios cuando ven a mi pequeñaja cantando a grito pelado el último hit del momento... Por que esa es otra de las cosas que me gustaría mencionar. La influencia de los medios es tan salvaje que, una niña de tres años que no escucha en su circulo familiar una clase concreta de música, es capaz de aprenderse al dedillo una canción sin que nadie se entere y dejarte con la boca abierta en el momento en que decide cantarla.

Algo así me sucedió una noche mientras la bañaba. Habíamos estado repasando algunas de las canciones que más la gustan con sus correspondientes representaciones (es muy gesticulera y la encanta mover las manos y el culo cuando canta), cuando de repente, cuando estoy a punto de sacarla, se arranca con el tema “Tenía tanto que darte” de Nena Daconte. Aunque la sorpresa no me dejó reaccionar y la miré con cara de tonto, he de reconocer que al llegar al estribillo no pude evitar echarla una sonrisa y pegarla un besazo ante la emoción y sentimiento que fue capaz de imprimirle a la canción al decir eso de “...tenia tanto amor guardado para ti...” mientras me miraba...

El consuelo lo tengo en que la sigue encantado mirar cada día los vinilos, ahora con un nuevo reto que se ha autoimpuesto ella misma y que consiste en encontrar discos de colores. Hace ya varias semanas, al ir a poner el LP que había elegido (el “Impermeable” de Carlos Berlanga que tiene en su portada como gotas de agua), se dio cuenta de que era transparente y a partir de ese momento su interés dejo de estar en escucharlo para intentar poner toda la manaza encima y mirar a través de el. Desde ese día cada vez que se encuentra un vinilo negro (qué es lo habitual ya que en mi colección los que no lo son no llegan a ochenta) me dice “mira papito, que disco más aburrido”, y aunque se sienta a escucharlo yo se que en su cabeza está buscando alguno con un color que no haya visto.

Ya he comentado en otras ocasiones que sé que, al menos durante bastante tiempo, tengo la batalla de la música completamente perdida. Por ahora lo que realmente la gusta es lo que corresponde con su edad, y en este momento su gran pasión se llama “cantajuegos”, que son unos señores rodeados de niños escenificando con bailecitos y todo tipo de parafernalias los grandes clásicos del cancionero infantil y que a ella la encanta repetir una y otra vez. Lo cierto es que no me preocupa demasiado ya que sé que tarde o temprano todo esto pasará (cómo lo hicieron los Lunnis, Enrique y Ana o los payasos de la tele), y que probablemente esa búsqueda de vinilos de colores la lleve a encontrarse, dentro de unos años, con el disco que haga que definitivamente su vida cambie... Ojala que así sea...

Enganchado a la buena vida...

Es fácil imaginar como un grupo de chavales deciden formar una banda en un lugar como San Sebastián para hacer canciones y cantarlas. La bahía de La Concha, el casco viejo, la playa de Gross, un paseo alrededor del Monte Urgull, el mar rompiendo en el peine de los vientos o las vistas de la ciudad desde el Igeldo..., son evocadores rincones capaces de inspirar al más frió de los corazones, por lo que es lógico que con un poco de talento y ganas de hacer cosas la magia tiene que surgir a borbotones por cualquier lugar. Y en esta ocasión lo hizo a principios de los 90 gracias a una serie de grupos que, bajo el paraguas del conocido como “Sonido Donosti”, fueron capaces de ponerle letra y música a todas las imágenes que nos pueden venir a la cabeza cuando pensamos en la capital guipuzcoana.

Ya he hablado de Family y he hecho referencia en alguna ocasión a Le Mans, Las Aventuras de Kirlian, El Joven Brian, AMA... pero de todos entre todos ellos, si tuviese que quedarme con uno solo, lo haría, sin duda, con La Buena Vida. Uno de lo primero que hay que decir es que los miembros de estos grupos (salvo alguna excepción muy concreta) no viven de la música. Todos tienen sus trabajos al margen para ganarse la vida, ya que difícilmente pueden mantenerse 6 personas dentro del circuito indie, y creo que este detalle sirve para engrandecer su carrera y su obra. Todo lo hacen por amor al arte, por que necesitan reunirse para escribir canciones, ensayar o simplemente escuchar un disco... Y luego el fin de semana a tirar millas para actuar allí donde se les reclame, siempre de buen humor aunque acaben de hacerse cientos de kilómetros en una furgoneta.

A lo largo de todos estos años han publicado “La Buena Vida” (1993), “Los mejores momentos” (1994), “Soidemersol” (1997), “Panorama” (1999), “Hallelujah” (2001), “Álbum” (2003) y “Vidania” (2006) en formato de disco grande, y como EP’s con temas no incluidos en los discos “Historia de un verano” (1992), “Mira a tu alrededor” (1994), “Magnesia” (1995), “Eureka” (2000), “Qué nos va a pasar” (2001), “Harmónica” (2002), “Los planetas” (2003) y “La mitad de nuestras vidas” (2006). Son muchos títulos y canciones para un grupo no profesional, y más si lo comparas con sus ilustres paisanos de las narices (o la orejas) que se dedican a la vida contemplativa y a mirarse el ombligo en los años que les sobra entre bodrio y bodrio.

Tal vez su punto flaco haya estado en el directo ya que a veces resulta difícil trasladar sobre un escenario los arreglos instrumentales y orquestales que incluyen en algunos de sus temas. Por mucho que quieran llevar esas partes pregrabadas o utilicen un teclado para intentar reproducir los sonidos, siempre que los he visto en vivo he sentido que el concierto cojeaba en algún punto que no sabría decir cual es pero que yo percibía claramente. Pero es tan poco lo criticable comparado con lo mucho que dan... Sólo por el hecho de atravesarse el país de punta a punta durante un fin de semana por cumplir su sueño de hacernos soñar a los demás y la coleccion de hermosas cancioncillas que han compuesto justifican una carrera.

Por el contrario sus discos son pequeñas joyas para disfrutar en soledad y dejar que sus delicadas melodías te arrastren donde uno quiera. Personalmente no creo que sean dulzones (el llamado “nocilla pop”) y, si bien es cierto que la melancolía sobrevuela toda su obra, no lo es menos que el cielo gris de Donosita fundiéndose en el horizonte con el mar no puede provocar otras emociones que no sean esas. Además, y para acabar de redondear sus trabajos, las portadas que Aramburu les ha hecho (de las mejores de la últimas dos décadas en España) se integran tan bien en la obra que continente y contenido viajan de la mano para conseguir un todo emocionante y precioso.

Hoy se ha conocido la noticia de que su vocalista, Irantzu Valencia, ha abandonado el grupo ahora que es inminente la aparición de su nuevo EP (marzo) y disco (abril). Al menos no harán el papelón de buscar otra cantante y Mikel Aguirre (que ya lo hacia en alguna canción) se encargara de las voces. Soy adicto a la buena vida, lo reconozco, y a pesar de todo lo ocurrido espero seguir siéndolo todavía durante muchos años...

¿Por quien doblan las campanas, Mike?

Hacia muchísimos años que no escuchaba a Mike Oldfield. Nunca ha sido santo de mi devoción y únicamente le reconozco dos discos y medio dignos de mención, pero hay que reconocerle el dudoso mérito de haber vivido durante 35 años casi en exclusiva de un solo disco, y créanme, eso no es fácil. En las últimas semanas las circunstancias y ciertas influencias externas han hecho que revise otra vez su obra y lo único que puedo decir es que se han confirmado todas mis dudas y recelos de antaño.

Su primera aparicion seria dentro del mundo de la música fue acompañando a Kevin Ayers, primero como bajista y luego como guitarrista. En la banda de Ayers coincido con David Bedford que se ocupaba de los teclados y, como tenia cierta formación clásica y conecto con Mike, le ayudó en la creación de la maqueta del que seria su primer disco en solitario. Tras dejar el grupo y con su demo bajo el brazo recorrió todas las discográficas de Londres, pero en todas recibía la misma respuesta: es poco comercial y esto no lo va a comprar nadie. Empezó a trabajar como músico de sesión, y esto le llevó a los estudios “The Manor” que acababa de inaugurar Richard Brandson.

De entrada no le interesó el trabajo de Mike pero, como a los que trabajaban en su estudio si les convenció, le dejaron una semana que trabajase en una nueva maqueta. Y lo que no consiguieron sus colaboradores lo logró Simon Draper (propietario de una cadena de tiendas de discos) con el que se asocio para crear la discográfica Virgin. En “Tubular bells” Oldfield tocó prácticamente todos los instrumentos (más de veinte) y se grabaron más de dos mil cintas de pruebas. El poco tiempo que tubo para las mezclas finales y lo poco avanzadas que estaban las tecnologías hicieron que fuese un trabajo muy artesanal y que al final no sonase como a él le hubiese gustado.

Apareció en las tiendas en mayo de 1973, y el éxito fue inmediato. Esto Mike no lo llevó nada bien y se nota en el fallido “Hergest Ridge”, y recurrió por primera vez a su obra más conocida para que le sacase las castañas del fuego. En 1975 apareció la versión con orquesta sinfónica de “Tubular bells” en la que el tocaba la guitarra y que, aunque no alcanzó el éxito de la original, si logró frenar las críticas a su segundo trabajo. Pero todo esto no habría servido de nada si no llega a ofrecer algo bueno en su siguiente entrega, y por suerte lo hizo ya que en octubre de 1975 vio la luz “Ommadawn”, sin lugar a dudas su mejor disco y uno de los mejores del rock sinfónico de los 70.

El resto de la década y los 80 los paso publicando discos más bien sosos en los que mezclaba temas instrumentales con cancioncillas pop que, aunque hay que reconocerlas cierto interés, escuchadas ahora naufragan por esa producción tan ochentera... Pero aún le quedaba un as en la manga, y este se llamó “Amarok” y lo publicó 1990. Aunque es deudor del “Tubular..” por su concepto y desarrollo (aparecen las campanas y el cavernícola), en la base musical encontramos folk inglés, algún toque flamenco y música africana, por lo el disco se convierte en un trabajo interesantísimo y muy disfrutable que, incomprensiblemente, no recibió el reconocimiento de la crítica y el público. En cualquier caso creo que es su segunda y última obra maestra y que desde aquí empezó una acelerada decadencia.

En los últimos 18 años ha publicado 11 discos, que no es una mala cantidad pero, lamentablemente, ninguno de ellos llega al nivel mínimo exigible para alguien que ha sido capaz de firmar dos obras maestras (sobre todo una de ellas) y media. Además han sido cuatro más las relecturas del “Tubular bells” que ha hecho (“TB – II” en 1992, “TB – III” en 1998, “The millenium bell” en 1999 y “Tubular bells - 2003” en 2003) por lo que el asunto huele demasiado a podrido y suena a intentos fallidos para relanzar su carrera. Es cierto que se ha hablado mucho de él en esos casos y nada con los otros discos, y que la tentación de que hablen de uno, aunque sea mal, es demasiado tentador para alguien que ha estado en lo más alto. Probablemente piense que aún puede hacerse un hueco en el mercado o que las descargas de internet le están haciendo la puñeta, pero lo que realmente está sucediendo, y tu lo sabes Mike, es que las campanas están doblando es por ti...

Londres, 23 - Agosto - 1996 (Oasis)

Cuentan las crónicas que el concierto que el pasado jueves dieron Oasis en Madrid fue apoteósico, y pese a mis inmensas dudas, al ser varios los medios que se han hecho eco del tema supongo que será verdad. No he escuchado sus últimos discos por la decepción que supusieron “Be Here now” y “Standing on the shoulder of giants” y por que ahora no me apetece demasiado, pero entre 1994 y 1997 fueron uno de los grupos que me hicieron perder la cabeza y creo que lo que publicaron esos primeros años es de los mejores inicios de carrera dentro del rock and roll. Para hoy he seleccionado el concierto que grabaron dentro del ciclo “MTV Unplugged” y que probablemente supuso el principio de su decadencia.

En 1993 se publicaron “New wave” de Auteurs, “Modern life is rubis” de Blur y “Suede” de Suede y para muchos este es el trío sobre el que surge el “britpop”. Hasta ese momento en lo musical los 90 eran el “grunge” (y su reflejo en la “generación X”) y, aunque parecía que su reinado iba a durar eternamente, en el Reino Unido empezaban a surgir bandas que sin renunciar a su tradición pescaban en otros ríos buscando su propia identidad. Pero esta renacida actividad musical necesitaba que pasase algo que los situara en el centro mediático, algo que hiciese que todo el mundo girase la vista hacia lo que estaba sucediendo allí e hiciese que el gran público decidiese que lo que ahora molaba era eso... Y ese algo se llamó Oasis.

Es 1991 y estamos en Manchester. Bajo el nombre The Rain se reúnen Paul “Boneheads” Arthurs (guitarra), Paul McGuigan (bajo), Tony McCarroll (batería) y Chris Hutton (voz) para formar una banda, pero como el cantante no les convence deciden sustituirle por un amigo llamado Liam Gallagher. Tras su primer concierto Noel (hermano mayor de Liam) se les acercó y les dijo “o me dejáis escribir las canciones y somos superestrellas, o os quedáis aquí en Manchester para el resto de vuestras tristes vidas”, y como lo que les enseñó les convenció se incorporó al grupo. Cambian de nombre y, con las nuevas canciones, empiezan a ganarse un nombre y a actuar con asiduidad por los locales de su ciudad, hasta que en 1993 en un concierto en Glasgow les vez un ejecutivo de la discográfica Creation y les contrata.

En la primavera del año siguiente publican sus dos primeros singles que, aunque entran en las listas de venta, no causan un impacto especial. Todo cambió en agosto con la aparición de “Live forever” que hace que se empiece a hablar de ellos con lo que en septiembre, cuando publican “Definitely maybe”, ya son conocidos y se colocan directamente en el Nº1 de ventas en el Reino Unido. Giran por Estados Unidos y graban “Whatever” antes de acabar el año, pero las broncas entre los hermanos, su actitud chulesca y provocadora con la prensa y su enfrentamiento con el resto de grupos británicos el momento, les sitúan en la portada de todos los tabloides, y todo el mundo empieza a hablar de esos muchachos deslenguados de Manchester.

Hay que destacar que los singles que publicaban iban siempre acompañados con tres canciones inéditas que no publicaban en el álbum. En muchas ocasiones estos temas eran superiores a los que aparecían en el disco, y además ellos así lo reconocían interpretando muchos de estos en sus conciertos. Si esta etapa de su carrera fue tan mágica es precisamente por esto ya que lograron mantener el interés en ellos permanentemente tanto por lo musical como por lo que sucedía a su alrededor. Y fue ante la publicación de su segundo disco cuando estallo la gran guerra mediática del britpop. En agosto de 1995 aparecieron los singles adelanto de los nuevos discos de Blur y Oasis y tras los ataques de los Gallagher a los chicos de Damon Albarn la batalla estaba servida. Blur vendió de entrada más sencillos, pero la aparición de “What's the story) morning glory?” devolvería la hegemonía a Oasis y les convertiría en la mejor banda del mundo.

El 23 de agosto de 1996, tras una exitosa gira mundial y de meter mas de 250000 personas en el festival de Knebworth, se dispusieron a grabar su unplugged para la MTV (en esos años no eras nadie si no grababas uno de esos conciertos). Cuentan que un rato antes de empezar la actuación los hermanísimos llegaron a las manos y que Liam se negó a salir al escenario. Cantó Noel, y personalmente creo que este es uno de los puntos álgidos de su carrera, ya que unido al repertorio y lo bien que sonó la banda, la ausencia de la voz chillona del menor de los Gallagher dotó a las canciones de un toque especial que después no se ha vuelto a repetir.

Título del bootleg: MTV Unplugged
Lugar y fecha: “Royal Festival Hall”, Londres, 23 – Agosto – 1996
Listado de canciones:
01 - Hello
02 - Some might say
03 - Live forever
04 - Listen up
05 - The masterplan
06 - Don't look back in anger
07 - Talk tonight
08 - Morning glory
09 - Round are way + Up in the sky
10 - Cast no shadow
11 - Whatever
12 - Wonderwall

Queda la música (Luis Eduardo Aute)

Miro el instante que ha fijado
la fotografía,
ríes con la timidez de a quien
le avergüenza la risa.
Quince años que sujeto entre mis brazos
al compás del último disco robado.
Nada queda en ese trozo de papel,
todo es alquimia;
veo que es la prueba más veraz
de que todo es mentira.
Esos rostros ya no llevan nuestros nombres,
son dos máscaras perdidas en la noche,
pero, queda la música...

Siento que ese tiempo que se fue
no ha sido nunca nuestro,
*como cuando te miro y no logro
recordar tu cuerpo;
no eras tú aquella insolencia de latido
que encendía mis deseos más prohibidos.*
Creo que tú y yo no somos más
que dos desconocidos,
otros, dos extraños que en el tiempo
se han hecho asesinos
de esos dos niños de la fotografía
que, abrazados, van bailando por la vida,
pero, queda la música...

(Extraída del álbum "De par en par" / ARIOLA - 1979)

NOTA: En los últimos años la estofa entre asteriscos la sustituye por la que reproduzco a continuación:

*como cuando intento recordar la sed
de nuestros besos
y qué fue de aquel volcán de escalofríos
que arrastraba nuestros cuerpos al abismo.*

El que este libre de pecado...

Tal vez sea un cascarrabias y busque pegas para todo, pero es que las tiendas de discos en general hacen su trabajo bastante mal. La ausencia casi total de sitios donde comprar música en mi ciudad hace que cada vez visite con mas frecuencia las grandes superficies y raro es el día que no salgo echando pestes. La verdad es que tengo la sensación que no tienen ningún interés en vender y que dedican un espacio a los discos como podrían hacerlo a las bolsas de plástico (si es que hubiese demanda)

Al margen del criterio con el que suelen estar colocados o la ausencia de preparación casi total del vendedor, lo peor llega cuando por fin tienes entre las manos el CD que te interesa. Para empezar te lo sueles encontrar protegido por una carcasa de plástico duro que en la parte de atrás tiene un gran logotipo del centro que suele tapar (¿Ley de Murphy?) parte los títulos de las canciones. Además si llevan el precio (que muchas veces no lo tienen y te toca acercarte a la caja para que un dependiente con gesto de contrariedad lo mire en el ordenador) la etiqueta es enorme y no te deja ver el resto de información de interés de la contraportada.

Llegados a ese punto a uno, que le gusta saber este tipo de cosas (seguramente mucha gente piense que lo que cuento es una chorrada y lo único que interesa conocer es el precio), no le queda más remedio que intentar separar un poco la carcasa para tratar de ver algo detrás de la marca de la tienda o levantar el precio, y es entonces cuando el encargado, que lleva un rato observándote, se acerca para preguntarte si buscas algo o hay algún problema... ¡Pues claro que lo hay!, le digo, y a continuación le planteo mi queja... Al final buenas palabras y gesto de incredulidad del vendedor que no entiende como le pueden tocar todos los raros a él.

Ya digo que no entiendo por que no facilitan al máximo al que compra la posibilidad de hacerlo en las mejores condiciones posibles ya que hay mucha gente (o alguna) a la que estos pequeños detalles les echa para atrás a la hora de comprar un disco (a menos que lo tenga claro y vaya a tiro hecho). Es evidente que lo que quieren es que pase el menor tiempo posible entre que ves el disco y decides comprarlo. Si alguien lo mira y remira tiene tiempo de pensar y de echarse atrás así que abreviando los plazos dejas todo en manos del impulso consumista que al final suele ganar.

Por desgracia esto que sucede en grandes comercios, con frecuencia también pasa en los pequeños que en teoría tienen una clientela más especializada y que busca algo que no sea el superventas de turno. Pero es que además estas tiendas pequeñas, en su gran mayoría, tienen la costumbre de pegar el precio y el logo directamente sobre la funda del disco con lo que al quitarla tienes e riesgo de que se lleve un trocito de cartón y se estropee la contraportada. Es decir en lugar de cuidar el producto ponen la primera piedra para que se deteriore.

Todo esto lo que me hace pensar es que no conocen al que compra su producto y que, si bien es cierto que hay mucho artista carente de talento que pretende vender mucho, que las discográficas son una mafia y dan asco, que los distribuidores son jetas que hacen que el precio se dispare y los compradores cada vez se descargan más cosas de internet, también lo es que el comerciante en la mayoría de los casos no está a la altura de las circunstancias. Todas las partes de cadena del negocio musical tendrían que mirar más hacia dentro y preguntarse que parte de culpa tienen en el desastre actual, y luego el que este libre de pecado...

La edad de oro de Paloma Chamorro

Haciendo memoria sólo recuerdo con nitidez el programa de “La edad de oro” en el que Dinarama + Alaska presentaron “Deseo carnal”. Por entonces tenia 13 años, y lo que más me impacto no fueron los pelos de Olvido (a esas alturas ya era la imagen de “la movida”) si no conciencia del gran talento de Carlos Berlanga mientras escuchaba por primera vez “Falsas costumbres”. A la extrema timidez de Carlos le vino bien que Alaska se subiera a su carro cuando se disolvieron Los Pegamoides (él los había dejado unos meses atrás) pudiendo pasar así a un segundo plano en los directos, pero eso no impidió que esa imagen de niño bueno y normal entre tanto tío raro se me quedara grabada en la memoria para siempre. Siempre he creído que junto a Antonio Vega y alguna cosilla de Auseron y Urquijo es el mayor talento de su generación y que, si al final Alaska no hubiese entrado en la banda, ahora estaríamos hablando de uno de los grandes mitos de nuestra música (que para mi lo es, aunque creo que es un sentimiento minoritario).

Pero hoy toca hablar de Paloma Chamorro y su “Edad de oro”... Tras pasar por varios espacios culturales de TVE a lo largo de los 70, con la llegada de los socialistas al poder recibió el encargo de Calviño (director por entonces del ente público) de preparar un programa en el que tuviera cabida todo lo que estaba ocurriendo en Madrid en esos momentos. Su debut se emitió por la segunda cadena (en esa época sólo había dos) el 17 de mayo de 1983 en una emisión especial de homenaje al recién fallecido (tres días antes) Eduardo Benavente. Para la ocasión Paloma logró reunir a todos los miembros de Kaka de Luxe que, después de interpretar varios temas juntos, dieron paso a las actuaciones de todos surgidos de la seminal banda (La Mode, Radio Futura y Los Pegamoides).

Ya he dicho que no son muchas las cosas que recuerdo de esos programas... Alguna actuación suelta, un concierto de Lou Reed y el de los Smiths al que asistí por casualidad, a Divine y poco más... En casa era mi padre el que decidía lo que se veía en la única televisión que teníamos por lo que la ocasión de reclamar mi cuota de pantalla llegaba cuado los martes (de eso si me acuerdo), en algún intermedio de lo que se estuviese viendo, podía cambiar un rato para ver que sucedía en “La edad de oro”. Durante años viví creyendo que la mala suerte había hecho que nunca coincidiese con alguno de mis grupos favoritos, pero cuando con el paso del tiempo fui consiguiendo en el mercado pirata grabaciones de algunos programas me di cuenta que gente como Nacha Pop, Los Secretos o Mamá directamente no existían para la señorita Chamorro.

Probablemente ese sea el único lunar que se le puede achacar al programa aunque su directora lo justificaba diciendo que esos grupos tenían otros medios para publicitarse (cuando Alaska solita vendía más discos que los otros tres juntos) y lo que ellos buscaban era sacar a la luz lo más vanguardista en cualquiera de sus representaciones artísticas. Por eso creo que “La edad de oro” vista en la distancia cojea en ese punto ya que si no estaríamos hablando del programa (que en cualquier caso puede que lo sea) clave para entender lo que fue la cultura de nuestro país en los primeros 80. En este tema creo que “La bola de cristal”, mucho menos ultra en su selección de grupos y por lo tanto mas abierto a la variedad de estilos, es el programa que casi todo el mundo de mi generación (se emitía los sábados por la mañana y eso era un punto a su favor) considera clave para su desarrollo musical y cultural.

A pesar de todo lo que nadie puede negar es que la primera vez que en este país alguien vio por televisión a Boy George, Morrisey, Lou Reed o Divine fue gracias a ella y que gracias a su programa los españolitos de la época empezaron a abrir los ojos a otro tipo de propuestas artísticas. En sus dos años de vida fueron muchas las polémicas que desató por lo trasgresor de algunos de sus contenidos provocando que algunos sectores le tuviesen muchas ganas a la Chamorro. Por eso a raíz del programa de 16 de octubre de 1984 en el que aparecieron un crucifijo con cabeza de cerdo, el simulacro de una misa católica y una pareja desnuda metida en un ataúd, la Conferencia Episcopal Española, Alianza Popular (el PP de la época) y Convergència i Unió llevaron sus quejas al Congreso delos Diputados.

Al final un abogado de Burgos presentó una querella contra TVE y la presentadora por profanación de los sentimientos religiosos y, aunque acabó llegando a el Tribunal Supremo, en 1991 determinó que el delito no existía. En cualquier caso este incidente dejo tocado de muerte al programa y el 2 de abril de 1985 apareció por última vez en nuestros televisores.

En estas rebajas he visto en grandes superficies los 4 DVD’s a un precio muy bajo (10 euros) y para quien no los tenga creo que es un documento imprescindible tanto para el que quiera empaparse de “movida” como para aquellos que sólo tengan curiosidad por saber que se cocía en el panorama cultural patrio en aquellos años. La única pega que tienen es que no aparece ninguno de los muchos grupos extranjeros que accedieron a cantar en directo en un plató de TVE en una época en la que en las pantallas ya reinaba el videoclip. Para los muy interesados circulan por internet los especiales que se emitieron hace unos años con motivo del 50 aniversario de la cadena pública que incluyen actuaciones de los artistas foráneos y más contenidos que luego no aparecieron editados.

¿Por qué Mamá?, ¿por qué?...

Desconozco cual es el resorte del cerebro que lleva a una persona a tomar determinadas decisiones que aparentemente son erróneas. Raro es el año en el que al menos un grupo muerto y enterrado desde hace décadas decide regresar para jubilo de algunos y desesperación de otros y, si hace un par de años le tocó el turno a Nacha Pop (19 años después) y el pasado a Tequila (25), parece ser que esta temporada ha sido José María Granados el que va a reunir a “Guti” y Carlos Rodríguez para resucitar a Mamá. Desde 2002 Granados ha publicado 4 discos y acaba de sacar un recopilatorio por lo que parece que precisamente ahora no necesita todo esto. Es evidente que la repercusión que tiene es mínima, pero seguramente con esta vuelta de tuerca no va a ser mucho mayor ya que ¿quién se acuerda de Mamá?

El grupo fue creándose poco a poco a lo largo de 1977 y 1978 por un grupo de chavales que, de tanto coincidir en conciertos con sus distintas bandas, acabaron planeando un proyecto conjunto. Lo primero que hicieron José María Granados, Manolo Mené, “Guti” (Miguel Gutiérrez), Carlos Rodríguez, “Mono” (Manuel Ruiz) y Luis Caballero fue grabar una maqueta que de inmediato recibió el apoyo de Mario Armero a través de su programa de radio “Revolver” en “Onda 2”. En 1979 se presentan en directo en la sala “El Sol”, y en diciembre graban en “Radio3” una nueva maqueta que volvió a ser muy difundida y generó una gran expectación que tuvo uno de sus puntos álgidos en el concierto homenaje a “Canito” en febrero de 1980 en el que fueron uno de los triunfadores (recordar que se considera que ese día empezó la tan cacareada “movida madrileña”).

Ese mismo mes grabaron una nueva maqueta y desde entonces se dedicaron a tocar en directo por toda la capital hasta que en verano la multinacional Polydor decide ficharlos. Su primer paso fue grabar un maravilloso EP de cuatro canciones sin desperdicio (“Regresas a casa a las diez”, “Nada más”, “Chicas de colegio” y “Ya no volverás”) que, sin acabar de captar del todo la fuerza del grupo en directo, supone un fabuloso punto de arranque discográfico para la que posiblemente fuese la banda favorita de los adolescentes madrileños.

En marzo de 1981 por fin se editó su primer LP titulado “El último bar” pero, lejos de ser el éxito que todos esperaban por la popularidad de la banda, se convirtió en el primer revés que les tocó sufrir. Producido por Juan Luis Izaguirre no consiguieron trasladar el sonido de las maquetas al disco y, aunque visto con perspectiva no está del todo mal, el grupo no quedó nada satisfecho con el resultado. Pero lo peor estaba por llegar ya que para su segundo largo la compañía impuso al inefable Luis Cobos que se encargó de destrozar sistemáticamente con sus arreglos cada uno de los temas y, aunque puede intuirse la magia de los mismos, los hace naufragar de una forma estrepitosa. Las críticas fueron tan duras que antes de un año el grupo había dejado de existir.

Pero Mamá aun tenia que escribir algunas líneas más dentro de su historia. En 1993 se reunieron para grabar “Alta tensión” en el disco homenaje de Antonio Vega y tres años después para dar un par de conciertos en “El Sol” para "quemar impúdicamente sus recuerdos y mostrarse desnudos en un concierto único para los que quisieran volver a ver o nunca la hubieran visto ..." Fueron los días 22 y 23 de noviembre de 1996, y de ahí salió un disco bastante bonito en el que recupera la fuerza que era capaz de transmitir el grupo sobre un escenario y nos ayuda a saber como deberían haber de sonado algunos de sus temas.

Pero su rehabilitación definitiva no llegó hasta 2000 cuando se publico “Mamá: el show comienza” un disco en el que se recuperan casi todas sus maquetas y en el que por fin se les puede escuchar como a ellos les hubiese gustado que en su momento apareciesen editadas sus canciones. El 22 de julio de ese mismo año, y con motivo de la presentación de “las maquetas”, dieron un mini concierto en la FNAC de Madrid y, hasta que hace unos meses Granados anuncio que haría algo nuevo junto a “Guti” y Carlos Rodríguez, muchos pensamos que ese seria el punto final de Mamá.

Hasta este momento creo que la trayectoria de la banda ha sido perfecta, y sus pequeñas reapariciones podían entenderse dentro de los acontecimientos que se desarrollaban en torno al grupo (un homenaje, una actuación muy puntual en la sala donde debutaron, la presentación de un disco...), pero lo de ahora me parece que está totalmente fuera de lugar. Dicen que tienen varias canciones de Mené (fallecido el 25 de noviembre de 2004) que les apetecía grabar, pero creo que podrían hacerlo de otra manera. Hay que reconocer que, aunque hacían exquisitas canciones pop, sus letras eran un poco ñoñas y tuvieron sentido hace 20 años, pero ahora... ¿Van a seguir con lo mismo para mantener su estilo?

Lo que ha hecho Granados en los últimos años está realmente bien ya que mantiene su talento a la hora de componer y la madurez ha dotado a sus temas de contenidos con más peso. Y ahora ¿que pretende ofrecer? ¿Volver a cantar “Chicas de colegio” o seguir por la senda que había iniciado? Repito que personalmente no me gusta nada la idea de que salga otro disco de Mamá (al menos Nacha Pop y Tequila se han limitado a actuar sin grabar nada nuevo) y me siento bastante decepcionado ante este hecho. De momento sólo me queda esperar la ocasión de encontrarme con cualquiera del grupo y pedirle que me responda mirándome a los ojos por que lo han hecho... Después ya veremos...

Zahara de los Atunes, 11 - Agosto - 2008 (Antonio Vega)

Dentro del mundo de los bootleg existen varios tipos de grabaciones. Por un lado están las profesionales que salen directamente de la mesa de mezclas y que se graban para emitir en radio, televisión o para vender a los piratas que luego las editan. Luego están las que salen de los estudios y que contienen demos, temas inéditos o versiones alternativas que también suele filtrar gente que trabaja directa o indirectamente para el artista. Y por último nos encontramos con las puramente amateurs que graban con mayor o menor calidad y acierto los propios aficionados. Estas últimas, si bien no tienen el sonido de las otras, suelen compensarlo con el encanto de captar momentos únicos y de estar al alcance de muy poca gente (tan poca como el que lo graba quiera).

El bootleg de esta semana pertenece a este tipo y, antes de continuar, me gustaría agradecer a Alvarito y Patri (y al pequeño Marcos) la copia que me dieron las pasadas navidades y que fue uno de los grandes regalos que recibí en aquellas fechas... Grabado con una cámara fija y con un sonido casi perfecto, tengo que decir que es uno de los mejores conciertos de este tipo con el que me he encontrado y, de no ser por algún pequeño detalle, nada tendría que envidiar a una grabación profesional. Además consigue algo muy difícil, y que creo que es la esencia de una actuación en directo, que es captar la magia del momento y la conexión del artista y el público con un objetivo común que es disfrutar de la música. Es evidente que el entorno colaboró a que todo fuese especial, y supongo que los que pudieron disfrutarlo no lo podrán olvidar...

Sobre el escenario del chiringuito “La Gata” en la playa de Zahara con el mar ante sus ojos y el viento de levante acariciando el cuerpo, se subieron, cuando todavía el sol no se había puesto, Antonio Vega y Basilio Martí. Hace tiempo que no asisto a un concierto suyo y, aunque le he visto a lo largo de los últimos 20 años en todo tipo de escenarios y formatos, por distintas razones este mano a mano se me ha escapado varias veces y de momento creo que me tocara quedarme con las ganas. En cualquier caso aunque todo el repertorio se lo he visto interpretar en alguna ocasión, hay que reconocer que fue bastante curioso y especial. Para empezar un tercio de los temas fueron de su etapa en Nacha Pop (más de los que suele tocar), sacando el resto de todos sus discos en solitario a excepción del “3000 noches con Marga”.

Además, y para diferenciarlo del resto de los que ha venido dando con el maestro Martí, en las cuatro últimas canciones les acompaño Gautama del Campo (reputado saxofonista que fusiona flamenco y jazz, y que ha colaborado con Kiko Veneno, la Vargas Blues Band, Jorge Pardo, Raimundo Amador, La Vaca Azul, Tonino Carotone...) con su saxo tenor para aportar a los temas ese toque que en los últimos tiempos tanto ha usado Antonio y en los que lo instrumental cada vez tiene más presencia, dejandose llevar en interminables solos en los que se deja claro por que es uno de los grandes guitarristas de este país.

Ya han pasado varios meses desde esa noche no vivida, pero en pocas semanas espero volver a ver a Antonio sobre un escenario. Por lo que dicen la gira que está a punto de empezar va a ser muy eléctrica y la intención que tiene es grabar un disco en directo con bastante temas nuevos y algunos antiguos poco habituales en su repertorio con una estructura y desarrollo completamente distinta a la que conocemos. Espero y deseo que sea así ya que, tras cuatro años sin material inédito, cada vez es mayor la necesidad de poder escuchar canciones desconocidas. Cuando llegue ese día lo contaré aquí, hasta entonces y mientras dura la espera, sumergirme en este DVD de Zahara es una maravillosa forma para controlar el mono...

Título del bootleg: Zahara 2008
Lugar y fecha: “La Gata”, Zahara de los Atunes (Cádiz), 11 – Agosto – 2008
Listado de canciones:
01 – A medio camino
02 – Tuve que correr
03 – Atrás
04 – El sitio de mi recreo
05 – Se dejaba llevar por ti
06 – La última montaña
07 – Elixir de juventud
08 – A trabajos forzados
09 – Me quedo contigo
10 – Angel caído
11 – Lucha de gigantes
12 – Una décima de segundo
13 – Estaciones
14 – Chica de ayer
15 – Desordenada habitación

Wilco bajo el cielo de Madrid...

Ya tengo por fin en mis manos la entrada para el concierto que Wilco dará en Madrid el próximo 26 de mayo. No es, ni mucho menos, la primera vez que compro por internet, pero siempre me queda cierta duda de si lo he hecho bien hasta que físicamente veo que lo que he pedido llega a su destino. Esa intranquilidad ha sido mayor en esta ocasión por como se desarrollo la compra, y me temo que algo raro ha pasado y que alguien va a sacar tajada en el asunto. Desde el día previsto para que salieran las entradas a la venta las páginas habituales y, aunque anuncian el concierto, decían que no están disponibles. Al final recurrí a la entidad financiera que lo patrocina y pude hacerme con una localidad buenísima, pero hasta que ayer me llegó por correo a casa no respiré tranquilo.

Ya digo que no se que pasará por que en la red (a excepción de donde yo la pille y donde sólo quedaban 14) no se han vendido, y la verdad es que mosquea y hace sospechar que al ser en un teatro con no demasiadas localidades alguien las tenga guardadas para compromisos o cosas peores. En cualquier caso ya no me preocupa demasiado ya que, tras ver a Jeff Tweedy en sus tres anteriores visitas a la capital, ahora tengo garantizada mi asistencia a la cuarta.

La primera vez fue un 21 de marzo de 2005 en el añorado “Aqualung”. Hacia seis años que seguía a Wilco, y mis deseos de verles había crecido con el paso del tiempo por lo que aquella noche fue realmente emocionante. La base del repertorio fue su reciente (en ese momento, claro) “A gost is born”, aunque hicieron un repaso a toda su trayectoria incluyendo 6 temas de “Yankee Hotel Foxtrot”, un increíble “Passanger side” de su primer disco para cerrar y “New Madrid” de su etapa con “Uncle Tupelo” y que la gente aplaudió especialmente. En total tocaron 25 canciones a lo largo de más de dos horas y la banda sonó y sonaron impecables. Cerraban gira en Europa y ocho conciertos después grabaron el maravilloso “Kicking televisión” por lo que oyéndolo uno se puede hacer a la idea de lo que sonó esa noche en Madrid.

Su siguiente visita de Tweedy (esta vez el solo) fue un 1 de diciembre del año siguiente en “La Riviera” y, aunque es una de mis salas favoritas para asistir a un concierto, hay que reconocer que para el espectáculo que traía no era el lugar más adecuado. Los que hayan estado alguna vez allí saben que el sonido es muy bueno, pero de la barra central hacia atrás suele haber bastante jaleo y claro, en un concierto acústico se nota mucho más el barullo. Lo habría disfrutado más en un teatro, pero bueno, no puedo quejarme por que fue una gran noche con un repertorio muy variado y curioso en el que interpretó canciones poco habituales cuado sale de gira con la banda.

Su última noche bajo el cielo de Madrid fue de nuevo en “La Riviera” el 9 de noviembre de 2007, y esta vez la sala sí fue un templo al que acudir en peregrinación. Volvieron a interpretar temas de todos sus discos, aunque esta vez el que presentaban (“Sky blue sky”) no tuvo tanto peso y “Yankee Hotel Foxtrot” salió tan bien parado como en la anterior visita de la banda. Salí con la sensación de haber asistido al mejor espectáculo al que se puede acudir, hasta el punto de tardar varios meses en volver a salir satisfecho de un concierto por el recuerdo que aún me quedaba de este de Wilco.

Seguramente cuando los vea en mayo ya tendrán en la calle su nuevo trabajo y un DVD con una actuación de la gira del año pasado por Estados Unidos (lo sacaran a la venta en exclusiva en tiendas pequeñas las primeras semanas, casi igual que Bruce que da a las grandes cadenas discos exclusivos) y, aunque no sé que nos deparara, estoy casi convencido que no me defraudaran. Hoy por hoy es las inversión más segura si a lo que se aspira es asistir a un concierto en el que la música es lo único que importa (no hay ni pantallas gigantes, ni efectos especiales, ni fuegos artificiales...) y yo recomendaría a quien pueda que se acerque a alguno de los 10 que darán entre mayo y junio a lo largo de toda la Península. Ya os contaré como acaba todo esto, pero de momento me conformo con la agradable sensación de saber que volveré a ver sobre un escenario, en un marco incomparable y a pocos metros de ellos a la mejor banda del mundo.

Sí (Bunbury)

Todo valió, un zarpazo al corazón,
disimulo, no hay delator.
Palpitación,
encontrar lo que busqué
trocitos de sospecha, siete siglas de papel

¿Quién pudo ser? quiero que seas tú
¡Dímelo! ¡Dímelo una vez!...
¡Por clemencia!, por favor
¡Dímelo!, confiesa...

Tal vez no existas,
ante la duda un sueño
¡Cariño! ¡Mi vida! Criatura de rubí
tal vez no fuíste... ¡Dímelo!

Ese recorte en verso,
división con diestra,
cada frase con sigilo,
¡Sí! cae triste melodía
y no existe huella y tu carta me nubló...

¿Quién pudo ser? quiero que seas tú
¡Dímelo! ¡Dímelo una vez!...
Fue una burla, por favor
¡Dímelo!, confiesa...

Tal vez no existas,
ante la duda un sueño
¡Cariño! ¡Mi vida! criatura de rubí
¿Qué puedo hacer sin tu rigor?

Esa ternura incierta,
aunque me muera en ella,
cada frase con sigilo.
¡Sí! cae triste melodía
y no existe huella y tu carta me nubló...

No, aunque no deba suplicarte
ven, dímelo una vez.
No, aunque tal vez deba indignarme
hazlo otra vez

Y aunque sea sólo un gesto,
un guiño, sólo un beso,
inténtalo una vez...
Antes de cada cita
mi deseo es que me digas...
¡Sí!

¿Quién pudo ser? quiero que seas tú
¡Dímelo! ¡Dímelo una vez!...
¡Por clemencia!, por favor
¡Dímelo!, ¡dímelo!

¿Quién pudo ser? quiero que seas tú
¡Dímelo! ¡Dímelo una vez!...
Fue una burla, por favor

Tal vez no existas,
ante la duda un sí...

(Extraída del álbum "Flamingos" / EMI - 2002)