martes, 31 de marzo de 2009

Suso Saiz, el maestro de las maquinitas

Suso Saiz es de esos personajes al que todos conocen dentro del mundillo musical pero que luego es absolutamente desconocido para el resto de la ciudadanía. Nacido en Cádiz en 1957 es músico, compositor, guitarrista, arreglista y productor musical, además de ser en España uno de los pioneros de la new age y las músicas de vanguardia. Eligiendo cualquiera de sus facetas se podrían llenar cientos de líneas y quedarse con la sensación de te dejas algo en el tintero por lo que he decidido centrarme en su faceta de productor y como enumerar toda la gente con la que ha trabajado seria un poco aburrido (y además esa información se puede encontrar con facilidad en otros sitios), me limitaré a comentar cuatro de sus producciones especialmente curiosas.

Su primera colaboración con Esclarecidos consistió en la coproducción del tema “Cielo” aparecido en su recopilatorio de 1993 “Un agujero en el cielo”. La banda debió quedar satisfecha de su aportación ya que para su siguiente trabajo (“Dragón negro” de 1994) volvieron a contar con él y, aunque su influencia se percibe, el estilo del grupo aún se percibe. Todo cambia con “La fuerza de los débiles” en el que, además de producir colabora el la composición, y con su ayuda buscan adaptarse al momento musical de entonces utilizando los ingredientes propios del hip hop y el trip hop como son todo tipo de programaciones, loops, scrascht... Ese cambio definitivo de orientación se debe en gran parte a que Suso se lo exige como condición para trabajar con ellos, pero dentro del grupo esos sonidos habían hecho mella con lo que no supuso un gran conflicto... O si ya que Esclarecidos no volverían a entrar a grabar juntos en un estudio. Es 1996 y en menos de dos años la banda deja de existir para que alguno de sus miembros junto con el productor formen “Lliso” cuya a posteriori seria casi nula.

Otro grupo que llevaba tiempo interesado en todas las alternativas que podían aportar los ordenadores a la música son Celtas Cortos. Mientras alguno de sus miembros se dedica a investigar y experimentar con ellos, otros pasan un poco del tema, aunque tras la publicación del directo “Nos vemos en los bares” en 1997 está claro que el grupo busca un pequeño salto mortal. Está claro que con el interés que tenían por las maquinitas el único que podía encargarse de su nuevo disco era Suso Saiz (vendían bastante y la compañía no les negaba nada). El fracaso de ventas fue estrepitoso y su público no acabo de entender lo que pretendían. Tardarían cuatro años en sacar un nuevo disco aunque para entonces Jesús Cifuentes había abandonado el grupo.

En 2001 hacía tiempo que se venía hablando de la separación de Dunca Dhu por las carreras que mantenían por separado Mikel Erentxun y Diego Vasallo. Al principio las pudieron compatibilizar con el grupo, pero llegó un momento en que la dirección que había tomado cada uno de sus miembros hacía más difícil que pudieran converger en un punto común. Su anterior trabajo en estudio databa de 1994 y, tras muchos rumores, decidieron grabar un último disco con el nombre del grupo. Se llamó “Crepúsculo” y la producción corrió a cargo de nuestro protagonista de hoy. Se dice que esa fue una de las condiciones que puso Diego Vasallo (llevaban colaborando un tiempo) para la reunificación y de hecho el disco tiene más su estilo que el de Mikel. A mi personalmente me gusta tal vez por que se limitó a captar la vena intimista del grupo sin meterse demasiado en los arreglos finales. No hubo gira de despedida y, aunque han colaborado esporádicamente, nunca más tendremos Duncan Dhu.

El último trabajo de Saiz que comentaré será el “Relax” de Los Piratas. Ellos tenían claro que el productor del disco que estaban preparando para 2003 lo tenia que producir él. Ellos habían empezado a trabajar con maquinitas de la mano de Juan Luis Giménez y Vicente Sabater en “Poligamia” (1995), “Manual para los fieles” (1998) y “Ultrasónica” (2001), pero para su siguiente trabajo querían dar un paso más. Tenían claro que para poner en practica la multitud de ideas que querían probar necesitaban alguien que estuviese siempre dispuesto a llegar un paso más lejos y supiese como orientar el trabajo en la dirección que ellos buscaban en la que el riesgo no era el camino si no el fin...

Y con esas premisas estaba claro quien iba a ser el elegido. El resultado fue un disco lleno de todo tipo de ruiditos, sin apenas guitarras y muchas programaciones al que la crítica se rindió de inmediato y que a mi personalmente me dejó un poco frío al principio aunque luego, poco a poco, le fui cogiendo gustillo. Además de “Relax” publicaron otros tres discos con cantidad de instrumentales, improvisaciones y temas experimentales a los que no conseguí hincar el diente. Tras la gira de presentación grabaron un disco en directo y en 2004 se despidieron para siempre tomando cada uno su propio camino. Suso ha producido los discos de Iván Ferreiro y junto a Fon Román formó Trash Of Dreams, un grupo con el que ambos dan rienda suelta a su creatividad.

Con todo esto no quiero insinuar, por si alguien lo está pensando, que grupo que toca grupo que se separa, aunque seguramente cuando alguien recurre a él es por que busca algo y ese algo siempre no tiene por que coincidir con lo que desean el resto de miembros del grupo. No estaba en mi idea inicial hacer un correlación de artistas que han trabajado bajo el manto de Saiz, pero Los Planetas, Javier Corcobado, Aute, Luz Casal, Christina Rosenvinge, Javier Alvarez, Tahúres Zurdos (por nombrar algunos) siguen en activo y algunos trabajando con él sin que eso haya supuesto su fin. A mi sus discos me gustan y creo que ahora está entre los tres mejores de los que trabajan en este país, pero lo que es innegable es que ya sea de una forma intimista o con las maquinitas de las que es el gran maestro, sus producciones son plenamente reconocibles y un sello de calidad que por si solo te garantiza que lo que te vas a encontrar en el disco merece la pena.

lunes, 30 de marzo de 2009

Fela Kuti, el padre del afrobeat

El día que se celebró el funeral, once días después de su fallecimiento, más de un millón de nigerianos se echaron a la calle para homenajearlo y por primera vez en la historia de la capital no se produjo ninguna denuncia a la policía. Y es que para sus conciudadanos Fela Kuti, al margen de sus aportaciones musicales, represento durante años el símbolo de la lucha contra el gobierno militar de su país y el espejo en el que se miraron millones de africanos. Probablemente haya sido la estrella de rock más indomable de la historia del rock y su vida está plagada de acontecimientos oscuros que le llevaron 356 veces ante los tribunales de justicia (consumo de drogas, contrabando de divisas, desordenes públicos, inmigración ilegal...)

Como resultaría imposibles en unas líneas hacer una semblanza de Fela Kuti, me conformaré con recordar alguna de sus anécdotas como aquella que llevó en 1972 a Paul McCartney a grabar su disco “Band to run” a la capital nigeriana. El exbeatle llevaba varios años admirando al artista y toda su obsesión era estar cerca de él, y todos sus pensamientos se confirmaron al verle actuar en el “Club Shrin” con la que describió como la mejor banda que había visto en su vida. Se propuso grabar con esos músicos, y cuando Kuti se enteró lo denuncio públicamente en el transcurso de un concierto e inmediatamente se dirigió al estudio para recriminar al británico que estaba robando la música del hombre negro... Paul, que había rechazado ofertas par grabar en los mejores estudios del mundo, tuvo que salir con el rabo entre las piernas de Nigeria con su disco pero sin la colaboración de la persona que le había llevado allí y con la que ansiaba grabar.

Otra tiene como origen el enfrentamiento con la junta militar que dirige su país y a la que acusa de atacar a la gente y no respetar los derechos humanos. Por eso cuando funda una comuna hippie con estudio, y donde se alojan sus músicos y allegados en las proximidades de Lagos, deciden tomar cartas en el asunto. El 18 de febrero de 1977 mil soldados toman al asalto la casa y, tras destruir todo (incluidas cintas e instrumentos, su estudio y el “Club Shrin”) y causar varias muertes, intentan involucrarle por trafico de droga poniéndole en el bolso un cigarro de hachís. El se da cuenta del engaño y se lo traga, pero como los militares no lo encuentran, deciden examinar sus heces. A sabiendas de que le iban a pillar consigue que otro preso le deje las suyas y así esquivar las acciones que estaba tomando la policía contra él. El disco que publicó cuando le soltaron se tituló “Expensive shit” (mierda cara) en recuerdo de ese momento vivido...

La última anécdota que quiero contar es la que se refiere a su rechazo por firmar con el sello estadounidense “Motown. A principios de los 80 habían decidido crear una discográfica con la que editar música africana y que mejor forma de empezar que fichando al artista más importante. Le ofrecieron un millón de dólares pero el lo rechazó por que los espíritus convocados por un brujo que le ayudaba a contactar cada noche con su madre muerta le dijeron que no debía firmar contratos en los siguientes dos años. Si les permito reeditar sus discos antiguos mientras pasaba el tiempo, pero cuando por fin llegó el momento el ejecutivo con el que había negociado fue despedido y la posibilidad de pasar a engrosar la lista de artistas del legendario sello se fueron al traste.

Quedan muchas cosas que contar de esta superestrella africana (la más grande que nunca hubo), como que una vez grabada una canción no la volvía a interpretarla en directo para que el público no pudiese escuchar sus éxitos o hablar de su extensa discografía (77 discos en 59 años de vida) pero de momento me conformaré con recomendar la escucha de “Zombie” de 1976. En el se resume gran parte de su legado y se percibe perfectamente ese estilo que se conoció como afrobeat y que creó fusionando elementos del jazz y el funk con la música tradicional nigeriana y los ritmos yoruba, unido a unas letras ingeniosas y reivindicativas (en su época las denominaban como incendiarias) en las que se percibía el ardor de s visión de la política negra en Africa. Al poco tiempo de su publicación se produjo el incidente que ya he comentado en el que el ejercito destruyo su casa y todas sus posesiones y a raíz de lo cual nació el mito al que aún hoy sigue recordándose con añoranza en todo el continente...

domingo, 29 de marzo de 2009

Valencia, 9 - Agosto - 2002 (Carlos Chaouen)

Lo primero que quiero decir es que los datos de este bootleg pueden no ser exactos y, de ser así, agradecería cualquier dato que me ayude a subsanar mi error. La foto corresponde a un concierto en el “Loco Mateo” de Valencia cerca de tres años después en la presentación en directo y con su banda de “Tótem”... Y hechas estas aclaraciones empezaré diciendo que vuelvo a recurrir, una vez más, a una grabación no editadas en ningún formato físico y que conseguí hace varios años por internet. Ya he comentado alguna vez que no es habitual (ni posiblemente rentable) que se encuentren en las tiendas bootlegs de artistas españoles y que para conseguirlos haya que recurrir a otros sistemas. Eso no les quitan ni valor ni interés, por lo que siempre que lo considere oportuno recurriré a ellos.

El de hoy es un concierto que Carlos Chaouen dio en un local de Valencia (del que no sé el nombre) en el verano de 2002 acompañado exclusivamente de su guitarra. Hacía dos años que había publicado “Maldita” y hasta el siguiente no aparecería “Universo abierto” por lo que el grueso del repertorio se centra en esos dos discos. En cualquier caso en ese momento me da la sensación que el hecho de que más de la mitad de las canciones fuesen en ese momento inéditas significa que Carlos andaba probando como funcionaban con vistas a elegir las que completasen el disco que estaba preparando. Los cuatro temas que no grabo, a pesar de que alguno de ellos se los siguen pidiendo en los conciertos, siguen a la espera de mejor ocasión aunque estoy seguro de que más de uno acabaran en alguno de sus discos (el sonido más guitarrero de “Horizonte de sucesos” no lo ha hecho posible, pero quizás en el próximo...)

He tenido la fortuna de verle tanto en este formato como acompañado por una banda (ayer sábado la última vez), y si tengo que decantarme por una me quedo con la del concierto que ahora comento. Para empezar al no estar respaldado ni sujeto a las exigencias de un repertorio previamente ensayado suele mostrarse más próximo y comunicativo, improvisando más e incluyendo temas menos habituales e inéditos. Los cometarios previos a las canciones son bastante imaginativos y divertidos sobre todo cuando (como es el caso) interpreta un buen puñado de temas que no están publicados con lo que consigue captar el interés del publico. Además es un fantástico guitarrista y esa faceta cuando está rodeado de músicos la abandona un poco y la verdad es que es una pena por que resulta un auténtico disfrute ver como toca.

El concierto de anoche estuvo muy bien, con su último disco como protagonista y algunos temas de los dos anteriores y ninguna de su primera época. La razón creo que hay que buscarla en el formato eléctrico ya que he visto el listado de temas de alguno acústico que ha dado últimamente y sigue interpretando sus clásicos de siempre. Es lógico que si lo que ahora le pide el cuerpo es tocar con su grupo y meter un poco de caña el repertorio se adecue a eso, y más cuando “Horizonte de sucesos” en un trabajo impecable, con temas muy consistentes y alguna de las mejores canciones que ha escrito. ¿Qué me hubiese gustado verle a el solo?, pues claro, y más habiéndole visto últimamente siempre acompañado de sus músicos, aunque eso no quita para que volviese a sorprenderme el torrente de emociones que es capaz de provocar cada vez que abre la boca para cantar.

De lo que si estoy convencido es que ya sea de una u otra manera, verle en directo es siempre una experiencia especial. Por desgracia su producción es escasa para los años que lleva por la dificultad que artistas como él tienen para publicar sus discos y el boca a boca, a estas alturas y en estas circunstancias que vive el sector, lo único que consigue es que sus actuaciones suelan registrar llenos y que sus canciones circulen de mano en mano de forma más o menos ilegal, ya que todos sus discos anteriores están descatalogados y no se pueden conseguir (creo que urge una reedición para que la cantidad de gente joven que acude a verle tengan la opción de comprarlos). Yo por mi parte no me cansaré de recomendarlo siempre que tenga ocasión... Creo que se lo debemos...

Título del bootleg: Valencia, 9 – Agosto – 2002
Lugar y fecha: Valencia, 9 – Agosto – 2002
Listado de canciones:
01 – Dos mitades
02 – Ligero de gata (piel a tiras)
03 – Bosque lejano
04 – Que te diría
05 – Tengo una banda y toco en las verbenas
06 – Semilla en la tierra
07 – Privado
08 – Impertinente
09 – Pintando en el cielo
10 – Loca
11 – Mi habitación en tus pupilas
12 – No me canso
13 – Siempre quieres más
14 – Vente
15 – Gorda y flaca

sábado, 28 de marzo de 2009

Ese misterio llamado trip-hop

Tengo un amigo al que últimamente veo menos de lo que me gustaría pero que, para compensar, en sus últimos mail (además de ofensivas fotos en el Camp Nou) se ha dedicado a invitarme a escuchar una serie de canciones de trip-hop e investigar a sus creadores. Yo lo siento mucho pero, aunque he de reconocer que de momento no he hecho muchos esfuerzos, sigue sin convencerme lo más mínimo y aún no he conseguido entrar más allá de lo que ya me gustaba y que se puede resumir en un nombre: Portishead.

Por distintas razones a mediados de los 90 se cruzó el fabuloso “Dummy” en mi camino, y desde entonces les he seguido un poco en la distancia (“Portishead” de 1997, “Roseland NYC Live” de 1998 y “Tirad” de 2008) y, sin llegar a apasionarme, reconozco que de vez en cuando, en noches oscuras (en todos los aspectos) he recurrido a ellos... Y después nada más. Lo poco que escuché en su época me pareció tan poco interesante que me olvidé prácticamente del género en cuestión. Seguiré intentándolo (aunque me temo que es una batalla perdida), pero de momento me he conformado con leer algo y enterarme en que consiste ese misterio que para mi es el trip hop.

Para empezar he redescubierto que es un movimiento que surgió en Bristol a principios de los 90 en un momento en el que el hip-hop norteamericano dominaba la música europea. Fue entonces cuando los DJ’s británicos decidieron darle su toque personal transformándolo en un nuevo género que en principio se conoció como “sonido Bristol” y que consistía en el uso de samplers y loops (o repeticiones sistemáticas de una melodía como si se tratara de un bucle) con un ritmo más lento y espaciado mezclado con sonidos provenientes del acid jazz, el dub,el house, el soul, el reagge y la electrónica.

El primer disco que mezclaba el hip-hop con el downtempo fue el “Blue lines” de Massive Attack en 1991 y supone el punto de arranque del “Sonido Bristol”. El punto álgido del movimiento llegó a mediados de la década con la publicación del segundo trabajo de los “Massive” y la irrupción de Portishead (y la aportación surrealista de Tricky) que con “Dummy” lo redefinieron tomando un camino menos bailable y más oscuro, profundo y envolvente, como si estuviesen buscando los bagajes del alma... Ya he comentado que ellos son los único que conozco lo suficiente para hablar con criterio y que me gustan aunque sean para un ratito y muy de vez en vez.

En Estados Unidos el mejor representante es DJ Shadow que, según donde mire, lo definen de una manera u otra aunque yo lo consideraría mas un rapero experimental. Lo que sucede es que al parecer el término trip-hop fue acuñado por la revista británica “Mixmag” para definir el trabajo que él realizaba por lo que, aunque solo sea por “Endtroducing”, merece la pena acercarse a su figura y reconocerle su mérito.

De momento he dado mi primer (que no último) paso y sé que existen muchos otros artistas que han seguido con este rollo hasta el presente y de los que podría hablar, pero que hacer, si entre lo que me interesa y gusta tengo atrasados cientos de discos como le voy a dedicar mucho tiempo a algo que veo difícil que me llegue a interesar alguna vez. Así que todo lo q puedo decir y sentir es que durante todavía una larga temporada seguiré viendo en todos estos movimientos un misterio tan incomprensible y como difícil de abarcar.


viernes, 27 de marzo de 2009

Los Coyotes en la era punkabilly

Dentro de unas horas, y después de más de 25 años, se subirán al escenario de la sala “El Sol” de Madrid la formación original de Los Coyotes, una de las bandas más interesantes y personales de las surgidas en los primeros años 80 en la capital. La reunión se ha visto propiciada por la publicación por parte de “Muster Records” de un vinilo de diez pulgadas llamado “La Estación Fantasma. Grabaciones completas de la era punkabilly” y en el que se recogen los singles que editaron entre 1980 y 1984. En principio la idea es interpretar un repertorio limitados a los temas de ese periodo, y bueno, personalmente creo que este es el ejemplo de reunificaciones que merecen todo mi respeto, para una fecha y con un fin concreto.

Con 19 añitos y recién llegado de Tuy (Pontevedra) a Madrid para estudiar Bellas Artes, el joven Víctor Aparicio Abundancia ya lideraba su propia banda de rock and roll. Gran admirador de Johny Burnet y Eddie Cochran, sus primeras composiciones buscaban un sonido más clásico, y pronto les llegó su primera oportunidad. Su debut fue en 1980 junto a Paraíso en las fiestas de San Isidro, aunque su despegue se produjo ese mes de junio cuando en el “Teatro Monumental” telonearon a Matchbox, un popular grupo de rockabilly ingles. En septiembre grabaron su primera maqueta con “El rey del billar” y “Ya no me fío más” y enseguida encontraron el apoyo de Rafa Abitbol desde su programa en “Onda 2” que, unido a sus múltiple actuaciones en lugares como el “Teatro Alfil”, “Marquee Madrid” o “El Jardín”, hicieron de ellos un grupo bastante popular.

Cuando por fin en 1982 consiguen grabar su primer single con GASA hay algunas cosas que han cambiado. Para empezar los Stray Cats han iniciado una exitosa carrera y en los gustos de Víctor se ha colado gente como The Clash, los Sex Pistols o Dr Feelgood, por lo que esas influencias se hacen patentes en las nuevas canciones. La fantástica “Extraño corte de pelo” los coloca como únicos representantes del punkabilly en España, consolidando su posición meses después con la publicación del maxi “Ella es tan extraña”.

A finales de 1983 inician un cambio estilístico con un gran single que incluía “Aquí estoy de nuevo” y que pone la primera piedra a lo que muchísimos años después se denominaría rock latino y del que Los Coyotes son auténticos pioneros. El giro definitivo se produjo en 1984 con la aparición de un nuevo maxi que incluye “El mono” en la que ya utiliza con brillante resultado los ritmos caribeños y de su primer larga duración un año después. Titulado “Mujer y sentimiento” a mi me parece un gran disco y debería reconocérsele como uno de los mejores de la postmovida, pero ya no queda casi nada de lo eran apenas un par de años antes. El coctel de salsa, pop, rock y otros ritmos latinos con una formación totalmente reestructurada le llevarían por otros derroteros totalmente distinto al de sus inicios, esos en los que Coyotes fueron una banda de punkabilly.

jueves, 26 de marzo de 2009

La fuerza de la costumbre (Gabinete Caligari)

Si por costumbre amé,
por costumbre olvidé.
La fuerza de la costumbre es mi guia y mi lumbre.

Desde pequeño me acostumbré
a nunca preguntar por qué,
despreciando los premios tanto como el castigo.

Si buscas en mi algo excepcional
te voy a desilusionar
no esperes nada nuevo de un hombre de costumbres.

Si por costumbre amé,
por costumbre olvidé.
La fuerza de la costumbre es mi guia y mi lumbre.
La fuerza de la costumbre es mi guia y mi lumbre.

Sin norte ni mitos que seguir
al capricho del azar crecí
como las hojas secas que el viento esparce por ahí.

Si por costumbre amé,
por costumbre olvidé.
La fuerza de la costumbre es mi guia y mi lumbre.
La fuerza de la costumbre es mi guia y mi lumbre.

Y si un día vuelves a llamar
te vas a desilusionar
vivo con la costumbre de no quererte nunca más.

Si por costumbre amé,
por costumbre olvidé.
La fuerza de la costumbre es mi guia y mi lumbre.
La fuerza de la costumbre es mi guia y mi lumbre.

(Extraída del álbum "Camino Soria" / EMI – 1987)

miércoles, 25 de marzo de 2009

La pequeña colección de Dorian Gray

Uno no sabe, hasta que mira las cosas con perspectiva, como ha influido un disco en su vida. Yo adoro la música, compro muchos más discos de los que debiera e incluso me puedo permitir, procuro escuchar todos los días canciones nuevas de bandas desconocidas buscadas en internet a través de “myspace”, “youtube” o descargas sin por ellos abandonar mis viejos discos... Con eso quiero decir que a lo largo de un año escucho cientos de discos de los muchos me dejan frío, bastantes me gustan, algunos me enamoran y muy, muy poquitos traspasan la línea de lo emocional y se quedan a vivir para siempre conmigo. Estos discos no tienen por que ser los mejores del año (que no suelen serlo) pero por distintas razones consiguen evocarme momentos especiales y no puedo escucharlos sin que algo se retuerza dentro de mí. “Mi pequeña colección” de Dorian Gray es uno de ellos.

Tal vez por esa vorágine consumista musical, con el paso de los años me he vuelto más de canciones que de álbumes ya que estas necesitan menos tiempo para asimilarlas y por eso existen muchas más dentro de ese santuario y crecen a ritmo de 20, 30 ó 40 por año (que son el total de esos discos que llevo en mi vida). Por eso resulta curioso que sólo en ese 2001 fuesen tres los discos publicados en esas fechas que pasaron a esa categoría de “especiales”. Junto al ya mencionado están “Salitre 48” de Quique González y “Ultrasónica” de Los Piratas y supongo que razón hay que buscarla en que vivía una etapa confusa y lo más sencillo fue refugiarme en la música.

Recuerdo que lo compré esas navidades en la una de mis visitas a Madrid y que fue por una mezcla de casualidad e instinto. No buscaba nada en concreto y me limitaba a pasar discos en las estanterías y pasear entre los pasillos buscando algo. Era uno de esos días en los que quieres comprar algo pero no sabes que, y cosas que me apetecían llegado el momento dejaron de hacerlo o me parecieron demasiado caras, y dudas, dudas, dudas... Y de repente al cabo de bastante rato y cuando estaba a punto de comprar algún clásico en serie media, me encontré de frente con lo que sin saberlo estaba buscando...

Me gustó sobre todo el título que resumía perfectamente lo que andaba buscando, una pequeña colección de canciones que este caso se escondían dentro del cuaderno que en forma de portada se presentaba ante mis ojos. En su interior me encontré una especie de diario musical lleno de emociones, fracasos, deseos incumplidos, frustraciones y sentimientos encontrados, todos ellos narrados de una forma sencilla y espontánea con los que resulta fácil identificarse. Además en lo musical es heredero del mejor pop guitarrero, más propio de la tradición británica, pero con la peculiaridad de esta vez está cantado en castellano. Personalmente creo que le sobra la versión del “Without you” de Nilsson, pero que más da...

Ni que decir tiene que el disco me encantó y me enganchó, pero además la ausencia casi total de información lo mitificó por lo misterioso que resultaba todo a su alrededor ya que nadie les conocía y las referencias en la prensa musical, si existían, se limitaban a unas líneas sacadas del catálogo promocional del disco. Estaba publicado por una disquera de Granada (su tierra) llamada “Discos en la Arena”, el líder era un tal Paco Chica, colaboraban músicos de la escena granadina y habían dado algún concierto por el territorio nacional aunque su hábitat estaba en Andalucía... Y poco más...

Con los años descubrí que habían publicado un álbum antes que este y que Chica, tras la nula repercusión de su disco, había tirado la toalla. Además me enteré que tenia un grupo nuevo llamado Kenedy, pero después de eso el silencio... Soy consciente de que nunca aparecerá en ninguna lista de los mejores discos hechos en este país. Probablemente, si me pongo duro, tampoco estaría entre los que forman mi pequeña colección y que si hubieran concurrido los hechos antes narrados jamás habría entrado en mi vida... Pero pasó ese algo y ahora estaremos ligados para siempre... Eso, entre miles de cosas, es lo bueno que tiene la música...

martes, 24 de marzo de 2009

La hora de ... Coque Malla

(Foto de Claudio de Casas extraida de la web de Coque Malla)

Nunca he sido fan de Coque Malla lo que no quita para que tenga toda la discografía de Los Ronaldos en vinilo (excepto a partir del directo que lo tengo en CD) y también los dos que ha publicado en solitario... Bueno, desde hace una semana tiene un tercer disco en la calle y, aunque aun no lo he comprado, no creo que tarde mucho tiempo en añadirse a mi colección. Coque y yo somos de la misma quinta y con 18 años, he de reconocer, que su actitud me parecía un poco chulesca y no me caía excesivamente bien, aunque musicalmente me gustaba mucho lo que hacían. Cuando con discos como “Idiota” o “Cero”, que mucha gente machacó, sufrieron cierto cambio estilístico lejos de darles la espalda fue cuando más próximo me sentí a ellos y eso hizo que cuando inicio su carrera en solitario “Un astronauta más” generase en mi ciertas expectativas que no acabaron de concretarse.

Creo que fue en 2000 cuando pude verle en un garito de mi ciudad con capacidad para no más de cien personas (y que estaba atestado) y fue entonces definitivamente cambio mi opinión sobre él. He visto a Los Ronaldos en no menos de media docena de veces y su directo siempre ha sido impresionante, muy potente y lleno de garra y fuerza. Aquella noche fue distinto. El solo con la guitarra defendió los temas de su disco y alguno de su banda con una solvencia increíble y además, con la gente a centímetros de él, supo transmitir una emoción que en los grandes recintos costaba encontrar (aunque ofrecían otras cosas, claro).

“Sueños” es otra historia. Aunque aparecido como disco-libro, la versión que yo tengo tiene solo el CD en una funda de cartón (creo que es promocional) y a mi personalmente me encanta. Si no fuese por que es su voz la que se escucha nunca habría pensado que era suyo, y a pesar de eso, tras varias escuchas me dejó totalmente enganchado. Desconozco quien tiene los derechos, pero me parece que es un disco muy recuperable y merecería una segunda oportunidad por parte del público.

Creo que con el tiempo se ha ganado una credibilidad como artista que, al menos para mí, hasta bien entrados los 90 no tuvo, por lo que incluso la reunificación de la banda me pareció que se hizo de una forma tan natural que en ningún momento (cosa que si me ocurre con otros) vi un movimiento mercantilista. Primero fue un concierto en “El Sol”, luego, como la cosa funcionó y se sintieron cómodos hicieron una pequeña gira, y por fin durante un par de inviernos se dedicaron a tocar por todo el país y además nos regalaron una joyita de cuatro canciones en formato EP que suponen el retorno discográfico más digno que recuerdo en años.

Desde hace unos días está en las tiendas “La hora de los gigantes” y tras oírlo un par de veces creo que será uno de los discos del año. Estoy ansioso por tener entre las manos el libreto y ojearlo con toda la parsimonia del mundo mientras lo escucho con la calma y la calidad de sonido que merece, y me parece que van a ser muchas las horas que a lo largo de los próximos meses vamos a pasar juntos los dos.

Antes de concluir me gustaría decir (como hacia ayer con Santiago Auserón) que muchos artistas deberían mirarse en el espejo de Coque y buscar su propio camino al margen de lo establecido hace 40 años en un mundo y con un mercado totalmente distinto al actual. Si no puedes con el enemigo únete a él. Además con estos pequeños detalles, como regalar alguna maqueta o colgar las canciones en su web para poder escucharlas seguro que hay mucha gente que se anima a comprar sus discos en lugar de descargárselos (no es mi caso ya que, por suerte o por desgracia yo soy de los que prefieren el disco original con su portada y su libreto... y si es en vinilo, mejor) ya que el comprador no es tonto y, acostumbrado al desprecio y a que le tachen sistemáticamente de ladrón, percibe el cariño del artista y lo hacen más próximo y respetado. Al final acabas viendolo como a un colega más e incluso eres capaz de ponerse en su lugar y claro, a un colega no se le va a putear...

“Sabéis que desde la web somos partidarios de la liberación de la música a través de internet y la prueba es que lo habéis podido escuchar entero y libremente en la sección de música desde hace un mes. No obstante, no podemos dejar de recomendaros, y solo recomendaros, que os lo compréis físicamente, porque el verdadero disco de Coque es el que está en las tiendas a partir de hoy. Vais a disfrutar de la portada, de las fotos y de una calidad de audio que no os da el mp3. Y vais a vivir un ritual que, cuanto menos, es distinto al de escucharlo a través de la web. Insistimos, es sólo una recomendación; haced lo que os pida el cuerpo”.

Concluyo con este texto aparecido en su web y en el que da muestras de su talante. Aquí estoy para dar mi opinión y como tal todo lo que puedo decir es que “La hora de los gigantes” debe estar, sin duda, en tu estantería por dos razones de peso: es un muy buen disco lleno de canciones maravillosas y el tío como persona y profesional se lo merece...

lunes, 23 de marzo de 2009

Para echarse a reír...

O ponerse a aplaudir, o hacer la ola, o rendirse a sus pies... Hace varias semanas hablaba del regreso de Juan Perro a los escenarios, y ahora ya podemos escuchar parte de lo que será su próximo disco. Desde hace unos días están a disposición en la web del cantante las maquetas de cinco de sus nuevas canciones, esas que ahora está presentando en directo y que irán tomando forma a lo largo de los próximos meses antes de ser registradas de forma definitiva. Son unas tomas desnudas a guitarra y voz, con esa crudeza de las canciones en estado embrionario pero que ya muestran su fuerza e intensidad... Un auténtico regalo en estos tiempos oscuros

No vamos a descubrir ahora a Santiago Auserón. Es, seguramente, uno de los más grandes compositores del ultimo cuarto de siglo en castellano, en muchos aspectos un adelantado a su época y sobre todo un artista honesto que no tuvo ningún problema en disolver a la banda más importante de los 80 y renunciar al éxito y el dinero fácil para buscar su propio camino aunque con ello perdiese a gran parte del público que hasta ese momento le había adorado. Lo que demuestra con esto (o con la distribución el año pasado de su disco a través de un periódico) es que lejos de sentarse a esperar a que alguien le diga por donde debe ir su carrera, ha sido el mismo el que ha cogido el toro por los cuernos y ha buscado la forma de adaptarse a los nuevos tiempos antes de que estos le devoren.

No es el único y, si exceptuamos a los mediáticos que van a vender pase lo que pase (no tanto como antes, claro) y a los que los medios les hacen la promoción, en poco tiempo nos encontraremos a más artistas tomando medidas similares. Coque Malla regaló hace tiempo dos maquetas del disco que ha publicado esta semana, Iván Ferreiro hizo lo propio con el suyo entero unas semanas antes de que estuviese en las tiendas... Y rara es la semana que algún grupo o cantante no cuelga su disco en la red para que su música se conozca. Es imposible ponerle puertas al mar, y dadas las circunstancias el futuro es de los intrépidos... El sistema actual está dando sus últimos coletazos y serán pocos los que se sigan beneficiando de las ventajas del pasado. El resto tendrán que saltar a las trincheras, y que gente de la talla de los mencionados ya lo hayan hecho solo demuestra que, como cantaba Santiago hace casi 30 años, el futuro ya está aquí...

...Para echarse a llorar

Ayer en el suplemento dominical de “El País” cien músico hispanoamericanos eran preguntados por las 5 canciones que habían cambiado su vida. Este tipo de listas suelen ser curiosas y, los que hemos jugado con frecuencia esto (que aficionado a la música no ha hecho alguna vez su lista de sus canciones y discos favoritos), sabemos que los nombres elegidos son totalmente subjetivos y atados a un momento muy concreto. La lista que pude hacer a los 18 nada tiene que ver con la que haría ahora con 38, y eso que seguramente coincidirían artistas e incluso los LP’s en los que estaban, así que los que han votado seguramente lo habrán hecho con criterios de 2009.

Ya digo que hay cosas bastante curiosas (un tal Falete vota 5 canciones suyas, Pablo Carbonell “Mi barba tiene tres pelos” de Miliki, Bebe el “Coco Guagua” de Enrique y Ana o Andy Chango que se decanta por la tradicional “Pican, pican los mosquitos”...), pero ninguna como la del señor José Ramón Julio Martínez Márquez (Ramoncín para el resto de los mortales). No he dicho que este tipo de selecciones puede sacar a la luz el pedante que lleva uno dentro en forma de temas raros y que sólo conocen los que los escribieron, pero también, como el caso que nos ocupa, lo más rastrero del ser humano.

Pues lo dicho, que a don Ramón en su votación (y supongo que tras mucho meditarlo ya que la pregunta se mandó vía mail y tuvieron varios días para responder) sólo se le ocurre acordarse del antiguo grupo de su amigo y antiguo jefe Eduardo Bautista. El tema en cuestión (Get on your knees) no está mal, pero él es el único en acordarse de Los Canarios, y siendo quien es y viniendo de donde viene sus elección huele absolutamente a peloteo. Personalmente me cuesta creer que el “rey del pollo frito” en los 80 se hubiese molestado en escuchar al grupo de Teddy (desaparecido la década anterior y no tan conocido como para que el público mayoritario pudiese identificar una sola canción suya) y que si en esa época le hubiesen preguntado por Beatles, Dylan, Don McLean o Los Brincos seguramente habría vomitado encima del entrevistador.

Ver en lo que se han convertido algunos y los recursos de niño de parvulitos que usan para tener contento al jefe simplemente me provocan ganas de llorar... o de vomitar, o de sentir vergüenza ajena, o bochorno... En eso hemos terminado...

domingo, 22 de marzo de 2009

"Exile on main street" outtakes (The Rolling Stones)

No suelo comentar bootlegs relacionados con sesiones de grabación por que no suelen estar hechos con demasiado criterio y se limitan a incorporar tomas alternativas de los temas del disco. El que hoy comento es diferente. Además de tener una calidad de sonido fantástica, incluye varios temas que fueron descartados y versiones primigenias de las que sí, en las que en muchos casos la letra aún no ha sido terminada e incluso es distinta a la que finalmente apareció publicada. No soy muy Stoniano, pero creo que este es su mejor trabajo y que desde entonces no han vuelto a facturar nada a la altura de su leyenda. Han sacado discos curiosos (e incluso interesantes) de rock and roll, pero ellos son los Rolling Stones y de unos tipos que fueron capaces de hacer “Let it bleed”, “Beggars banquet”, “Sticky fingers”, “Between the buttons” o “Aftermath” se debe esperar mucho más.

En la primavera de 1971, tras acabar de grabar “Sticky fingers”, los Stones abandonaron Inglaterra por consejo de su asesor financiero para evitar la bancarrota a causa de los elevados impuestos y las importantes deudas que habían contraído con el fisco británico desde principios de 1970. El lugar elegido para su exilio voluntario (donde llegaron el 5 de abril de ese año) fue el sur de Francia por donde los miembros de la banda se dispersaron. Mick Jagger, por ejemplo, se instaló junto a Bianca (con la que se acababa de casar) en Saint-Tropez y Charlie Watts lo hizo en las inmediaciones de Avignon, pero sin duda el lugar que pasó a la historia fue el Château que eligió Keith Richards en Villefranche-sur-Mer

Tras buscar lugares para poder grabar su nuevo trabajo, y por la falta de sitios que se adecuasen a lo que ellos deseaban, decidieron finalmente adecuar el sótano de “Villa Nellcôte” y utilizarlo como estudio. En la mansión se alojó el equipo completo: el grupo, los técnicos e ingenieros de sonido, los músicos adicionales y las novias de ellos, un total de más de setenta personas que convivieron en un periodo que fue desde mayo hasta septiembre de 1971. El ambiente, según Mick Taylor, en algunos momentos parecía el de un campamento de verano, y que mejor que utilizar sus propias palabras para explicar como se desarrollaron las cosas en esa grabación. “Raro era el día en el que no había más de cuarenta personas a la mesa a la hora del almuerzo, y lo curioso es que eran diferentes cada día. Te levantabas en la mañana, bajabas a desayunar y podrías encontrarte a Anita fumándose un porro sentada en la escalera y a su lado Keith ensayando con la acústica “Sweet Virginia”, y mientras en la habitación de al lado, Bill llevaba desde las 10 de la mañana haciendo sus partes de bajo con un amigo de Keith dormido sobre los amplificadores. Evidentemente hubiera sido difícil hacer eso en Inglaterra”.

Otro elemento importante que hay que tener en cuenta es la presencia permanente de las drogas a lo largo de todas las sesiones de grabación lo que hacia que rara vez estuvieran todos los miembros de la banda cuando se reunían a grabar. El más afectado fue Richards que, a pesar de conseguir que se trabajara como a el le gustaba (todos juntos hasta encontrar la toma y arreglos perfectos), solía llegar tarde y desaparecer a las primeras de cambio. Jaggger tampoco se libraba de las ausencias ya que acababa de casarse y, como Bianca se negaba a instalarse en la casa, se largaba en cuanto tenia ocasión.

También ayudó al caos la presencia permanente en la mansión a lo largo de ese verano de gran cantidad de visitantes que impedían que la banda se centrase. Entre los más conocidos se encontraban William Burroughs, Terry Southern, John Lennon o Gram Parsons que, al cabo de varias semanas, fue expulsado por su mal comportamiento (como seria para que considerasen se que se estaba pasando...). La gamberradas en cualquier caso fueron permanentes y como ejemplo contaré que desviaron ilegalmente el cableado de unas vías ferroviarias que pasaban cerca para no tener que usar la electricidad de la casa en la “The Rolling Stones Mobile Studio”. El último episodio de la grabación en el sur de Francia fue el registro al que se vieron sometidos por la policía por la presencia permanente en la mansión de narcotraficantes, lo que hizo que finalmente Jagger decidiera trasladarse a Los Angeles para acabar el disco y mezclarlo.

En lo musical al margen de rock and roll, blues y rhythm and blues destaca la presencia del country (Grand Parsons tocó bastante con Richards y le influyo bastante) y de toques de otros géneros musicales inéditos hasta el momento como el boogie-woogie o el jazz. Esa variedad estilística unida al hecho de que también fuese doble hizo que se hablase de el como el “Album blanco” de los Stones, aunque a mi particularmente (y no soy dudoso) me gusta más que el de los Beatles. La producción corrió a cargo de Jimmy Miller y con frecuencia ha hablado de “Exile on main street” como un disco con sonido sucio y poco equilibrado, aunque yo creo que en eso radica parte de su encanto, y además hay que tener en cuenta que las condiciones en las que tuvo que trabajar nunca fueron las más adecuadas. Sólo lo haría una vez más, pero su herencia de cinco discos junto a los Stones marca sin ninguna duda la mejor época de la banda.

Título del bootleg: “Exile on main street” outtakes
Lugar y fecha: “Villa Nellcôte”, Villefranche-sur-Mer (Francia), Julio a Octubre de 1971
Listado de canciones:
01 – Get a line on you
02 – Good time woman (primera versión de “Tumbling dice”)
03 – Shake your hips
04 – Hillside blues (I don't know the reason why)
05 – Sweet Virginia
06 – Sweet black angel (instrumental)
07 – Loving cup (“Olympic Studios”, 19 de junio a 2 julio de 1969)
08 – Ventilator blues
09 – I ain't signifying (Ain't gonna lie)
10 – Let it loose (instrumental)
11 – Travellin’ man
12 – Stop breaking down
13 – Shine a light
14 – I’m going down

viernes, 20 de marzo de 2009

La niña rockera - VI

No deja de sorprenderme como ven el mundo los niños. Hace unos días estaban jugando en casa la niña rockera y su primo a cuidar a sus muñecos, y resulta curioso ver como imitan lo que ven a diario. Ya conté el mes pasado que ahora tiene una hermanita así que ahora, inevitablemente, es el nuevo “juguete” de la casa aunque para su madre y para mi lo sea de una manera y para ella de otra. Esa tarde me sentí caricaturizado al ver como los dos repetían las palabras que la digo a mi chiquitina y como copiaban mis gestos y movimientos... Pero lo que me llamó la atención fue ver como mi sobrino era el que encargaba de Laura (la muñeca que la trajeron los reyes) y ella cuidaba a su peluche favorito(un hipopótamo llamado Roco) y al plantearla mi duda (por que no la gusta dejársela a nadie) su respuesta, a modo de justificación, me dejo confundido... “Los Beatles también juegan con muñecas...”

De entrada lo que me llamó la atención fue que, sin haberse detenido nunca en exceso en la portada de “Yesterday and today”, lo que la llamase la atención fuese que el grupo estuviese rodeado de muñecas, algo que en principio no tendría por que extrañarla. Y eso me llevó a una segunda cuestión más desagradable. Desde pequeños la sociedad ejerce sobre sus miembros una influencia negativa que, en determinados temas, tiene más fuerza incluso que lo que los crios viven en su casa. Nosotros nunca hemos hecho distinción entre juguetes de niños y niñas y, a pesar de eso, en algún sitio (supongo que colegio o guardería) ya les ha recalcado que los chicos juegan a unas cosas y las chicas a otras. Ellos en su mundo lo ven normal por que realmente lo es pero, por desgracia, esa limpieza de mente entre todos nos encargamos de ensuciarla llenándola de prejuicios desde demasiado pronto.

Pero todo esto viene, anécdotas y reflexiones personales al margen, a que mi niña sigue dándome muestras de lo íntimamente ligada que están ya a su vida la música y todo lo que la rodea, hasta el punto de ser capaz de utilizar como referencia la portada de un disco para justificar una conducta. Y si los adultos a la hora defender una postura nos apoyamos además de en nuestro criterio en que lo hemos leído en el periódico o escuchado en la radio, ella lo hace en lo que la aporta credibilidad que en este caso son los discos (en otras ocasiones es su profe, en otras su madre... curiosamente siempre en función de sus intereses).

De todas formas no necesito de ejemplos tan rebuscados y retorcidos para saber que el gusanillo de la música lo tiene muy dentro. Se pasa gran parte del día cantando y, no sólo su repertorio sigue creciendo a buen ritmo, si no que además lo hace muy bien, entonando perfectamente y repitiendo exactamente la forma de cantar el artista. Ultimamente se hace acompañar de unas maracas y lleva el ritmo perfectamente perdiendo el compás en contadísimas ocasiones, por lo que creo que, al margen de lo que pueda estar viendo en casa, tiene algún don del que el resto de la familia carece. También la gusta bailar y como en alguna de las tiendas por las que pasamos cuando estamos de paseo tenga la música puesta, no duda en entrar y mover un poco el culo antes de seguir con su (nuestro) camino, así que casi permanentemente soy testigo de su afición por la música...

Y además ya me ha pedido que la lleve a un concierto...

La última muestra la he tenido esta misma noche. Estaba tratando de dormir a su hermana cantándola “Los aviones” de Calamaro cuando ha entrado en la habitación que estaba casi a oscuras. Yo paseaba con la pequeña de un lado a otro y al verla la he dicho que esa canción también se la cantaba a ella cuando la acunaba en mis brazos. Se ha sentado con las piernas cruzadas en el suelo y me ha pedido que empezase otra vez. Yo me iba moviendo pero veía como no me perdía de vista ni un instante y tenia la sensación de que no estaba escuchándome, pero al acabar, cuando la he preguntado si se acordaba de ella me ha dicho mientras negaba con la cabeza: “que bonita, cántala otra vez y me la enseñas”... Y claro yo he vuelto a empezar mientras seguía moviéndome de arriba a abajo de la habitación pensando en ponerla mañana el tema original para que se lo aprenda de quien tiene que hacerlo...

jueves, 19 de marzo de 2009

Despertar en primavera (Franco Battiato)

La presencia de la artillería
en países meridionales
unidos en la lucha extranjera
bajo el reino de las Dos Sicilias.
Y los movimientos predecibles
de la tropa y falsas batallas,
olores de pólvora, de fuego
y voces del Estrecho de Mesina.

Sentimiento oculto para mí.
Me enamoré siguiendo el ritmo del corazón
y me desperté en Primavera.

Noches blancas de los sarracenos,
que eran de costumbres alegres.
Posadas prohibidas a espanoles
a las puertas de Catania.
Y el movimiento tan irresistible
de caderas de las mujeres.
Ver bailar flamenco
era una experiencia sensualísima.

Sentimiento oculto para mí.
Me enamoré siguiendo el ritmo del corazón
y me desperté en Primavera.

I'm a stranger in the night.
Despertar en Primavera...

(Extraída del álbum "Nómadas" / EMI – 1986)

miércoles, 18 de marzo de 2009

Mi verdad sobre la industria musical - I

Leo indignado un artículo del suplemento de economía del domingo pasado de “El norte de Castilla” y no puedo dejar de indignarme... Bajo el título “El negocio de la música desafina” comentan los datos que la SGAE ha publicado sobre la evolución en la venta de contenidos musicales en sus distintos formatos de 2007 a 2008 y lo acompaña con las opiniones de Antonio Guisáosla, presidente de la asociación de los Productores de Música de España (Promusicae). Los datos son lo que son, y si se te limitas a ver las cifras sin plantearte nada más es evidente que son negras, pero en muchos casos en lugar de culpar al consumidor deberían plantearse que parte de culpa tienen ellos en el desastre que están sufriendo.

Pues por lo que parece, una vez más y ya ha dejado de sorprender, los consumidores y las descargas de internet son las que está llevándoles a la ruina. Lo cierto es que el negocio de la música es el único que vive del lloriqueo de lo malo que es el cliente cuando las cosas van mal y no busca dentro su casa las soluciones. No me imagino a un fabricante de coches diciendo que el comprador es un golfo por comprar otros modelos que no son los suyos o no buscando una alternativa cuando sus ventas descienden. Estos no se platean que puedan estar haciendo las cosas mal y que a lo mejor cambiando alguna cosilla podrían recuperar a la gente que ha dejado de interesarse por su producto. Simplemente se limitan a sentarse a esperar que otros les saquen las castañas del fuego mientras, eso si, criminalizan a todo el que se cruza en su camino.

Por ejemplo los “singles” bajaron de 558000 en el año 2007 a 182000 un año después, pero no cuentan que las discográficas han dejado prácticamente de fabricar este soporte para ahorrar costes. Lógicamente nadie puede comprar algo que casi no se encuentra en las tiendas. Algo similar ocurre con las cintas de casete (de 5000 a 1000) cuando hace años que yo no las veo en ninguna estantería. Pues atención, uno perdió el 67,4% de las ventas y el otro el 78,8, pero a pesar de lo escandaloso del dato frío la realidad es que son la consecuencia lógica de las decisiones empresariales que ellos han tomado. Además en mi opinión en esto se puede encontrar una de las causas de que la gente se descargue las canciones de la red. Antes si te gustaba una canción te comprabas el single y por 3 euros la tenias en tu casa pero claro, el margen que dejaba era pequeño por lo que se lo cargaron y ahora la única alternativa es pasar por caja y comprar un disco entero del que a lo mejor no te gusta ningún tema más.

Otro dato curioso es el de los vinilos. Como comenté en la entrada “La segunda muerte del vinilo” en ese periodo de tiempo este soporte ha sufrido un incremento medio de 5 o 6 euros sobre el precio que tenían en 2007 (lo sé de primera mano por que soy comprador habitual y lo he sufrido). En las plantas nobles de las discográficas viven convencidos que los que los compramos somos gente que ronda los 40, con estabilidad laboral y unos ingresos elevados, por lo que estamos dispuestos a pagar lo que sea por un disco. La consecuencia ha sido un descenso del 59,9% de las ventas (de 99000 a 40000), y en esto no pueden echar la culpa a internet ya que a los que buscamos un soporte como el vinilo para escuchar música es por que nos gusta el formato y un archivo en mp3 no colma para nada nuestras necesidades.

Lo que sucede es que las cabezas pensantes de las compañías se agarraran al dato de ventas de packs de vinilos (ediciones limitadas para coleccionistas con varios LP’s que suelen tener precios astronómicos) que han subido de 24000 a 33000 para apoyar sus teorias. Yo creo personalmente que vuelven a engañarse (o equivocarse según la capacidad del sujeto) ya que, al menos en mi caso y en el de otros que conozco, lo que comprador acaba haciendo es redireccionar su presupuesto a estas cajas de lujo dejándolo de gastar en otro tipo de formatos (además hay que tener en cuenta que en 2008 se vendió el integral de Héroes Del Silencio con el tirón que ese grupo tiene con su multitud de fans)

Y llegamos al producto estrella que sigue siendo el CD y su hermano pequeño el DVD. Del primero se vendieron 26400000 copias frente a los 28669000 del año anterior que, si bien supone un 7,9%, me parece una cifra poco representativa si se tiene en cuenta la cada vez más frecuente presencia de ese formato en los kioscos. Seguramente la cifra no compense esos dos millones y pico de discos, pero entre los artistas que editan su disco directamente con un periódico (Diego “El Cigala” o Santiago Auseron entre otros) y los que se editan dentro de colecciones varias (“Joyas del flamenco” y las discografías de Bosé y la parejita Ana Belén/Víctor Manuel de “El País” o “Las canciones de la democracia” o algo parecido de “EL Mundo”) seguramente la cosa se iguale un poco con lo que, en un año en el que ya tan manida crisis causaba ya estragos, se me antoja casi insignificante. Compañeros, no solo vamos a ser los curritos los que nos tengamos que apretar el cinto...

Y que decir del DVD... Pues que ellos mismos le han encargado de quitarle el valor que antes tenia ya que si resulta que ahora en muchos discos te viene de regalo al mismo precio, es lógico que la gente no lo compre si luego te lo venden también por separado. De hecho antes el artista sacaba primero el disco y luego editaba las imágenes de algún concierto con lo que si ahora lo dan a la vez que pretenden que haga el comprador. Por que claro, si se considera que se ha vendido CD no es menos cierto que también va el DVD con lo cual creo que deberían sumarse a esta lista con lo que seguramente estarían igualados... Y que no me hablen de los costes ya que todos sabemos que al final el trozo más grande de la tarta se la lleva el distribuidor y el vendedor con lo que no creo siquiera que le reporte ningún gasto extra a la discográfica.

Por último, en el apartado del mercado digital, las cifras si que son positivas, y llamo la atención en un hecho curioso. Aquí los datos ya no son de ejemplares vendidos (en este caso descargas realizadas) si no de beneficios en millones de euros. Me pregunto por que no han hecho lo mismo con los soportes físicos. Tal vez sea por que, aunque dicen que se han vendido tres millones menos de copias, el beneficio haya sido mayor que el año anterior con lo que sus lagrimas de cocodrilo provocarían la carcajada generalizada entre la ciudadanía... Pues a lo que iba, las descargas por internet han aumentado un 119,8% lo que supone un paso de 4,9 a 10,7 millones de euros facturados que van limpios de polvo y paja a su bolsillo ya que ese gran porcentaje que se llevan distribuidores y tiendas, y el coste de editar el CD con su caja y la carpeta se lo ahorran por completo con lo que a un coste casi cero el beneficio es brutal.

Yo debo ser muy tonto, pero nunca entenderé como a casi dos euros la canción y sin un soporte físico alguien es capaz de comprar algo. Lo siento mucho, pero entiendo a los que se bajan en esas circunstancias la música gratis. La calidad de sonido es ínfima, lo pagas casi al mismo precio que si compraras el CD y al final no tienes nada... Bueno si las canciones pero en unas condiciones engañosas ya que, seguramente, el margen para el artista será, en el mejor de los casos, igual de malas que con el sistema de venta tradicional. Lo mismo (o peor) sucede con las descargas en móviles (han descendido de los 22,1 millones de ganancias a los 18,4) ya que en este caso la venta se hace a través de mensajes a cojón de mico con lo que lo extraño, repito, es que alguien pique en esa versión moderna del “tocomocho”.

Y hasta aquí esta primera entrega que tendrá su continuación en próximas fechas con una segunda parte en la que analizaré las sabrosas declaraciones de Antonio Guisáosla (que no tienen desperdicio) en la que, además de augurar la muerte de la música, da una lección de cómo utilizar los datos hoy comentados para transformar la realidad.

martes, 17 de marzo de 2009

El orgullo irlandés

Que mejor día que hoy, fiesta de San Patricio, para hablar de los artistas más grandes que ha dado la verde Irlanda... Van Morrison y The Chieftains… Este fin de semana, si Gales no lo impide, en el “Estadio del Milenio” de Cardiff su selección de rugby (en esto van todos unidos) ganará su primer seis naciones después de 24 años (entonces cinco naciones), la Triple Corona pero sobre todo su segundo Grand Slam (el único que tiene lo ganó en 1948, hace 61 años). Hoy los ruegos al santo de todo un país estarán encaminados en ese sentido, con la esperanza de recuperar por unas horas su orgullo como pueblo unido... Ese mismo orgullo que les produce que, a lo largo de todo mundo, se conozca y reconozca su tradición musical.

Van Morrison, gracias a su larga y prolífica carrera, la calidad de sus trabajos y su poderoso torrente de voz que ha utilizado en géneros tan diversos como el soul, blues, country, folk e incluso el gospel, se ha convertido en uno de los intocables de la música actual. Se ha situado por encima del bien y del mal, y tanto la prensa como sus seguidores le perdonan todo, aunque su carácter haga que tan pronto te ofrezca un concierto memorable como que se le cruce el cable y se dedique a abroncar al grupo que le acompaña. Nacido en Belfast en 1945 desde muy pronto, la gran cantidad de música que se escuchaba en casa le marcó su camino. A los 17 abandonó el hogar para irse de gira por Europa con su banda, y dos años después fundó The Them con los que publicó 2 discos, 12 singles y 1 EP antes de dejarlos para seguir con una carrera de triunfos en solitario muy firme y casi sin fisuras.

The Chieftains son sin duda del grupo más importante y conocido de música tradicional irlandesa que ha existido (y existe) gracias en gran medida al talento y buen hacer del gaitero y líder de la banda Paddy Moloney. Fundada en 1963 con músicos procedentes de la escena de pubs en Dublín, su gran éxito pillo a todos de sorpresa ya que su propuesta era totalmente instrumental cuando en ese momento de resurgimiento del folk irlandés se estaba produciendo gracias al aporte vocal que introducían grupos como The Dubliners. Su gran aportación musical consiste en haber revitalizado su folclore a base de mantener el fuerte arraigo de la tradición pero añadiendo fuertes dosis de innovación haciendo que sea accesible para todo tipo de públicos (a lo que ha ayudado el hecho de haber grabado con gente que va de Mick Jagger a Ry Cooder pasando por Mark Knopfler, Sting, Sinéad O'Connor o nuestros Carlos Núñez o Kepa Junkera.

Llegados a este punto de reconocimiento internacional de ambos parecía inevitable que en algún momento sus caminos se cruzasen... Este primer encuentro llego en el Festival de Rock de Edimburgo de 1979 y posteriormente, durante la gira de 1986 mientras presentaba “No guru, no meted, no teacher”, volvieron a hacerlo en Belfast y allí decidieron que tenían que hacer lago juntos. Al año siguiente Morrison y Moloney se reunieron para consensuar el listado de canciones que irían en el disco optando al final por ocho temas tradicionales irlandeses y las versiones de “Celtic ray” (“Beautiful vision” de 1982) y “Irish heartbeat” (“Inarticulate speach of the Herat” de 1983) del propio Morrison.

El álbum se grabo entre septiembre de 1987 y enero de 1988 en los “Windmill Lane Studios” de Dublín y fue producido por los propios artistas. La crítica del momento lo definió como “uno de los trabajos más inquietantes, conmovedores y francamente favorables del año” y lo cierto es que, aunque los dos en solitario han firmado discos mucho mejores e influyentes, en “Irish heartbeat” recogían la esencia de los dos, y nos permitían empaparnos de la tracción irlandesa sin dejar por ello de mirar al presente y por supuesto al futuro, ya que 20 años después sigue sonando igual de actual. Además las ventas acompañaron bastante y, dentro de que era un disco de género, de puede decir que obtuvo un gran éxito.

Se dice que se está remasterizando y volverá a editarse a lo largo de este año con algún tema extra que, perfectamente, podría salir de la gira de presentación que hicieron y que les trajo a España esa primavera. Aquella fructífera unión de Norte y Sur podría volver a repetirse este sábado en tierras galesas... Para entonces sabremos si el orgullo de los irlandeses que pueblan el mundo pueden agarrarse a otra cosa o tienen que seguir apostando a ese valor seguro que es su tradición musical.

lunes, 16 de marzo de 2009

Juntos a través de la vida de... Dylan

Poco a poco se van conociendo más noticias sobre el nuevo trabajo de Bob Dylan. En su página web ya aparece la portada y el título del disco (“Together through life”), y la fecha que se baraja para su publicación es el 28 de abril. Lo cierto es que en los últimos años nos hemos acostumbrado a tener al de Minnesota cada poco tiempo entre nosotros ya sea en forma de gira, “bootleg series”, película, libro o como ahora con nuevo disco de estudio, y claro, los que le seguimos y esperamos con interés cualquier cosa suya vivimos de enhorabuena permanente.

Y es que va a ser verdad eso de que los viejos rockeros nunca mueren... Al igual que su colega y amigo Neil Young (que mantiene intacto su ritmo desde hace más de 40 años de al menos un disco por año) el bueno de Dylan sigue viviendo en la carretera y buscando en los huecos libres tiempo para sus otros proyectos. Hace más de un año, por ejemplo, saltó el rumor de que a finales de 2007 había entrado en el estudio con Rick Rubin como productor para grabar un nuevo disco que se iba a titular “Anchor”. Aunque de eso nunca más se supo es probable que lo tenga guardado en la nevera (como tantos otros) esperando otra ocasión para ver la luz.

El álbum que verá la luz a finales de abril tiene su origen en la petición que le hizo el director Oliver Dahan de un tema para su película “My own love song” (protagonizada por Renée Zellweger). El escribió “Life is hard”, pero como se encontraba inspirado siguió componiendo hasta completar la decena que darán forma a “Together through life”. Al parecer fue grabado el pasado mes de octubre en California aprovechado unos días de descanso de su “Never ending tour”, completándolo a posteriori en el mes de enero. La producción, como en otras ocasiones ha corrido a cargo de Jack Frost que no es otro que el propio Dylan escondido tras uno de sus pseudónimos.

En las últimas semanas “Sony” ha estado haciendo sesiones de escucha del disco para los responsables de ventas y marketing de la compañía en Estados Unidos y Europa, y lo poco que se ha contado habla maravillas de este nuevo trabajo (es lógico ya que son parte interesada). Además algunos periodistas, como Michael Simmons de la revista “Mojo”, también han sido invitado a escuchar algunos temas para que empiecen a preparar sus críticas, algunas de las cuales ya se pueden leer aquí. De las 10 canciones ya se conoce el título de 9 y son los siguientes (al desconocerse el orden final las coloco alfabéticamente):

· Beyond here lies nothin'
· Forgetful heart
· I Feel a change coming on
· If you ever go to Houston
· It's all good
· Life is hard
· My wife's hometown
· Shake, shake mama
· This dream of you

Poco más se puede contar de momento salvo que, aunque en un primer momento se hablo de otoño como fecha prevista para su edición, al final se adelantó a primavera para que coincidiera con la gira europea que el 22 de este mes comienza en Estocolmo y tras 32 conciertos concluirá en Dublín el 5 de mayo (por desgracia esta vez no visitará nuestro país). En principio esto es todo amigos aunque, estando Dylan de por medio, será por poco tiempo...

domingo, 15 de marzo de 2009

Cotati, 20 – Diciembre – 1975 (Neil Young & Crazy Horse)

Desde hace varias semanas no hacen más que aparecer noticias de tío Neil, pero hasta hoy no he recibido una que haga que tenga la necesidad imperiosa de sentarme delante del ordenador y gritarla a los cuatro vientos. Cuando se anuncio su presencia en el “Primavera sound” me jodio por que me iba a resultar imposible acercarme a Barcelona y pensaba que era la única ocasión de verle por aquí (había estado en sus tres últimas visitas a España en La Coruña en 1993 y 2001 y en Madrid el año pasado) que iba a tener. Cuando se añadio San Sebastián respiré ya que, aunque complicado era muy posible que a ese concierto si que pudiese asistir, pero ahora, si se confirma lo que me han contado esta mañana es seguro que esta vez también podré ver a Neil en directo.

Me cuenta una fuente muy bien informada que hay un 80% de posibilidades de que en la edición de 2009 de “Músicos por la naturaleza”, que organiza en los alrededores del P.N. de Gredos la Junta de Castilla y León, el cabeza de cartel sea Neil Young (recordar que el año pasado estuvieron Amaral y Dylan). El responsable máximo es aficionado y, aunque sus asesores dudan, él lo tiene claro y solo falta cuadrar las fechas con su representante (primer sábado de julio) ya que las conversaciones están avanzadas... Así que con el subidon lo único que me apetece es escribir sobre él para sofocar la emoción y ansiedad y como es domingo... pues toca disco pirata...

Empezaré diciendo que el sonido del bootleg de hoy no es excesivamente bueno. Es posible que en este aspecto sea el más flojo de todos los que he comentado hasta ahora, ya que está grabado desde el público y en aquella época los aparatos portátiles eran caros y su calidad de grabación dejaba bastante que desear. Entonces, ¿porque lo he elegido? Personalmente creo que como documento es de altísimo interés dentro de su carrera ya que es la primera gira que realiza con los Crazy Horse desde la de febrero de 1970 y la que supone el debut frente al público de Frank “Poncho” San Pedro como sustituto en la guitarra del fallecido Danny Whitten.

Desde el final de su gira con los Santa Monica Flyers en noviembre de 1973, Neil apenas se había puesto solo frente al público. En 1974, además de los 31 conciertos con Crosby, Stills y Nash, dio uno en el “Bottom Line” de Nueva York en el que interpretó 11 temas y participo en otro con The Eagles en California. En 1975, y hasta su reencuentro con los Crazy Horse, solo había participado en un concierto benéfico junto a Bob Dylan y The Band y acompañado a Stephen Stills en 3 bolos por California. En lo discográfico fue más generoso y en ese periodo de tiempo publicó “On the beach” en julio de 1974, y al año siguiente “Tonight’s the night” y “Zuma ”en junio y noviembre respectivamente. Es evidente que estaba saliendo del túnel, pero tenia que confirmarlo donde siempre había dado lo mejor de si, en el cara a cara con el público

Bajo el nombre “Rolling Zuma Revue” (un guiño a la “Rolling Thunder Revue” que había realizando Bob Dylan ese otoño por Nueva Inglaterra), y en cuatro fechas de la segunda quincena de diciembre de 1975, Neil volvía a subirse a un escenario como cabeza de cartel casi dos años después. Para la ocasión eligió algunos clubes y bares pequeños (y alguno no tan pequeño) de California, en los que se presentaba a actuar sin anunciarlo ni hacer publicidad por lo que en alguna ocasión, como en la taberna de Marshall (un pueblecito de la costa), apenas 50 personas fueron testigos del concierto. Con esta mini gira su intención era escapar un poco de los rigores de la fama, rodar un poco con vistas a la visita que tenían prevista para Japón y Europa un par de meses después, ver que tal funcionaban las nuevas canciones y por último comprobar que tal se compenetraba con Ralph Molina, Billy Talbot y el mismo el guitarrista recién incorporado.

El repertorio elegido para esa noche en Cotati es realmente curioso. De las 15 canciones que interpretaron 8 no estaban publicadas (4 inéditas que sólo las ha tocado esa noche y de las que no tengo constancia que exista otra grabación, 2 aparecieron en “American stars 'n’ bars” en 1977 y otras 2 en “Ragged glory” en1990) y 3 pertenecían a “Zuma” (que había sido editado 10 días antes) por lo que los asistentes fueron testigos de algo parecido a lo que paso en la presentación del “Tonight’s the night” pero mucho menos oscuro y más vitalista.

Todo salió muy bien, como prueba el hecho de que desde entonces los “Caballos locos” se han mantenido sin ninguna variación a lo largo de 34 años (aunque desde marzo de 2004 no trabajan juntos) y en los tres años que siguieron su relcion fue muy fructífera y triunfal concluyendo en 1979 con la publicación de la trilogía “Rush never sleeps” (disco en estudio, en directo y película)... Aunque esa es una historia que ya contaré otro día...

Título del bootleg: The inn at the beginning, Cotati, CA, 20 – Diciembre – 1975
Lugar y fecha: “The inn of the beginning”, Cotati (California), 20 – Diciembre – 1975
Listado de canciones:
01 – Country home
02 – Don't cry no tears
03 – Cowgirl in the sand
04 – One thing I'm sure of
05 – New Orleans
06 – Cinnamon girl
07 – Homegrown.
08 – Down by the river
09 – She's hot
10 – Like a hurricane
11 – Looking for a love
12 – Lost and lonely feeling.
13 – Drive back
14 – White line
15 – Southern man

viernes, 13 de marzo de 2009

Dos noches en el Filmore East

Los días 12 y 13 de marzo de 1971 yo apenas tenia unas semanas e vida, pero esas dos noches se grabó en el “Fillmore Easr” de Nueva York el que probablemente sea el mejor disco en directo de la historia. Fueron en total cuatro conciertos a razón de dos pases diarios a las 20:00 y a la 23:30 y, si lo que se vivió allí es tan solo la mitad de lo que se puede percibir en la grabación, los que tuvieron la fortuna de asistir a alguno de ellos casi 40 años después todavía tiene que estar recordándolos. Para el resto de los mortales está el doble álbum y la imaginación de cada cual para colarse entre el público y tratar de rememorar uno de los momentos más mágicos de la historia del rock.

Una de las anécdotas más curiosas que se cuentan del proceso de elaboración del disco tiene que ver con la fotografía de la portada. Se dice que al grupo no le gustaba nada posar para las fotos y que eran partidarios de para la portada de una instantánea sacada de alguna de las actuaciones. El fotógrafo, durante la sesión impuesta por la compañía, estaba volviéndose loco ya que no conseguía hacerles sonreír y en las imágenes que obtenía aparecían siembre demasiado serios. En una pausa de Duane se marchó a ver a un amigo y regresó con una bolsita de cocaína que, al verla el resto, provocó una carcajada generalizada que el atento fotógrafo logro captar para la eternidad. Si se compara la imagen que encabeza este texto con la portada del disco podrá verse las sustancial diferencia...

La banda en esas actuaciones estaba formada por Duane Allman (guitarra y slide guitar), Gregg Allman (órgano y voz), Dickey Betts (guitarra), Berry Oakley (bajo), Butch Trucks y Jaimoe Jai Johanny (batería), y resulta difícil imaginar como pudieron lograr esa fuerza, garra, dureza e intensidad y registrarla para que, después de tantos años, sigua ejerciendo ese poder de atracción entre gente de distinta edad, formación y gustos musicales. Gran parte de la culpa la tuvo el productor Tom Dowd (uno de los grandes de la historia del rock) ya que, al margen de la gran calidad del material que tenia entre las manos, fue capaz de plasmar toda la emoción del directo de los Allman respetando la esencia de lo que sucedió esas dos noches en el Fillmore y dotándole de un volumen de decibelios que para nada impide una perfecta audición y que cada instrumento suene donde tiene que sonar.

A lo largo de los años han sido tres las ediciones que ha tenido el álbum. La primera apareció en julio de 1971 en formato de doble LP y contenía un total de siete temas. La muerte prematura de Duane a los pocos meses hizo que, canciones desechadas para esa grabación fuesen apareciendo en discos posteriores de la banda y algún recopilatorio. Todas ellas (mas una grabada en el mismo lugar el 27 de junio de ese año) se reunificaron en 1992 bajo el título “The Fillmore Concerts” apareciendo sólo en forma de doble CD y cambiando la portada original y el orden de los temas para ajustar el tiempo al por entonces reciente soporte digital. Por último en 2003 se editó la versión “deluxe” con una presentación muy cuidada y en el que además de lo anterior se incluyó un tema más del 27 de junio.

“At Fillmore East” se convirtió casi desde el primer momento en un ejemplo a seguir, en uno de esos trabajos que marca el camino por el que debería pasar todo artista que quiera conseguir un disco en directo impecable y sentó las bases de cómo debe ser un álbum verdaderamente grande. La improvisación, los solos de guitarra, la intima relación con el público, el sentimiento... ese sentimiento que está en la esencia de lo que debe ser el rock... Eso lograron los hermanos Allman esas dos noches en Nueva York y, aunque fue como el hermoso canto de un cisne, al menos lograron lo que muchos no consiguen en toda la vida, colocar las emociones en su punto más alto.

jueves, 12 de marzo de 2009

Stephanie says (The Velvet Underground)

Stephanie says that she wants to know
Why she's given half her life, to people she hates now
Stephanie says when answering the phone
What country shall I say is calling from across the world

But she's not afraid to die, the people all call her Alaska
Between worlds so the people ask her 'cause it's all in her mind
It's all in her mind

Stephanie says that she wants to know
Why it is though she's the door
She can't be the room

Stephanie says but doesn't hang up the phone
What sea shell she is calling from across the world

But she's not afraid to die, the people all call her Alaska
Between worlds so the people ask her 'cause it's all in her mind
It's all in her mind

They're asking is it good or bad
It's such an icy feeling it's so cold in Alaska,
it's so cold in Alaska, it's so cold in Alaska

(Extraída del álbum " V.U. " / VERVE – 1985)

miércoles, 11 de marzo de 2009

La carrera de fondo de Vetusta Morla

La primera vez que tuve noticias de este sexteto madrileño fue una madrugada de 2004 viendo en “La2” un concierto de “Radio3” (ya se sabe la afición que tiene el ente público en programarlos a horas intempestivas y sin respetar su horario). Lo cierto es que la casualidad me llevó a ellos y aunque enseguida intenté recopilar más información sobre ellos me resultó en aquél momento imposible. La vorágine de discos por escuchar, conciertos a los que asistir y grupos por descubrir hizo que pasasen a un tercer o cuarto plano, aunque eso si, su nombre sacado de “La historia interminable” de Michael Ende no se me olvidó, y cuando un año después en una de mis visitas a Madrid vi su nombre en un cartel decidí volver a investigar acerca de asa banda que tan buen impresión me había causado.

Esta vez descubrí que llevaban juntos desde el verano de 1998, que eran de Tres Cantos y que habían grabado varias maquetas. La primera, llamada “13 horas con Lucy”, era de enero de 2000, la segunda “Vetusta Morla” de 2001 y la tercera “La cuadratura del círculo” databa de 2003 y pude hacerme con ella sin demasiadas complicaciones. Su camino no estaba siendo fácil. A lo largo de esos años habían ganado varios concursos de rock (Hortaleza, Rivas Vaciamadrid, Moratalaz...) gracias a los cuales podían seguir grabando maquetas, pero, a pesar de eso, no lograban encontrar el apoyo suficiente para conseguir que una discográfica les diera una oportunidad.

Lo sorprendente de todo es que hasta el momento, después de tantos años la formación ha permanecido prácticamente sin cambios. Pucho (voz), David García “El Indio” (batería), Jorge González (percusiones y programaciones), Guillermo Galván (guitarras), Juan Manuel Latorre (guitarras y teclados) han permanecido juntos desde el principio y la única sustitución fue la de Alejandro Notario que dejo el bajo en manos de Alvaro B. Baglietto en 2003 tras la grabación de “La cuadratura del círculo”. Por fin en 2005 editaron su primera grabación profesional en forma de EP y que titularon “Mira”. Incluye 7 temas y esta producido por el grupo y Angel Luján, e incluye varios temas del concierto que dieron en Radio3 y gracias al que los conocí.

Su primer largo lo grabaron en a lo largo de 2007 en los “Estudios Sonobox” de Madrid, el “Taller de Creación” del artista Alfredo Martínez en Alameda de Cervera (Ciudad Real) y el “Auditorio de la escuela municipal de música” de Pozuelo de Alarcón bajo la producción de Javibu Carretero y Manuel Colmenero. Con el disco hecho siguieron buscando una discográfica que les diera su apoyo pero, al no conseguirlo, decidieron crear el sello “Pequeño salto mortal” y editarlo por su cuenta. Por fin, en febrero de 2008, “Un día en el mundo” estaba en la calle, y casi desde el principio, el boca oreja que había hecho que poco a poco se hicieran con una pequeña legión de fieles, hizo que su nombre empezase a sonar más allá de los circuitos independientes.

A lo largo de 2008 empezaron a recoger los frutos al trabajo de tantos años. En abril llenaron la “Joy Eslava”, en julio “Radio3” elige “Copenhague” como una de las 3 mejores canciones de la historia de la música independiente española, octubre reciben el “Guille” al mejor directo pop y el de el programa “El Ojo Crítico” dentro de la categoría de música moderna, en diciembre son elegidos por los lectores de “El País” como el grupo revelación y en “Rockzone”, “Mondosonoro”, “Heineken.es” o la "MTV" les seleccionan entre los mejores del año, en enero de este año “Miradas 2” les premia por ser la “Mejor Propuesta Musical”... y por fin mañana recogerán como grandes triunfadores de la “XIII edición de los Premios de la Música” que otorga la “Academia de las Artes y las Ciencias de la Música” como “Autor revelación” por el tema “Copenhague”, “Artista revelación” y “Mejor álbum de pop alternativo” por “Un día en el mundo”.

Yo en la entrada del 31 de diciembre también elegí su disco como el mejor del año pasado y, aunque en general tiendo a recelar de los premios, en esta ocasión me alegro mucho y celebraré su éxito casi como si fuera mío. Ellos, que a lo largo de 10 años se han pateado todos los escenarios imaginados (sobre todo el circuito de salas de Madrid), que se han mostrado incansables ante las adversidades, que se han comportado como auténticos corredores de fondo dando pasos pequeños pero firmes creando unos cimientos en forma de seguidores que hemos hablado de ellos (y aquí me incluyo) ante quien quisiese escuchar, que además tienen grandes canciones y un directo espectacular, se merecen el triunfo más que nadie.

Por que lo normal es que estas historias de chicos que empiezan a hacer música en el instituto no dure más allá de 3 ó 4 años si la cosa no sale bien, y menos manteniendo los mismos componentes. No conozco otro caso de fe y confianza como el de Vetusta Morla por lo que todo lo bueno que les pase es justo. Por una vez los débiles han ganado a los fuertes y con ellos todos los que amamos la música, por aunque parezca paradójico en esta ocasión es el artista el que va a dar prestigio a unos premios y no a la inversa...


martes, 10 de marzo de 2009

Un templo llamado Marquee

Hace unos días fue colocada una placa en el lugar donde estuvo ubicado el mítico club Marquee (en el número 90 de la calle Wardour, en pleno Soho londinense) en honor a Keith Moon, el legendario batería de The Who. La noticia me sirve como excusa para hablar del local de conciertos más importante que ha existido en Londres y el lugar por el que han pasado los artistas más grandes de la historia de la música. Durante muchos años fue el punto de referencia para conocer lo que ocurría dentro del panorama musical británico y la prueba de fuego por la que tenia que pasar cualquiera que quisiese ser alguien. Todos los movimientos durante 40 años tuvieron su hueco en un club que vio el nacimiento, auge y caída del skiffle, el rock sinfónico, el punk, la new wave, el techno o el heavy metal y que, aunque en los últimos años ha intentado mantener su actividad, ahora es un solo un recuerdo.

El Marquee fue inaugurado el 19 de abril de 1958 en el 165 de Oxford Street de Londres, y casi desde el primer momento se convirtió en un lugar de referencia para el jazz, el skiffle y el rhythm & blues dentro de la capital londinense. Dentro de esta primera etapa del club el momento más recordado es debut sobre un escenario de unos desconocidos y seminales The Rolling Stones un 12 de julio de 1962 (con Jagger, Richards y Ian Stewart, Dick Taylor y Mick Avory en sus filas), aunque no se puede olvidar que The Yardbirds o The Animals también pasaron por sus tablas para empezar a crear su legenda.

El 13 de marzo de 1964 fue reubicado en el número 90 de la calle Wardour, donde a lo largo de 25 años fue en el lugar más importante y de referencia dentro de la escena británica y donde vivió sus momentos de máximo esplendor. En los años 60, entre otros, fueron asiduos a su escenario Cream, Jethro Tull, Pink Floyd, The Who, David Bowie, Yes o The Jimi Hendrix Experience, aunque también sirvió de estreno para muchos grupos que empezaban y que los domingos tenían la ocasión de tocar como espontáneos en el mismo lugar que sus ídolos.

Los 70 vieron pasar por allí a Led Zeppelin, King Crimson, Genesis o Queen, además del retorno de unos ya mundialmente conocidos Rolling Stones que el 26 de marzo de 1971 grabaron un especial para la televisión. Con la irrupción del punk, post punk y rock gótico el club se llenó de crestas de colores y sus puertas se abrieron a Sex Pistols, The Clash, Siouxsie & The Banshees, The Damned, Generation X o The Cure, e inmediatamente con la new wave lo hicieron para Joy División, The Stranglers, Pretenders, The Police, Dire Straits, Ultravox, Rory Gallagher, The Jam... Sin olvidar los conciertos sorpresas qe artistas ya consagrados daban sin avisar y por amor al arte...

Otros que encontraron su espacio en el Marquee en los 80 fueron los representantes de la new wave of British heavy metal y el revival del rock progresivo con gente como Saxon, Motörhead, Diamonh Head o Iron Maiden dentro de los primeros y Marillion, Pendragon o Cardiacs entre los segundos... Y así habrían seguido si en 1988 el edificio no hubiese sido vendido y derruido para levantar en su lugar un restaurante cubano y perpetrar una de las grandes atrocidades que aun hoy recuerdan los aficionados musicales en el Reino Unido.

La nueva sede se abrió en el 105 de Charing Cross con la misma filosofía que los anteriores, pero este cambio de recinto hizo que la gente dejase de identificarlo con el mítico local cuyo escenario habían pisado las grandes leyendas del rock. Todavía viviría una última y breve edad dorada gracias al synth pop o tecno pop y a la presencia en la sala de gente como New Order o Depeche Mode, pero sólo seria el canto del cisne ya que, apenas dos años después, cambiaria de local en la misma calle y el 1996 cerraría de forma casi definitiva...

Dave Stewart (Eurythmic) compro el nombre y reabrió el Marquee en 2001 en el barrio de Islington, pero por problemas de financiación volvió a cerrarlo apenas dos años después. En su sede del 1 de Leicester Square abierta en 2004 apenas duró 18 meses, y el último intento de reflotarla estuvo abierto entre agosto de 2007 y febrero de 2008 en el 14 de Upper Saint Martins Lane en Convent Garden y apenas dio tiempo para que el público recibiera la noticia de su enésima reapertura.

Por suerte ese uso torticero del nombre no ha hecho más que incrementar el prestigio y grandeza del Marquee, el club de conciertos más famoso de la historia (con permiso del “Fillmore East” de Nueva York y el “Fillmore West” de San Francisco) y el gran templo musical del Reino Unido. Con eso está todo dicho...

lunes, 9 de marzo de 2009

No eran hombres, eran Devo

Aprovechando que Devo también se han apuntado a la moda de interpretar discos históricos en directo, creo que hoy toca hablar de ellos. La escueta noticia anuncia que el próximo 6 de mayo en el “Kentish Town Forum” de Londres Devo interpretará íntegramente su primer y para muchos su mejor LP. Se trata del “Q: Are we not men? A: We ae Devo!” álbum producido en 1978 por Brian Eno y que para muchos es la piedra angular sobre la que se sustentaría ese incipiente movimiento musical conocido como tecno.

Surgieron como banda en 1972 en la ciudad de Akron en Ohio donde Mark Mothersbaugh y Gerard Casale estudiaban en la escuela de arte de la Universidad de Kent. Al parecer el hecho que determino el origen de Devo se produjo el 4 de mayo de 1970 en esa universidad. Miembros de la Guardia Nacional dispararon de forma indiscriminada contra una multitud que protestaba contra la invasión de Camboya causando la muerte a cuatro estudiante y heridas de distinta consideración a otros nueve y que inspiraría a artistas como Neil Young para escribir la maravillosa “Ohio”. De este acontecimiento en el que perdió a dos conocidos, surgió la teoría de Casale de la de-evolución según la cual el hombre está evolucionando a la inversa como lo demuestra la disfunción de la sociedad estadounidense, y de la que surgiría el nombre de la nueva banda.

Todo empezó con la preparación de una broma por parte de Gerard Casele y Bob Lewis en la Universidad de Kent para la que crearon algunas piezas de arte en forma satírica. Luego conocieron a Mark Mothersbaugh que les enseñó un panfleto con la frase “Jocko homo heavenbound” y el dibujo de un diablo con alas con la palabra “D-Evolution”, que daría lugar a la canción "Jocko homo", y al que sin dudarlo invitaron a trabajar con ellos. No seria hasta 1973 cuando en el Festival de Arte de Kent se suben por primera vez a un escenario, y para la ocasión el trío se hace acompañar del hermano de Gerard (Bob Casale) y de dos amigos (Rod Reisman y Fred Weber), aunque durante esos primeros años, y en función de las actuaciones, fueron entrando y saliendo los ya mencionados y dos hermanos de Mark (Jim y Bob Mothersbaugh) y Alan Myers.

Sus conciertos eran auténticos espectáculos que, en alguna ocasión, fueron boicoteados por los propios promotores que les desenchufaban los equipos. Estaban llenos de canciones de temas tecnológicos, de ciencia ficción, humor surrealista y comentarios mordaces y satíricos sobre la sociedad, y todo ello envuelto con sintetizadores y unas vestimentas que dotaban todo el show de una tremenda teatralidad. Un ejemplo es lo que hacían llamar “cubículo de energía” que era un casco rojo inspirado en las pirámides mayas y que se convirtió en uno de sus signos más reconocibles.

A mediados de la década entran a grabar en el estudio Briarwood unas cuantas canciones más lentas y etéreas que el sonido habitual de la banda y, aunque eran muy artísticas, a Mark no le convencían y decidieron abandonar las sesiones a la mitad. En 1976 su corto “The truth about De-Evolution” ganó un premio en el festival de Ann Arbor, lo que hizo que Iggy Pop y David Bowie lo vieran y decidieran echarles una mano para conseguir una discográfica. Además un año después Neil Young les contrato para el papel de “basureros galácticos” de su película “Human highway” (permanece inédita) y como teloneros de su gira “Rush never sleeps” (a la que dicen que pusieron nombre), por lo que finalmente en 1978, y con producción de Brian Eno, la “Warner Bros” publico “Q: Are we not men? A: We are Devo!”, su primer LP.

En lo musical su estilo puede incluirse dentro del punk, art rock e incluso post-punk, aunque si son recordados por algo es por pertenencia a la new wave que surgió a finales de los 70 y principios de los 80. Ellos son los precursores en Estados Unidos (donde existía una importante resistencia al uso de sintetizadores) del synth-pop que, desde la irrupción de Kraftwerkn con su “Autobahn” en 1974, había ganado muchos adeptos en Europa y había conseguido que los sintetizadores fuesen aceptados como un instrumento más dentro de las bandas junto a las guitarras, el bajo o la batería. Lo que faltaba era mezclarlos con guitarras punk y crear canciones divertidas y estrafalarias que quitasen un poco de trascendencia a todo lo que sucedía a su alrededor.

Ahora, tras varios años de giras, darán un concierto interpretando íntegro ese primer LP. Llegados a este punto supongo que ya poco importa lo que se hizo y sólo se piensa en lo que se hará con el mínimo esfuerzo... Al fin y al cabo desde Lou Reed (Berlín) a Pink Floyd (Dark side of the moon) pasando por Morente + Lagartija Nick (Omega) o Van Morrison (Astral weeks) lo han hecho por lo que ellos tienen el mismo derecho de hacerlo que el público de valorar si nos parece bien o mal (personalmente he perdido la fe, por lo que cada vez sufro menos con los comportamientos mercantilistas de los artistas). Ellos son Devo, ¿acaso se les puede criticar algo?