sábado, 31 de enero de 2009

La segunda muerte del vinilo


Estoy realmente indignado, tanto que estoy planteándome muy seriamente dejar de comprar discos en grandes almacenes y rezar para que la industria, tal y como la conocemos, desaparezca. En mi opinión lo mejor seria que lo que hasta ahora ha venido funcionando debe ser exterminado y, empezando de cero y sobre sus cenizas, levantar un nuevo sistema que trate de forma digna a los artistas y compradores que crean que la música es algo más que un medio para enriquecerse y llenar los bolsillos.

El origen de este cabreo tiene su origen en una noticia que leí hace un par de días que decía que la venta de vinilos había descendido de 100.000 unidades en 2007 a sólo 40.000 el año siguiente, y que la causa (como siempre) eran las descargas ilegales y la piratería. No se si esa era una opinión del periodista o de la fuente que aportaba los datos, pero lo que denotan esas palabras es un desconocimiento absoluto del tema del que habla y que igual que trabaja en el sector de la música podría hacerlo, sin que se notase nada, vendiendo condones.

Alguien que a estas alturas compra un disco de vinilo es por que le interesa tener el objeto físico entre las manos, disfrutar de su portada, el encarte interior y luego el poder ver como cae la aguja y empieza a sonar la música... La descarga digital (ya sea legal o no) suele parecer a esa gente una mierda carente de interés y que no satisface en ninguna medida sus expectativas... Pero en cualquier caso lo fácil es echarle la culpa al consumidor sin analizar la autentica realidad que ha llevado a esa situación. Y creo que en este caso concreto está en que alguien ha pretendido que los que compramos música seamos los que carguemos con el resultado de la ineptitud de años por parte de las discográficas, distribuidores y muchos de los vendedores.

En el año 2006 el mercado del vinilo era casi nulo y, a excepción de las discográficas independientes y las tiendas que los vendían de importación y que trabajan el mercado de segunda mano, era imposible encontrarlos. Los precios eran asumibles yendo de los 12 a los 18 euros en función del sitio de compra y la disquera de turno, pero eso y la reedición de clásicos hizo que se alcanzara una cifra record inimaginable unos años antes... Pero entonces, ¿que ha sucedido para ese descenso de ventas? Alguien (no sé si las tiendas o las discográficas) ha pensado que este soporte, que hace unos años decidieron asesinar, ahora podía ser la solución a parte de los problemas de la industria ya que los compradores eran unos frikis y pagarían lo que fuese por un disco.

Lo que sucede es que, crisis al margen, no somos tontos y si en un año los precios suben de golpe a 21 euros los más baratos y 30 los más caros, es lógico que hasta el coleccionista más fanático deje comprar. Con esta política lo que van a conseguir es matar por segunda vez en este país el vinilo y, llegados a este punto, yo festejaré el día que su negocio se hunda y se vayan todos al paro. Si son unos golfos y unos sinvergüenzas, que en lugar de cuidar a los pocos que aún nos acercamos a las tiendas a comprar discos pretenden que seamos los que paguemos sus errores, por mi parte se pueden ir al mismo sitio al que pretenden mandar otra vez al vinilo.

jueves, 29 de enero de 2009

Esos locos bajitos (Joan Manuel Serrat)


A menudo los hijos se nos parecen,
y así nos dan la primera satisfacción;
ésos que se menean con nuestros gestos,
echando mano a cuanto hay a su alrededor.

Esos locos bajitos que se incorporan
con los ojos abiertos de par en par,
sin respeto al horario ni a las costumbres
y a los que, por su bien, (dicen) que hay que domesticar.

Niño,
deja ya de joder con la pelota.
Niño,
que eso no se dice,
que eso no se hace,
que eso no se toca.

Cargan con nuestros dioses y nuestro idioma,
con nuestros rencores y nuestro porvenir.
Por eso nos parece que son de goma
y que les bastan nuestros cuentos
para dormir.

Nos empeñamos en dirigir sus vidas
sin saber el oficio y sin vocación.
Les vamos trasmitiendo nuestras frustraciones
con la leche templada
y en cada canción.

Niño,
deja ya de joder con la pelota.
Niño,
que eso no se dice,
que eso no se hace,
que eso no se toca

Nada ni nadie puede impedir que sufran,
que las agujas avancen en el reloj,
que decidan por ellos, que se equivoquen,
que crezcan y que un día
nos digan adiós.

(Extraída del álbum "En tránsito" / ARIOLA - 1981)

miércoles, 28 de enero de 2009

El gran regalo de Muchachito Bombo Infierno

Hay artistas que se merecen la pasión que despiertan entre sus seguidores. No sabría decir cuales son las características que tienen que tener, pero curiosamente todos ellos acaban teniendo una relación muy especial con sus fans y consiguen que estos se impliquen en el proyecto comprando los discos, haciendo del boca-oreja la mejor forma de promoción y sobre todo llenado sus conciertos que se acaban convirtiendo en auténticas fiestas. Pero el compromiso no es unidireccional ya que el artista a su vez suele cuidar a los que le sigue siendo accesible después de la actuación, manteniendo contacto con ellos a través de la red o haciéndoles regalos de vez en cuando que premien su fidelidad y como aperitivo mientras preparan nuevo material...

Desde hace unos días, uno de esos grupos está regalando desde su blog un DVD con imágenes de los conciertos que dieron en Barcelona para cerrar la gira de presentación de su último disco. Se trata de Muchachito Bombo Infierno y, lo que otros artistas hubiesen incluido en una segunda edición del disco para relanzar sus ventas en lo que sacan nuevo material, ellos lo han colgado gratuitamente en la red para que cualquiera pueda disfrutarlo en casa sin tener para ello que pasar por caja otra vez.

El grupo está formado por Muchachito (Jairo Perera que canta y toca la guitarra y bombo), Tito Carlos (teclados), Josué "El Ciclón" García y Alberto Pérez Jordana (trompeta), Hector Bellino (batería), El Lere (contrabajo), Martín "Luxurius" y David Carrasco "El Niño" (saxo), Oscar Bass (trombón) y el músico de los pinceles Santos De Veracruz (pintor que crea un cuadro en el escenario durante el concierto), debutaron en la “Sala Apolo” de Barcelona en 2004. Ese concierto les abrió la puerta de una discográfica y al año siguiente grababan “Vamos que nos vamos”, con el que empezaron a girar por toda España.

Enseguida entablaron amistad con Kiko Veneno (al que consideran su maestro) y junto a él y dos Delinqüentes y Tomasito formaron el grupo G-5 con el que grabaron en Jerez Tucaratupapi. En 2007 publicaron “Visto lo visto” y, entre mayo de ese año y diciembre de 2008, han estado presentándolo en directo con gran éxito de publico y con el reconocimiento de la prensa especializada. Ya han avisado que se van a tomar un descanso antes de empezar a preparar su nuevo disco pero, para que sus seguidores tengan algo con la que sobrellevar la espera, regalan ese DVD con una gran calidad de imagen y sonido y una bonita presentación (tiene incluso menú para seleccionar las canciones).

Creo que no se pueden despreciar estas iniciativas que demuestran que los artistas no están tan atados por las discográficas como ellos dicen. Es difícil creer que, si Muchachito regala en la red un concierto, Iván Ferreiro hace lo propio con su último disco o “Efe Eme” cuelga en su web bootlegs de nombres importantes en este país (Calamaro, Amaral, Loquillo, Rot...), aquellos que además son superventas no controlen lo que hace con su obra y no puedan hacer nada para que se chulee a sus fans con ediciones especiales que apenas aportan nada. Por eso admiro y respeto a toda esta gente, por que el dinero no es todavía lo único que guía su carrera.

martes, 27 de enero de 2009

Cuando el pirata es el artista...

Plagiar (Del latín plagiare):
1 - tr. Copiar en lo sustancial obras ajenas, dándolas como propias.
2 - tr. Entre los antiguos romanos, comprar a un hombre libre sabiendo que lo era y retenerlo en servidumbre.
3 - tr. Entre los antiguos romanos, utilizar un siervo ajeno como si fuera propio.
4 - tr. Am. Secuestrar a alguien para obtener rescate por su libertad.

(Fuente: Diccionario de la RAE edición digital)

En los últimos tiempos raro es el mes que la palabra plagio no aparece en la prensa bajo la imagen de algún creador. A Woody Allen le acusan de haber usado el libro del fotógrafo y escritor Alexis de Villar titulado “Goodbye Barcelona” para el guión de su pelíca “Vicky Cristina Barcelona”, dentro del mundo de la moda “Armani” dice que “Dolce & Gabbana” le ha copiado el diseño de unos pantalones, al escritor peruano Bryce Echenique le han condenado a pagar 40.000 euros por usar para sus artículos textos ya publicados en prensa de 15 autores distintos... Y, si hablamos de música, Bunbury en España no ha acreditado unos versos de Casariego en su último álbum y a nivel internacional Colplay al parecer ha usado una melodía de Joe Satriani para su tema “Viva la vida”.

Hoy, con publicación de “Working on a Dream”, el nuevo trabajo de Bruce Springsteen, ya podemos comprobar de primara mano cuanto hay de plagio en la canción que abre el disco “Outlaw Pete”. Hace unos días Adrián Vogel en la sección que tiene cada semana en www.efeeme.com se hacia eco de una noticia aparecida en varias páginas de fans de Bruce en la que se decía que el parecido del tema con “I was made for loving you” de Kiss era más que sospechoso. Yo personalmente creo que, efectivamente, el parecido entre ambas canciones es muy grande pero, como para opiniones están los colores, el que quiera comprobarlo que busque en YouTube el video bajo el nombre “Springsteen's outlaw pete and Kiss” (en el que mezcla ambas) y que juzgue por si mimo...

Pero que queréis que os diga, en este tema creo que voy a ser benévolo con el músico (o los músicos en general). El caso de Bunbury es distinto (ya deje clara mi opinión en la entrada del 24 de septiembre de 2008) por que hablamos de letras, pero en el de Coldplay y de Bruce, cuando es una melodía lo que se plagia, tiendo a confiar en el artista cuando dice que no existe mala fe. No me imagino a Chris Martin escuchando el "If I could fly" (del disco de 2004 de Joe Satriani “Is there love in space”) y diciendo “voy a pillar estos fragmentos y ya tengo acabada “Viva la vida”, o al Sr Springsteen pensando que para abrir su nuevo trabajo la mejor decisión era cambiar el ritmo y la letra del tema de Kiss (que además tuvo cierto éxito) y que como él es el Boss no pasaría nada.

En mi opinión en estos casos (y en muchos otros, ya que desde George Harrison a Michael Jackson pasando por Rod Stewart, Red Hot Chili Peppers, Beach Boys, o en España Hombres G, Mikel Erentxun, Alejandro Sanz o Amaral... han tenido que agachar la cabeza en alguna ocasión) es el subconsciente el que traiciona al compositor. Supongo que la melodía la tienen almacenada en el disco duro del cerebro y en un momento determinado (al levantarse de la cama o cuando se ponen delante del piano o con la guitarra) reaparece y creen que se les ha ocurrido a ellos. Lo curioso es que además esa canción luego pasa el filtro de los músicos, el productor, la gente de las disqueras... y nadie se da cuenta de que más que un tema original se trata de una versión de otro más antiguo con otra letra. Ya he dicho que con esto no soy excesivamente crítico y tiendo a pensar bien, aunque los músicos, una vez demostrado su error, deberían acreditar la autoría en las siguientes reediciones del disco ya que si no lo hace (que casi nadie lo hace) mi buena fe desaparece y empiezo a creer que el pirata es el artista.

domingo, 25 de enero de 2009

Largo, 5 - Mayo - 1979 (The New Barbarians)

Si bien este concierto durante muchos años circuló como un bootleg, desde que en 2006 Ron Wood decidió editarlo con su discográfica “Wooden Records” con el nombre de “Buried alive”, y aunque en España no está publicado, ahora se puede comprar legalmente y resulta sencillo comprarlo por internet. En cualquier caso he decidido incluirlo en esta sección por cuestiones sentimentales, por que durante casi 30 años su condición ha sido la de “disco pirata” (si fuera de Dylan aparecería dentro de las “bootleg series”) y por que el sonido es impecable y apenas se nota la diferencia con la versión oficial.

En 1979 los Stones no tenían previsto salir de gira así que, con tiempo libre por delante, Wood decidió publicar su cuarto disco “Gimme some neck” y dar unos conciertos para promocionarlo. Antes de incorporarse a los Stones sustituyendo a Mick Taylor había formado parte del Jeff Beck Group y de The Faces (junto a Rod Stewart), por lo que no era un desconocido dentro del panorama musical de la época y su gira fue bastante comentada en la prensa especializada. Tras el nombre “The New Barbarians” reunió a su amigo y compañero Keith Richards a la guitarra, Stanley Clarke con el bajo, Ian McLagan tras los teclados, Ziggy Modeliste en la batería y Bobby Keys al saxofón y, dos días después de que su disco estuviese en el mercado, abrieron fuego cerca Toronto.

La elección del lugar de inicio vino determinado por una deuda de Richards con las autoridades de la capital canadiense. El año anterior había sido detenido con drogas y se comprometió a dar un concierto benéfico, así que el 22 de abril de 1979 se subieron por primera vez juntos a un escenario. Aquella primera noche, al acabar la actuación de los Barbarians, los dos Stones se quedaron solos sobre las tablas y entonces apareció Mick Jagger con el que interpretaron “Prodigal song”. Todos pensaron que se trataba de un último bis, pero al acabar Charlie Watts y Bill Wyman se sumaron a los tres y todos juntos dieron un concierto con el lógico júbilo de todo el publico presente.

Esta aparición sorpresa hizo que durante el resto de la gira los asistentes reclamaran la presencia de la banda y que al no hacerlo se produjera algún altercado en los recintos en los que celebraban las actuaciones. En total fueron 20 las fechas entre Canadá, Estados Unidos y el Reino Unido, despidiéndose en el festival de Knebworth teloneando a Led Zeppelin en el último concierto que dio la mítica banda. La base del repertorio eran los temas de Wood, pero también incluyeron algunos de los Stones (en los que Richards ejercía de cantante), clásicos del rock and roll y una versión del “Seven days” de Bob Dylan.

Ellos tampoco volvieron a subirse juntos a un escenario, lo que ayudo a que durante muchos años la grabación del concierto de Largo haya sido una joya muy buscada y cotizada por los fans. De entre todos los bootlegs que he comentado este es el único (con otra portada pero el mismo contenido) que también circula de forma legal, así que recomendaría al que no tenga esta grabación que busque en la red y se haga con una copia. Seguro que no se arrepentirá.

Título del bootleg: Buried alive
Lugar y fecha: “Capital Center Arena”, Largo (Maryland), 5 – Mayo – 1979
Listado de canciones:
CD – 1
01 – Sweet little rock’n’roller
02 – Buried alive
03 – F.U.C. Her
04 – Mystifies me
05 – Infekshun
06 – Rock me baby
07 – Sure the one you need
08 – Lost and lonely
09 – Love in vain
10 – Breathe on me
CD – 2
01 – Let's go steady
02 – Apartment Nº 9
03 – Honky tonk women
04 – Worried life blues
05 – I can feel the fire
06 – Come to realise
07 – Am I grooving you?
08 – Seven days
09 – Before they make me run
10 – Jumpin’ jack flash

sábado, 24 de enero de 2009

El Duque Blanco vuelve a Berlín

Han sido necesarios más de 30 años para que David Bowie regresase a Berlín para grabar un disco. La informacion aparece en su web a través de un escueto comunicado del artista en el que dice “¡Saludos desde un Berlín nevado! Estoy trabajando con nuevo material”, por lo que poco más es lo que se puede contar, ya que ni se ha filtrado el nombre del productor, ni los músicos que le acompañan, ni la clase de material que está grabando.

La noticia es doble. Por un lado, si se confirma que hay nuevo disco, será el primero desde que en 2003 publicase “Reality” y tuviese que cancelar la gira de presentación a causa de problemas cardiacos (yo fui una de las victimas ya que tenia entradas para verle en Santiago de Compostela, donde era cabeza de cartel en un concierto del Xacobeo, y le tuvieron que sustituir), por otro volverá a grabar en Berlín donde creó las que probablemente sean sus tres últimas obras maestras.

A pesar de haber grabado el fantástico “Station to station” y de su consolidación en Estados Unidos gracias al éxito del single “Golden years”, 1976 no fue un buen año para Bowie. A la ruptura de su matrimonio con Angie había que añadir su fuerte adicción a la cocaína que estaban llevándole a una perdida de conexión con la realidad. Cuenta la leyenda al llegar a la Estación Victoria de Londres recibió desde el tren a los fans que le esperaban con el saluda nazi mientras gritaba que su país necesitaba un “nuevo dictador fascista”. La polémica que se generó fue tan grande que decidió abandonar las drogas y refugiarse en Berlín junto a su amigo Iggy Pop para trabajar juntos.

Los resultado de ese 1977 son simplemente espectaculares. En lo creativo parió “Low” y “Heroes” con la colaboración de Brian Eno cuya aportación, aunque no aparece como productor, se me antoja imprescindible para el nuevo giro en la carrera del Camaleón. Con frecuencia se le ha acusado de ser un hábil ejecutor de ideas ajenas, una especie de parásito que sabe ver hacia donde se dirigen las tendencias para así incorporar y hacer propios (aportándoles su genialidad) los postulados de las mismas. En Alemania descubre a Kraftwerk con lo decide experimentar con la música electrónica y el pop de vanguardia, logrando un resultado que dejó estupefactos a sus fans (sobre todo por los instrumentales de Eno) y fascinada a la prensa especializada.

Además, entre ambos discos, ayudo a relanzar la carrera de Iggy produciendo y co-escribiendo casi todos los temas de “The idiot” y “Lust for life” y acompañándole de gira como teclista. Hay que decir que la situación personal del de Detroit no era mucho mejor así que mientras comparten piso se desintoxican aunque a su vez se sumergen en la sórdida vida nocturna berlinesa de la que sacan inspiración sin recaer en sus adicciones. Ambos lograron sus objetivos, se recuperaron de sus problemas y produjeron dos álbumes cada uno que acabarían pasando a la historia como una de las colaboraciones más fructíferas que hayan existido entra dos artistas con proyectos separados.

La “trilogía de Berlín” se cerró en 1979 con “Lodger”, un disco en el que desaparece la aportación instrumental de Eno para adentrarse en las nuevas corrientes más pop que se vislumbraban para los 80. La trilogía, con ese sonido opaco y experimental, seria determinante en algunos de los nuevos movimientos musicales que se estaban generando en esos momentos como el rock gótico, la new wave, el post punk o el new romantic.

Bowie seguiría reinventándose a lo largo de años demostrando que el paso del tiempo no afecta a su talento ni a su capacidad para innovar, aunque en mi opinión no volvería a firmar una obra realmente redonda de esas que aparecen en las antologías de mejores de la historia del rock. Ahora ha vuelto a Berlín y espero y deseo que sea para, por fin tres décadas después, volver a entregarnos una obra maestra.

viernes, 23 de enero de 2009

Las canciones inexplicables de Nacho Vegas

Hoy Nacho Vegas inicia en Valladolid la gira de presentación de su último disco “El manifiesto desastre” y creo que es un buen momento para hablar un rato de este personal cantautor que, por lo que tengo comprobado, no admite el termino medio, o te gusta o te disgusta y, aunque en mi circulo son mayoría los que le adoran, también conozco a gente a la que escuchar su voz le provoca una carcajada. A pesar de que toda comparación es odiosa (y en este caso más) puedo decir, a los que nunca hayan escuchado nada suyo, que es una especie de Tom Waits, Nick Cave o incluso Nick Drake a la española. Sus letras entre lo onírico y lo introspectivo pueden llegar a doler, aunque al final parece que el regusto que dejan provoca un efecto balsámico que compensa tanta amargura...

Mi primer contacto con su música fue en su última gira con “Manta Ray” y, si bien no me gustaba lo que había escuchado de ellos, he de reconocer que esa tarde me fascinaron hasta tal punto y me pareció tan bueno su directo (a pesar de tocar en un macrofestival, a las 17:30 y en uno de los días en ,los que más calor primero y luego frío he pasado en mi vida) que al lunes siguiente fui a comprarme su primer disco (el aclamado “Manta Ray” y que no me acabó de convencer). Un tiempo después compré, por que era barato y me gustó la portada, su EP compartido con Aroah “Seis canciones desde el norte” sin relacionarle con el extraño cantante que a ratos de espaldas al público, a ratos con su melena tapándose la cara tanto me había impresionado un par de años atrás.

No recuerdo lo que me pareció, pero supongo que no me llamaría en exceso la atención ya que hasta las navidades de 2003 no volvió a cruzarse en mi camino, aunque esta vez ya sería para quedarse definitivamente. Fue en “Escridiscos” (cuando aún estaba en la Calle Postigo de San Martín de Madrid), en una de esas tardes en las que te apetece comprar un disco pero no logras encontrar nada que te llame la atención, donde, ojeando las novedades, me encontré con “Cajas de música difíciles de parar”. Me enamoré según lo vi por el título y la foto de portada, y sin dudarlo (aunque era bastante caro), lo compré y me volví rápidamente a casa a escucharlo. Ni que decir tiene el flechazo inicial se vio confirmado con la escucha y, a pesar de ser un disco difícil y doble, le di dos vueltas hasta quedar exhausto.

Desde entonces no le he perdido de vista en cada aventura que ha emprendido. Me hice al poco tiempo con “Actos inexplicables” que había publicado en 2001 y que, aunque creo que es mejor que “Cajas de música...”, no me causó el mismo impacto. Le he visto varias veces en directo tanto con “Las esferas invisibles”, como con Xel Pereda en acústico o en la gira con Christina Rosenvinge, me he empapado de sus discos y EP’s (tiene la buena costumbre usarlos para dar salida a temas inéditos que no tienen cabida en sus álbumes) y he intentado asimilar proyectos paralelos como “Lucas 15” (recuperando temas tradicionales asturianos) o “El tiempo de las cerezas” junto a Bunbury, pero también he sufrido algún desengaño cuando actuando cerca de donde vivo el concierto ha sido literalmente una mierda.

No entraré en el personaje, representante del malditismo forzado y llevado al extremo, pero no creo que sea un artista para recomendar. O lo descubres y te enamora o no tienes nada que hacer con él, y su música te parecerá odiosa. Un amigo tras escuchar varias canciones lo comparó con Paco Ibáñez por que todas le sonaban iguales. Puedo llegar a aceptar la comparación, aunque en el fondo me parece intranscendente ya que lo que aparentemente le hace distinto a todos los demás es su faceta de letrista. Ha conseguido hacer poesía de lo cotidiano y conmover al oyente a pesar de que, en muchas ocasiones, sus textos sean totalmente inexplicables. Para muchos ahí radica su grandeza.

jueves, 22 de enero de 2009

She's lost control (Joy Division)

Confusion in her eyes that says it all.
She's lost control,
and she's clinging to the nearest passer by,
she's lost control.
And she gave away the secrets of her past,
and said I've lost control again.
And a voice that told her when and where to act,
she said I've lost control again.

And she turned to me and took me by the hand and said,
I've lost control again.
And how I'll never know just why or understand,
she said I've lost control again
And she screamed out kicking on her side and said,
I've lost control again.
And seized up on the floor, I thought she'd die.

She said I've lost control.
She's lost control again.
She's lost control.
She's lost control again.
She's lost control.

Well I had to 'phone her friend to state my case,
and say she's lost control again.
And she showed up all the errors and mistakes,
and said I've lost control again.
But she expressed herself in many different ways,
until she lost control again.
And walked upon the edge of no escape,
and laughed I've lost control.

She's lost control again.
She's lost control.
She's lost control again.
She's lost control.

(Extraída del álbum "Unknown pleasures" / FACTORY - 1979)

miércoles, 21 de enero de 2009

El timo de las rebajas

Hoy no quiero enrollarme mucho así que iré al grano. Nos encontramos metidos de lleno en las rebajas de enero y, si bien en otros productos parece que realmente existen ofertas, en la música podemos decir que cada año que pasa estas brillan cada vez más por su ausencia. Algunos recordareis como, cuando llegaban estas fechas, los grandes almacenes se llenaban en la sección de música de carteles anunciando el 20% de descuento en todos los discos. Yo solía ahorrar para llevarme un poco más barato de lo habitual el mayor número posible de discos y, aunque me dejaba una pasta en las rebajas, lo hacia de buen grado sabiendo que llevaba cosas que me interesaban y apetecían realmente.

Con el tiempo ese descuento universal se transformó en un tres por dos o una reducción de precio progresiva (un disco el 10%, dos el 15 y tres o más el 20) y, aunque no era lo mismo, si tenias intención de llevarte varias cosas te acababa compensando... Pero todo eso ha pasado a mejor vida. Me he acercado varias veces a la sección de música de la gran superficie por excelencia en este país y, si en otros departamentos ves por todas partes los carteles de ofertas, al llegar a ella desaparecen completamente y lo único que te encuentras rebajado son las mismas estanterías que a lo largo del año te ofrece discos a 8 euros.

Lo que puedes encontrar en ellas son CD’s que en su mayoría pertenece a la serie media (aquellos que al cabo de un tiempo, cuando las discográficas consideran que les han sacado toda la rentabilidad, les bajan de precio como reclamo a gente que no está dispuesta a pagar 18 euros y si un poco menos), los superventas de la temporada que ya tienen una segunda edición con extras (y por los que no puedes pedir lo mismo) y discos de los que tienen un gran stock y a los que quieren dar salida rapidamente. Con este criterio a veces se dan paradojas como la que he visto hoy (y que me ha impulsado a escribir sobre este tema) en la que lo ultimo de Amaral en su edición normal lo vendían a 16 euros (y de la que había 4 ó 5 ejemplares) y la de lujo (con un libro y de la que tenían muchísimas copias) sólo por 9.

La conclusión que saco de todo esto es que le están haciendo un flaco favor al negocio musical ya que si estamos en crisis y mantienes los mismos precios que en la campaña de navidad, es por que les da lo mismo vender que no vender, y el posible comprador (que puede conseguirlo gratis en internet) al final destinará su dinero a otro tipo de productos realmente rebajados. Y si miro más a largo plazo lo que veo es que, tarde o temprano, la sección de discos se convertirá en algo residual que coloquen en un rinconcito por si a algún despistado le pueden colar su particular timo de la estampita.

martes, 20 de enero de 2009

El regreso de Juan Perro

Parece ser que Juan Perro está de vuelta. De momento es poco lo que se sabe, pero parece que está confirmado que a finales de este mes iniciará una gira en la que, además de interpretar unas cuantas canciones clásicas de su repertorio, probará sus nuevos temas que verán la luz, seguramente, a lo largo del año. Al igual que hizo en el proyecto “Las malas lenguas” junto a su hermano Luis, dejará que las canciones cobren vida en directo antes de entrar en el estudio y, personalmente, me parece una sana costumbre que deberían poner en práctica más artistas en este país.

Lo cierto es que desde la separación de Radio Futura en 1992 su producción ha sido más bien escasa ya que, incluyendo el directo del año pasado con una banda de jazz y firmado con su nombre, sólo ha publicado cinco discos, lo que se me antoja escaso material para saciar la sed de los que lo seguimos y admiramos desde hace 25 años. No se si habrá influido la poca repercusión mediática, pero es triste que en unos años en los que todo el mundo ha sacado tajada de lo latino, el gran estudioso e impulsor del movimiento (fundamentalmente del son cubano), no haya recogido el fruto que había sembrado.

Lo que no se le puede echar en cara es que haya estado parado. Tras las maravillosa gira de 1993 “Kivo Veneno y Juan Perro vienen dando el cante” (lo fue hasta el cartel firmado por Max) y de la que no pierdo la esperanza de ver en las tiendas algún día un disco o DVD, publicó “Raíces al viento” (1995). Dos años después apareció el infravalorado “La huella sonora” y en 2000 y 2002 respectivamente, “Mr. Hambre” y “Cantares de vela” que siguieron la misma suerte que sus predecesores. La verdad es que es una pena ya que todos ellos son trabajos muy arriesgados y valientes, cada uno en su estilo, en los que Santiago investiga por caminos no pisados por su banda madre pero que, de haberlos firmado junto a ellos, seguro que hubiesen sido aclamadas por la crítica y el público por su capacidad para evolucionar y no estancarse.

Además ha producido cinco álbumes recopilatorios de música tradicional cubana bajo el nombre “Semilla del son”, escrito y traducido libros, participado en discos de varios artistas y en algún homenaje, versionado en castellano clásicos del rock, colaborado en varias revistas... pero hasta este 2009 (7 años después) no han existido canciones nuevas que llevarnos a los oídos. La espera parece que ha llegado a su fin así que sólo nos queda asistir a uno de esos conciertos y, con el regusto que nos deje, rezar para que más pronto que tarde esos temas puedan estar sonando en el equipo de casa.

lunes, 19 de enero de 2009

Discoplay, la tienda virtual de una generación

En la entrada de ayer hacia referencia a Discoplay y, como me entró cierta nostalgia de la adolescencia y la compra de mis primeros discos, hoy he decidido dedicarles estas líneas. Ahora, con un mundo tan globalizado, resulta difícil entender la importante que supuso para toda una generación esta tienda virtual, pero a principio de los 80, cuando muchas ciudades de provincias y pueblos carecían de lugares donde comprar música, el BID (Boletín Informativo Discoplay) era la único medio para poder hacerlo. En sus páginas, además, descubrías las portadas de los discos de tus grupos favoritos, completabas la información sobre la discografía de tal o cual artista, te enterabas (no había información de los lanzamientos en la prensa y a provincias no llegaba prensa especializada) de la publicación de ese LP que tantas ganas tenias de escuchar...

También tenia encanto de acercarse a la oficina de correos, recoger el paquete y ya en casa el ritual de abrirlo, ver si venia todo lo que habías pedido, manosear los discos y luego ir poniéndolos uno a uno mientras leías las letras y los créditos del encarte interior. Luego estaba, cuando bajaba a Madrid, acercarse a una majestuosa Gran Vía para descender a Los Sótanos y emborracharse con los cientos de vinilos que llenaban los ojos de un chaval que se habría llevado todos a su casa. Recuerdo con amargura el día que me planté en sus puertas y me encontré con que estaba cerrado y, aunque la tienda que abrieron en Princesa (creo que donde está ahora la sala “Arena”) era más grande y digamos menos cutre, sentí por primera vez que los tiempos estaban cambiando.

Fundada en 1970 llegaron a tener 15 tiendas por toda España (e incluso abrieron una en Moscú), pero su principal negocio estaba en la venta por correo a través de su catálogo, y creo que les fue bien hasta la consolidación del CD y la aparición de grandes superficies comerciales en cada rincón del país. Desde entonces empezaron a incluir libros, camisetas (no musicales), películas, informática, figuritas... hasta reducir a sólo un 30% el espacio para los discos. Así en diciembre de 2007 decidieron, como habían hecho ya cientos de tiendas, cerrar el chiringuito con el siguiente comunicado:

“Estimado cliente:
Obligados por factores ajenos a nuestra actividad, que detallaremos más adelante, hemos suspendido el envío de nuestros Boletines informativos y cerrado, provisionalmente, la página WEB, inaugurada recientemente. Cuando la situación operativa de DISCOPLAY permita el restablecimiento de nuestra actividad, informaremos inmediatamente. Le deseamos, mientras tanto, pase Felices Fiestas y confiemos que el próximo 2008 nos sea propicio. Cordialmente:
Emilio Cañil

Yo hacia tiempo que había dejado de comprar con asiduidad, pero aun de vez en cuando compraba algo para seguir recibiendo el BID aunque sólo fuese por costumbre, ya que como he dicho en los últimos años la oferta musical era más bien escasa. Circula la noticia de que igual vuelven otra vez a reflotar la empresa, pero la verdad, ahora con ebay y la posibilidad de comprar en todo el mundo, veo difícil que vuelvan a encontrar su hueco. En cualquier caso hay varias generaciones de compradores de discos que nunca podrán agradecer lo suficiente a Discoplay todo lo que hicieron. Yo pertenezco a ese grupo y tengo muy claro que, ni seria quien soy ni estaría donde estoy si no llega a ser por ellos.

domingo, 18 de enero de 2009

Madrid, 18 – Mayo – 1985 (The Smiths)

Resulta curioso como la casualidad a veces se alía con uno para permitirle ser testigo de la un momento histórico. Eso me sucedió a mi un sábado18 de mayo de 1985 cuando, sin saber muy bien como, me encontré en pleno Paseo de Camoens mientras los Smiths daban el que a la postre seria su único concierto en la capital. No recuerdo que razones nos llevaron ese sábado a Madrid ya que, por edad, supongo que el viaje lo haría con la familia, pero una vez allí tengo bastante claro en la cabeza que estuve en Los Sótanos de la Gran Vía comprando discos (desde aquí mi recuerdo a Discoplay) y luego, no sé muy bien como y por que, acabe por los alrededores del concierto, escuchándolo desde muy lejos, antes de volver a casa de mis tíos que vivían (y viven) en Argüelles.

De esta actuación tengo dos bootlegs, uno de ellos la versión de audio titulada “Live in Madrid” de “The Swingin' Pig Records”, y el otro un DVD con la emisión en formato digital con motivo del 50 aniversario de TVE del programa de “La edad de oro” en el que lo emitieron. The Smiths aterrizaron es España, para dar tres conciertos, el 16 de mayo en Barcelona y, tras tocar en “Estudio 54” volaron a Madrid donde, con motivo de las fiestas de San Isidro, lo hicieron ante más de 200.000 personas. Ese baño de masas (hay que recordar que estábamos en plena explosión de la movida y que era gratuito) debió tocar algo en la cabeza de Morrisey ya que, a última hora y por unos presuntos problemas técnicos, decidieron no actuar en San Sebastián y despedirse para siempre de nuestro país.

En el CD el audio está un poco acelerado en algunos temas (a lo mejor para que entrasen las 18 canciones que interpretaron), pero en el DVD se puede disfrutar en su integridad (aunque con una realización muy ochentera, claro) de lo que era un show del grupo. Morrisey se presentó sobre el escenario con camisa y sombrero rojo, y desplegó toda la teatralidad y talento que le convertirían, poco tiempo después, en un personaje de culto. El repertorio giró entorno a su recién publicado “Meat is murder” (del que interpretaron casi todos los temas), pero no se olvidaron de recuperar temas de sus primeros discos y presentar el single “Shakespeare's sister”.

Unos días después iniciaron su primera gira por Estados Unidos logrando un éxito mayor del esperado gracias, en parte, al videoclip “How soon is now ?” que grabaron ese verano para su emisión por la MTV. En cualquier caso su fama y repercusión mediática siempre fueron mayores que sus ventas ya que sólo este álbum logro el numero uno en ventas en el Reino Unido (el resto llegaron al dos) y su single más exitoso tuvo que conformarse con el octavo puesto. Pero, numeros al margen, lo que al final importa es lo que queda dentro del imaginario de la gente, y con toda justicia ahí ocupan un puesto muy alto, tan alto que seguro que todos los que aquel día estuvimos en el Parque del Oeste no lo olvidaremos nunca...

Título del bootleg: Live in Madrid
Lugar y fecha: Paseo de Camoens, Madrid, 18 – Mayo – 1985
Listado de canciones:
01 - William it was really nothing
02 - Nowhere fast
03 - I want the one I can't have
04 - What she said
05 - How soon is now ?
06 - Handsome devil
07 - That joke isn't funny anymore
08 - Shakespeare's sister
09 - Rusholme ruffians
10 - The headmaster ritual
11 - Hand in glove
12 - Still ill
13 - Meat is murder
14 - Heaven knows I'm miserable now
15 - Miserable lie
16 - Barbarism begins at home
17 - This charming man 18 - You've got everything now

sábado, 17 de enero de 2009

Glasvegas, la gran esperanza del indie británico

Hace un par de meses estaban predestinados a ser el mejor álbum del año 2008 para este humilde escribiente y, de no haberse cruzado la Faithfull en su camino a principios de diciembre, sin duda lo habrían sido. Últimamente tiendo a mirar más a lo que se hace al otro lado del charco que en la pérfida Albión pero, cuando hace un año vi que un grupo con el extraño nombre de Glasvegas se había colado su single “Daddy’s gone” como segundo tema del año (para el semanario NME) sin tener ningún disco en el mercado, decidí investigar quienes eran y que clase de música hacían.

La prensa británica es muy aficionada a repartir elogios desmesurados hacia cualquier banda que piensen que puede romper registros de ventas y popularidad antes de que lleguen a ningún sitio y luego a hundirlos en el fango en cuanto tienen el primer traspiés. El debut de los Arctic Monkeys ya era considerado como uno de los mejores de la historia cuando aún sólo estaba colgado en internet y no había aparecido en las tiendas, y luego se convirtió en el superéxito del año... Así que ante estas perspectivas me descargue esa canción y otra llamada “Go square go” que también encontré, y en menos de ocho minutos decidí que tenia que marcar de cerca de esos chicos.

Enseguida sacaron un nuevo single llamado “It's my own cheating heart that makes me cry” (que hizo crecer mi interés) y me enteré que habían fichado por “Columbia”, por lo que un disco entero sólo era cuestión de tiempo. El grupo se había formado en 2003 en el barrio más humilde y decadente de Glasgow por los primos los primos James y Rab Allan (guitarras y voz), Paul Donoghue (bajo), y Ryan Ross (batería). Cuanta la leyenda que James y Rab conocieron a Paul en una tienda de ropa regentada por Caroline McKay (que sustituyo a Ross cuando al poco tiempo dejó libres las baquetas), y que de ahí surgió una amistad que les llevó, primero a reunirse a escuchar música y luego a formar la banda.

En 2004 editaron su primer single (“I'm gonna get stabbed”) y durante dos años actuaron en todo tipo de locales puliendo su sonido y curtiéndose en el cara a cara con un público al que, con frecuencia, no le interesaba lo que hacían. En 2006 publican “Go square go” y al año siguiente “Daddy’s gone” que supuso su espaldarazo definitivo. Cuando en febrero de 2008 apareció “It's my own cheating heart that makes me cry” estaba claro que todo eso iba a verse plasmado en un larga duración, cosa que por fin sucedió en septiembre con una gran expectación en torno a el. Llegó directo al numero dos de las listas (sólo superados por Metallica), pero en ese momento ya estaban planeando su viaje a Transilvania (Rumania) para grabar un EP con seis canciones que vería la luz en diciembre.

En lo musical la única pega que les puedo poner es muro al estilo Phil Spector que recubre sus canciones, que creo que ganarían bastante si sonasen un poco más crudas. En cualquier caso creo que son de lo mejor que he escuchado últimamente y además los tíos, a pesar de su tremendo éxito, siguen manteniendo su estilo de vida en su barrio y con sus amigos de toda la vida. Tras su paso por el “Summercase” el pasado verano, pronto vendrán de gira y entonces podremos comprobar de primera mano (y con la prueba del algodón que supone el directo) sin son con razón la gran esperanza del indie británico o simplemente se quedan en su penúltima promesa.

viernes, 16 de enero de 2009

La niña rockera - IV

Fue hace un par de semanas cuando, por fin, la niña rockera me pidió que la pusiera el “Their satanic majesties request” de los Stones. Desde muy pequeñita la llamó la atención el gorro que lleva Mick Jagger en la foto de portada (capirote negro con una media luna dorada) y empezó a referirse a él como “el disco de la bruja”. Y a pesar de encantarla y cogerlo todos los días para verlo nunca había tenido la curiosidad de como sonaba hasta principios de año. Tengo que decir que no la gustó y enseguida se puso a juguetear con el periódico hasta que, a la tercera canción, se fue a su habitación en busca de algo que la entretuviera más. En cualquier caso sigue sentándose a ver su portada casi a diario y, cuando viene su primo de visita, lo primero que hace es pedirme que le enseñe la bruja, por lo que supongo que de momento no les ha puesto la cruz y más adelante tendrán otra oportunidad...

Pero hoy no pretendía hablar de la relación de la niña rockera con los Stones si no con las nuevas tecnologías. Cuando uno camina de forma irremediable hacia los 40 y se relaciona con gente de su generación, no es consciente de que los más jóvenes están viviendo en un mundo totalmente distinto al que nos toco vivir a nosotros. Cuando yo era niño el tocadiscos y el radiocasete era los únicos medios para escuchar música, pero es que eran los mismos que usaban mis padres por lo que vivíamos más o menos en el mismo plano y, si mi padre me contaba algo de su vida, yo al menos entendía por donde iban los tiros.

Ahora es distinto y mi niña, cuando crezca, me mirará como a un marciano cuando la diga que yo crecí con la tele en blanco y negro o sin mando a distancia, pero es que ya ahora, con apenas tres añitos, empieza a percibir que hay cosas que nos separan aunque no sepa muy bien cuales son. La última vez que subimos al rugby se vino con nosotros su primo, así que me tocó coger el coche de mi hermana que tiene montadas dos sillitas. Se trata de un modelo un poco antiguo (pero no tanto) y lleva instalado un radiocasete. Ella nunca había visto ninguno y la hizo gracia meter la cinta y ver que empezaba a sonar la música, pero no fue hasta que al cabo de dos canciones quiso volver a escuchar una y vio que no era tan fácil como creía, que no se dio cuenta de que había algo que se escapaba de su control.

El problema está en que la paciencia no es un valor en alza entre los niños y que, acostumbrados a que con apretar un botón es suficiente para volver a escuchar una canción, el concepto “rebobinar” se les escapa completamente. Empezaron a protestar y pedirme insistentemente que se la pusiera otra vez, pero lo peor llego cuando me pasé de frenada y lo que empezó a sonar fue el final del tema anterior. “Esta no es, esta no es, esta no es...” y así hasta que terminó y empezó la que ellos querían escuchar. La situación se repitió un par de veces más, y debieron darse cuenta que algo raro pasaba por que en el resto del viaje no volvieron a pedirme que repitiese ninguna canción.

El punto final de esta historia la puso ayer mismo cuando al subirse a nuestro coche, y mientras la ataba en su sillita, me dijo que la gustaba más este por que se podían repetir las canciones. Son pequeños pero no tontos y, al ritmo que avanza la tecnología, pronto seremos nosotros los que a sus ojos parezcamos idiotas cuando se pregunten como pudimos vivir sin... Y será peor cuando tratemos de convencerles que, a veces, así era mejor...

jueves, 15 de enero de 2009

Puertas abiertas (Nacha Pop)

Vas a cumplir un año más es un día especial
tus amigos y enemigos van a hacerte recordar.
Y respirar antes de hablar sin saber lo que decir
de un instante a un momento luego todo un porvenir.

Piénsate bien que vas a hacer,
una buena juerga o desaparecer,
es tu día de suerte.

Puertas abiertas a un año más,
una ventana en el tiempo.
Una ocasión, otra ilusión te esperan sólo a ti,
puertas abiertas a un año más,
puertas abiertas a algún lugar, para ti...

Sonríete, si el espejo has de romper
trozo a trozo tu sonrisa tienes ahora que esparcir.
Vas a encontrar algo que amar, no lo hagas esperar.
Regálale tu sed de ser feliz con él sin llegar a usar la red.

Piénsate bien que vas a hacer,
una buena juerga y desaparecer,
es tu día de suerte ...

Puertas abiertas a un año más,
una ventana en el tiempo.
Una ocasión, otra ilusión te esperan solo a ti,
puertas abiertas a un año más,

puertas abiertas a algún lugar, para ti...

(Extraída del álbum "El momento" / POLYDOR - 1987)

miércoles, 14 de enero de 2009

Viejas aventuras en Hi-Fi

Tengo un amigo que se ha metido en el mundillo este del Hi-Fi (High Fidelity o Alta Fidelidad) hace relativamente poco y no se como ha podido ocurrir pero algo ha cambiado en él. De un tiempo a esta parte en nuestras conversaciones se han colado los cables a precio de oro el metro, las cajas electrostáticas, los amplificadores carísimos, el filtro activo, la compatibilidad de componentes y asuntos relacionados con la alta fidelidad que, para ser sincero, yo no me creo. Así se lo he hecho saber a mi amigo y, si bien me da la razón de que en todo lo que rodea este tema hay mucha tontería, esta semana por fin ha estrenado su nuevo equipo.

Ni que decir tiene que, en el arduo proceso de selección de su aparato, ha buscado por todas partes hasta encontrar el que se ajustase a su presupuesto y necesidades. El aun no ha perdido la cabeza definitivamente, pero no tengo demasiado claro que lo haga algún día. De momento está encantado, pero ya empieza a decir que los graves se saturan y los agudos a veces no se oyen, y me empiezo a temer que pronto echará la culpa a algún componente de su equipo y volverá a la carga para mejorar lo que ya tiene.

En esto del hi-fi existe la creencia de que la calidad de un equipo está ligado directamente con el precio, cuando probablemente la mejora de sonido entre dos reproductores de CD uno caro y otro barato es tan inapreciable que no merece la pena un desembolso salvaje para escuchar música con una gran calidad. Estos principios están basados en las afirmaciones interesadas del sector comercial, por lo que su credibilidad debería ponerse, al menos, en cuarentena. La página www.matrixhifi.com se dedica a hacer pruebas a ciegas de equipos para ver las diferencias entre ambos sin saber cual es el bueno y cual el malo. Los resultados suelen de empate técnico, y eso que son ingenieros de sonido y seguro que saben del asunto más que cualquiera de nosotros.

Y ahí creo que está uno de los problemas ya que la gente en el fondo no sabe del tema y se informa en revistas especializadas en las que, a través de espacios subvencionados por las casas, hacen crecer el mito de que tal o cual equipo reproduce con mayor calidad un CD cuando creo que no es verdad. Es evidente que un buen aparato suena mejor que uno malo y que unos altavoces bien colocados hacen que percibas el estereo y sonidos que en otras circunstancias se pierden, pero llegado a un punto esa calidad de sonido no se mejora y todo lo demas son pajas mentales.

Lo que tal vez deberían tener más en cuenta estos "expertos en sonido CCC" son los sistemas de grabación que se están utilizando y lo que se conoce como la "guerra del loudness". De un tiempo a esta parte se ha venido subiendo el nivel medio de la música de los CD’s que se graban con el objetivo de que cuando suenen en la radio lo hagan a un volumen más alto (algo parecido a lo que sucede cuando empiezan los anuncios en la TV y se disparan los decibelios). Por eso los discos (sobre todo los destinados a las masas consumidoras de radioformulas) suenan cada vez peor y se saturan con frecuencia y, aunque suenan más fuerte, pierden cantidad de matices y en consecuencia, calidad.

Todo esto, compañero, son las viejas aventuras del hi-fi, las del mono y el estereo, las del vinilo y el CD, las del surround y el 5.1, las del mp3 y los itunes... y las que están por llegar... Y yo lo único que tengo claro es que, cuando bajo la aguja del plato, doy al play en mi DVD (es lo que tengo conectado al amplificador para escuchar los compactos) o me enchufo al ipod, el hecho de que el sonido no sea impecable no va a conseguir que no disfrute de mi audición.

martes, 13 de enero de 2009

Los archivos secretos de Neil Young

Dentro de mi santoral personal siempre he dicho que Dylan es dios pero, como no soy creyente, si en algún momento me tengo que decantar por un artista, me quedo con alguien más terrenal como Neil Young. Dicho así el que no le conozca puede pensar que nos encontramos ante un músico de segunda fila, cuando en realidad estamos hablando posiblemente de una de las carreras más sólidas y prolíficas de toda la historia del rock. Con más de 60 discos grabados apenas a cinco o seis se les puede considerar malos y más de la mitad está en el arco que va del bueno o excelente a la obra maestra (de las que puede haber firmado fácilmente más de una docena), con lo que uno se puede hacer fácilmente a la idea de la clase de artista ante el que nos encontramos

Desde hace bastantes años se viene hablando del proyecto de Young de reunir toda su obra no publicada en una serie de cajas antológicas agrupadas por décadas y en las que pueda incluir todo lo que se quedó fuera de sus discos, como conciertos, colaboraciones, inéditos y todo tipo de material perdido. Y si hemos hablado que su obra oficial es ingente, la que no lo es (y que hasta ahora ha circulado como bootlegs) es aún más impresionante y contiene gran cantidad de joyas que inexplicablemente no han visto la luz. Y si Dylan decidió hace años dar salida a este material oculto a través de las “Bootleg series” con cuenta gotas y sin un criterio demasiado claro, el canadiense ha decidido hacerlo de forma ordenada y ofreciendo el mayor número de contenidos posibles.

Han pasado muchos años desde que escuché la noticia de que en breve aparecerían los archivos secretos de Neil Young, y han sido tantas las veces que el proyecto se ha retrasado que ahora, que ya podemos ver físicamente como va a ser, que digan que de primavera trasladan a verano la salida de la primera de las cajas como que no me importa demasiado. Se sabe que van a ser en torno a 10 discos en formato CD, DVD o Blue-Ray, que incluirán cerca de 140 canciones y los contenidos tendrán una duración superior a las 20 horas. Además este primer volumen solo cubre el periodo que va entre 1963 y 1972 con lo que, al menos, deberían aparecer otras cuatro cajas más para cerrar el círculo y supondría, sin lugar a dudas, la mayor labor de arqueología musical que nunca se ha realizado de un artista.

Me encantaría poder incluir los contenidos de estos archivos, pero de momento tendré que conformarme con suposiciones en función del material pirata que yo tengo (cerca de 175 CD’s) y lo que se sabe que existe por ahí...

  • Así seguro que aparecen los temas que grabó con los Squires (su primera banda en Canadá) y algún concierto de los que dio con ellos.
  • Se sabe que descartó un par de álbumes para publicar otros y, aunque algunas canciones de estos han ido apareciendo a lo largo de los años, aun permanecen bastantes inéditas.
  • Existe una sesión de grabación en los “Quad studios” de Nashville de 1968 con 17 temas (todos inéditos y nunca interpretados en directo) del que apareció el master hace varios años y que creo que no se ha publicado en ningún formato.
  • De la etapa con Buffalo Springfield apareció bastante material raro en la caja de 4CD’s de 2001, pero en esta no hay conciertos y faltan canciones que se sabe que escribió Young en esa época y que nunca se han editado.
  • Además aparecerán imágenes de muchas de sus apariciones en TV durante esos años y espero que también de algún concierto con Crazy Horse.
  • Seguro que se incluye la película “Journey throught the past” que dirigió y compuso la banda sonora.
  • Deberían también publicar algunas maquetas y más material de estudio (jams, ensayos, tomas alternativas, algún tema más en directo de la gira que hicieron en 1970) que recuerden y recuperen a los primigenios Crazy Horse.

Simplemente son suposiciones mías, pero seguro que no me alejo demasiado de lo que incluirá esta caja. El único problema es el precio que se anuncia y que oscilará entre los doscientos y pico de la versión en CD (incluye además un libro y algo de memorabilia en una caja con una presentación impresionante) a los más cuatrocientos de la edición en Blue-Ray que será las más completa y preemitirá a través de la red actualizar los contenidos e incluir más material inédito. Una pasta para tiempos de crisis, y más si además en marzo aparecerán la película (”Deja vu” ) en venta directa en DVD y al menos un disco nuevo llamado “Fork in the road” (y a lo mejor otro descartado en 2001 y llamado “Toast”), y por supuesto los archivos que han sido retrasados ante la permanente promiscuidad creativa de Young que le ha llevado a publicar más de disco y medio al año a lo largo de su vida creativa.

Que nadie dude que es el más grande y para muestra un botón... Seguro que me lleva mucho tiempo asimilar lo que se nos viene con tantísimas horas de música, pero no tengo ninguna duda de que no me va a defraudar y, aunque me acabe gastando un dinero que no tengo (pero que tendré cuando llegue el momento), estoy seguro a priori que será una de las compras que más feliz me hará y me reportará sensaciones y emociones que a estas alturas de la película poquísimos artistas son capaces de transmitirme.

He pasado años esperando este momento, y ahora que parece que por fin ha llegado, me siento como la oveja que ha estado toda la vida oyendo “que viene el lobo, que viene el lobo...” y no acaba de creérselo hasta que lo tiene encima y no hay capacidad para reaccionar. Ya me emocionaré cuando definitivamente lo vea en las tiendas, así que hasta que ese día llegue solo me queda sentarme en el sofá y, en cuanto acabe con estas líneas, ponerme el DVD de “Weld” y disfrutar de nuevo con el más grande que hubo, hay y habrá...


lunes, 12 de enero de 2009

Motown cumple los 50

Hablar de Motown Records es hacerlo de una de las más grandes historias de la música popular. Hoy se cumplen 50 años de su fundación y, si bien es imposible resumir en unas líneas lo ocurrido a lo largo de ese tiempo, al menos trataré de rendir mi particular homenaje contando alguna cosilla sobre su origen y primeros años. Durante años Detroit había sido, junto con Chicago, el punto de llegada de muchos jornaleros negros que huían del sur racista y buscaban trabajo en la fábricas de coches. Los más afortunados acababan ganándose la vida con el boxeo y otros deportes (más adelante), y como no, como cantantes de algunas de las distintas compañías independientes negras.

La familia de Berry Gordy Jr procedía de Georgia (aunque el ya nació allí), y empezó ganándose la vida como soldado en Corea, en la cadena de montaje de Ford o como aspirante a boxeador, hasta que a mediados de los 50 comenzó a escribir canciones para artistas locales. Pronto se dio cuenta que la clave para ganar dinero estaba en controlar todo el proceso, desde la creación a la distribución pasando por todos los puntos intermedios, así que se compro una casa donde instalaría las oficinas y un poquito más tarde los estudios “Hitsville U.S.A”., que se convertirían en unos de los más famosos de la historia.

Usando un acrónimo de “Motor Town” (Detroit) surgió el nombre del sello, pero no fue lo único relacionado con la industria del automóvil que inspiró a Gordy a la hora de poner en marcha su discográfica. Decidió usar las pautas aprendidas en la fábrica de coches, así que encomendó a cada persona una tarea diferente. Tenia a un equipo escribiendo canciones, otro grabándolas, otro seleccionando los artistas que cantarían sobre las pistas grabadas... y así todo el proceso necesario para poner un disco en las tiendas. Cuando alguien había pasado por todos los miembros de esa cadena estaba preparada para alcanzar el estrellato.

Pero es que además gracias a esto logró lo más importante de todo, un sello de marca de la casa, nada más ni nada menos que el “sonido motown”. Gordy se rodeo de un fantástico equipo de productores, compositores y músicos, y estos consiguieron de un estilo muy particular a sus grabaciones que las haría inconfundible. El mismo grupo de músicos era el que grababa siempre (incluso acompañaban de gira a los artistas más representativos) de la mano del mismo productor, y una ver editado buscaban las voces que mejor se ajustara a la música grabada, por lo que esa uniformidad de estilo lograron mantenerla durante muchísimos años.

El numero de artistas que grabaron para él es tan extensa, tan lleno de grandes nombres y de tantos éxitos en ventas, que resulta prácticamente imposible de abarcar... A partir de su primer numero uno en 1960 con “Shop around” de The Miracles se sucedieron cientos de ellos y, para conmemorar este aniversario tan redondo, se ha publicado una caja (mas bien la réplica de la primera sede que tuvo la compañía) de diez CD’s con todos los temas que colocó el sello en lo más alto de las listas de ventas y que es una autentica joya que deberia estar en todas las casas. Ellos fueron los auténticos héroes del soul, la generación más hambrienta, ambiciosa y llena de talento que ha tenido la comunidad afroamericana en su historia, y que desde un pequeño estudio de Detroit fueron capaces de conquistar el mundo.

domingo, 11 de enero de 2009

Estocolmo, 20 – Septiembre – 1968 (Led Zeppelin)

Mañana se cumplen los 40 años de la publicación del primer disco de Led zeppelín, y es una ocasión inmejorable para hablar de ellos. Hay que decir que en ese momento el negocio no era lo que es ahora y no resultaba extraño que con solo cinco meses de vida un grupo pudiera publicar un álbum. Tras la separación en 1968 de The Yardbirds, su último guitarrista, Jimmy Page, se puso a buscar músicos para formar una banda. Poco a poco de se fueron incorporando Robert Plant (voz), John Bonham (batería) y John Paul Jones (bajo) y tras unos pocos ensayos, en los que se cuenta que ya surgió la química entre los cuatro miembros, se lanzaron a una gira por Escandinavia que Jimmy tenia comprometida. Lo hicieron bajo el nombre de The New Yardbirds y a uno de estos conciertos pertenece el bootleg de esta semana.

Para empezar hay que decir que hay cierta discusión sobre la fecha de estas primeras cuatro canciones (el resto son de varias fechas de 1969). La información del disco dice que se grabó en el “Konserthuset” de Estocolmo el 14 de marzo de 1969, pero especialistas en la banda (entre los que no me encuentro) sostienen que pertenecen al que se celebro en su primera gira en el “Tivoli Gardens” de la misma ciudad el 20 de septiembre de 1968. El argumento que utilizan es el repertorio y un hecho que se puede escuchar en la grabación y, como a mi me convence la explicación, la fecha uso es la de 1968. El concierto no está completo, pero el sonido es directo de la mesa de mezclas, es decir, perfecto

La duración de los shows era de unos 35 minutos y el set list se componía de cinco temas: “Train kept a rollin'”, “I can't quit you baby”, “Dazed and confused”, “You shook me” y “How many more times”. Solo en uno de ellos hubo una pequeña variación y curiosamente fue en la del día 20 de septiembre en Estocolmo. En un momento del concierto a Page se le rompió una cuerda de la guitarra y, cuando al final de la canción se puso a cambiarla, Robert Plant se arrancó (acompañado sólo de Bonham y Jones) con una versión del “I gotta move” de Otis Rush en la que se nota que se contiene para no desparramar todo su torrente de voz. Eso se escucha en la grabación, pero además el resto de los temas se corresponden a los que cantaron en esa gira y que luego variaron en su visita de 1969 en la que ya estaban presentando su primer disco.

Ya como Led Zeppelín (aunque hay varias teorías parece claro que el nombre se lo puso Keith Moon de The Who) dedicaron el resto del año a grabar su álbum debut y a rodar por el Reino Unido y Estados Unidos donde les pillo su aparición a principios de 1969. Gracias a sus explosivas actuaciones lograron un éxito inmediato y los meses siguientes los pasaron girando por Europa y América. Además tuvieron tiempo de grabar un nuevo disco que apareció en octubre y que fue número 1 inmediato en la lista británica y estadounidense desbancando el “Abbey Road” de The Beatles. En apenas un año había empezado a nacer un mito.

Título del bootleg: Many more early times
Lugar, fecha y listado de canciones:
"Tivoli Gardens", Estocolmo, 20 – Septiembre – 1968
01 - I can't quit you babe
02 - I gotta move
03 - Dazed and confused
04 - How many more times
"Teen Club", Copenague, 13 – Marzo – 1969
05 - The train kept a rollin' + I can't quit you babe
06 - As long as I have you
07 - You shook me
08 - Communication breakdown
"Aeolian Hall", Londres, 16 – Junio – 1969
09 - The girl I love
10 - Communication breakdown
11 - Somethin' else
12 - What is and what should never be
"Top Gear"(BBC), Londres, 24 – Junio – 1969
13 - Travelling riverside blues

sábado, 10 de enero de 2009

La soportable levedad de Russian Red

Para muchos la gran sensación del año pasado dentro del indie patrio ha sido Lourdes Hernández y su grupo Russian Rde. Hace más o menos un mes tuve la ocasión de verla en directo y, sin haber escuchado de ella nada más que el archiconocido "Cigarettes" y el trocito de "Nice thick feathers" que aparecía en un anuncio, he de reconocer que en ese momento me dejó un poco frío. Aquella noche me gustaron mucho más One Little Plane (con los que compartían cartel) con una propuesta musical mucho más interesante con temas mucho más guitarreros y cargados de intensidad que además creo que es trasladable a todo tipo de escenarios...

Y es que creo que ese es uno de los problemas que tiene Lourdes, ya que su preciosa voz y el intimismo que desparraman sus canciones es difícil de imaginar en un sitio distinto a un teatro o salas de aforo reducido. Además su extrema timidez hace que se refugie en la una iluminación muy tenue en la que apenas se distingue su imagen y que ayudan a que esa mezcla de folk con pop melódico y melancólico, y claro eso no tiene cabida en grandes recintos por que precisamente todo lo que ofrece se diluye en el aire. Eso no quita que haya tocado en algún festival aunque me temo que si la propuesta artística es la misma que yo vi difícilmente habrán pasado con nota esa prueba del algodón.

Escuchado en casa su único disco “I love your glasses” es bonito y se puede llegar a entender el gran éxito cosechado. Su estilo es agradable, y como las melodías son dulces y pegadizas puede llegar a tener su público, pero creo que, o evoluciona impregnado de un poco más de fuerza a sus composiciones, o se quedará en creadora de pequeñas joyitas para disfrute de una minoría.

viernes, 9 de enero de 2009

De rey del pollo frito a capón de Cascajares

Dos confesiones para empezar. La primera es que hubo una época en la que el Señor (puro formulismo) José Ramón Julio Martínez Márquez me caía bien. La otra es que si en 2006 hubiese estado en el ”Viña Rock” le hubiese abucheado hasta quedarme afónico (y no justifico lo de los lanzamientos por que no me gustó verlo y sentí lastima). Y una más de regalo, si he optado por la foto de la pantalla de dicho festival anunciando la cancelación de su actuación, es por que tengo miedo de una denuncia por usar su imagen en el caso de que la casualidad haga que se encuentre con mi blog.

Lo curioso de esta historia es que el tío es el pionero del punk en España y que hasta 1988 con “Fe ciega” era respetado y admirado por la gran mayoría del negocio, pero, por desgracia para el, se acabo convirtiendo en un ejemplo paradigmático de lo mal que le sientan a un chico de barrio la fama y el dinero y como acaban arrastrándole a creerse que es el no va más hasta perderse en el camino... Tras un fantástico disco en directo decidió retirarse momentáneamente de la música para presentar “Lingo” (un concurso en La2 con el que le conoció hasta mi abuela), escribir libros y colaborar (mas adelante) en “Moros y cristianos” y “Crónicas marcianas” donde dejó salir la mala baba, la soberbia y todo lo malo que llevaba dentro.

Intentó retomar su carrera (“Miedo a soñar” en 1998), pero ya sólo interesaba de él lo que ofrecía en los platos de televisión y apenas vendió nada. Además, cuando se dio cuenta de que la gente no le quería y que su personaje empezaba a peder interés, a parte de agriársele más el carácter, comenzó a colaborar activamente con la SGAE. La culpa de todos sus males empezaron a ser el top manta y las descargas de internet y se convirtió en abanderado y brazo armado de la lucha contra la piratería. Sus discos no se encontraban ni en el mercado negro, pero daba igual, por que a él le estábamos robando todos.

Se enfrentó en sonoras peleas con compañeros de profesión (fue famosa la bronca con Sabina que le supo poner en su sitio), periodistas del corazón y ciudadanos normales y corrientes, y empezó a tener el síndrome de la manía persecutoria. Cada vez que aparecía su imagen era para dar la nota y generar una polémica por lo que no es de extrañar que dentro del rock no se le viera con buenos ojos. Ha vuelto a actuar, ha sacado recopilatorios y regrabado temas clásicos, pero es tarde para él.

Quemó su imagen en mil batallas absurdas, perdió el respeto que tanto le había costado ganarse sobre el escenario en los 80 y se convirtió en una caricatura que nadie se podía creer. Por eso sorprendió su inclusión en el “Viña Rock” y no tanto lo que allí sucedió (ya he dicho que se pasaron y que con gritos y abucheos se habría logrado lo mismo). Y aunque de conciertos y trate de recuperar el crédito perdido, prefirió ser capón de Cascajares que el rey del pollo frito, y en la vida, a veces, se recoge lo que uno siembra. De hambre no se va a morir, pero a los de su especie lo que realmente les alimenta es la devoción del pueblo, y esa, por suerte, creo que no la recuperará jamás.

jueves, 8 de enero de 2009

Donde habita el olvido (Joaquín Sabina)

Cuando se despertó,
no recordaba nada
de la noche anterior,
"demasiadas cervezas",
dijo, al ver mi cabeza,
al lado de la suya, en la almohada...
y la besé otra vez,
pero ya no era ayer,
sino mañana.
Y un insolente sol,
como un ladrón, entró
por la ventana.

El día que llegó
tenía ojeras malvas
y barro en el tacón,
desnudos, pero extraños,
nos vio, roto el engaño
de la noche, la cruda luz del alba.
Era la hora de huir
y se fue, sin decir:
"llámame un día".
Desde el balcón, la vi
perderse, en el trajín
de la Gran Vía.

Y la vida siguió,
como siguen las cosas que no
tienen mucho sentido,
una vez me contó,
un amigo común, que la vio
donde habita el olvido.

La pupila archivó
un semáforo rojo,
una mochila, un peugeot
y aquellos ojos
miopes
y la sangre al galope
por mis venas
y una nube de arena
dentro del corazón
y esta racha de amor
sin apetito.
Los besos que perdí,
por no saber decir:
"te necesito".

Y la vida siguió,
como siguen las cosas que no
tienen mucho sentido,
una vez me contó,
un amigo común, que la vio
donde habita el olvido.

(Extraída del álbum "19 días y 500 noches" / BMG ARIOLA - 1999)

miércoles, 7 de enero de 2009

El perrito de los Stooges

Ayer, justo antes de empezar a escribir en este blog, leí que había aparecido muerto en su apartamento Ron Asheton. Estaba decidido a hablar de Marah por lo que pospuse para hoy lo que en justicia debía haber sido una referencia inmediata. No soy seguidor de la banda y cuando he visto a Iggy en directo ha sido en solitario, pero desde siempre he admirado y respetado esa actitud ante el rock que ellos han representado.

Surgidos en el Detroit que Berry Gordy convirtió en el gran templo del soul gracias al sello “Motown”, sorprende que tuviera una mínima repercusión una banda que se caracterizaba por los aullidos de su cantante y un torrente de estridentes guitarras. Pero así fue gracias a lo sorprendente de sus actuaciones y, a pesar de no tener canciones suficientes cuando se presentaron en Nueva York para grabar bajo la batuta de John Cale su primer disco, fueron capaces de crear un álbum de rock garajero que, sin ser un éxito comercial, se convirtió en un icono para toda una generación de músicos.

Igual de importante puede considerarse “Fun house”, su segundo largo, grabado en los estudios de “Elektra” como si de una actuación en un pub se tratase. Iggy se movía de lado a lado y la banda sonaba alocada mientras a su alrededor todo era una fiesta permanente en la que el alcohol y las drogas tenían tanto protagonismo o más que la propia música. El amargo regusto que deja, fruto de una cara B menos alocada y más oscura, recuerda al de una resaca que sabes que aunque te deja mal no va ha hacer que dejes de escuchar el disco una y otra vez.

Aunque dejo Detroit, su discográfica e incluso su banda, volvió a recurrir a los hermanos Ron y Scott Asheton (autores de los crudos y brutales ritmos de los Stooges) para dar forma, en la campiña inglesa y producido por David Bowie, a “Raw Power”su tercer trabajo, cargado de provocación y contenidos sexuales, que cerró la trilogía con la banda que tanto influiría a los primeros punks de Londres y Nueva York. La dureza del sonido se vio atenuado en las mezclas, y durante años circuló en bootlegs la mezcla del autor, hasta que en 1997 bajo el nombre “Rough power” se pudo escuchar como le hubiese gustado a Iggy que apareciese el disco.

Aunque parte del material que grabaría en el álbum Kill city (1977) formaba parte del repertorio de los Stooges, se puede decir que a partir de ese momento, y durante 30 años, voló solo hasta 2003 en que los Asheton volvieron a colaborar con el en varios temas de “Skull ring”. El resultado fue tan satisfactorio que desde ese momento volvieron a girar juntos recuperando su viejo repertorio hasta que en 2007 apareció un nuevo disco bajo el nombre del grupo llamado The Weirdness. Y así ha sido hasta ayer que fue encontrado el cuerpo sin vida de Ron en su casa de Michigan.

Es curioso como en este mundo del rock existe un factor lo suficientemente subjetivo que hace que haya artistas a los que te los crees y otros a los que no. A pesar de caminar hacia los 62 años Iggy sigue haciendo el numerito del perrito en “I wanna be your dog” y, más que una prueba de decadencia, yo lo veo como un acto de reafirmación diaria de su condición de gran padre y precursor de un movimiento como el punk, que acabó como acabó precisamente por la falta del espíritu del que sigue haciendo gala la iguana cada vez que sube a un escenario...

martes, 6 de enero de 2009

Marah, tarde o temprano en España

Hasta no hace demasiado tiempo de este grupo norteamericano apenas conocía el nombre y un par de canciones que aparecían en un CD con una recopilación personal que un amigo se dejó olvidado en mi coche. Nada más y eso que con el tiempo he descubierto que en su país e incluso por aquí, ya empezaban a despertar pasiones. Yo, que me considero un tío bastante bien informado de lo que sucede en el panorama musical, siento que es imperdonable que se me haya pasado por alto su presencia y que he perdido un par de ocasiones espléndidas de verlos en directo.

Lo que me puso definitivamente sobre la pista fueron los elogios de “el pipas”, mi cuñado, que les acababa de ver en directo en Madrid. Al parecer un amigo (visto lo visto más informado que yo) se lo llevo a verlos y, sin conocerlos ni ser seguidor de la música americana, seguía flipado cuando lo vi unos días después del concierto de rock and roll que había presenciado... Era evidente que algo debían de tener si habían generado esa impresión en un hijo del rock duro, así que me puse a buscar cosas de ellos, y lo primero que encontré fue una grabación en directo recién publicada y que contenía un concierto del año anterior en Mataró.

Grabado por unos fans, este DVD titulado “Sooner or later in Spain” supuso una autentica bofetada por lo ya comentado del tiempo perdido (han hecho de España su feudo favorito de Europa y han venido varias veces desde mi descubrimiento pero aún no se ha dado las circunstancias para verlos), pero también una reafirmación y confianza en el presente de la música, ya que me parece una bendición el hecho de que existan por ahí bandas con este nivel a la espera de ser descubiertas y que, como en el caso de Marah, puedan llevar ya media docena de discos grabados.

En este concierto se muestran como lo que todo el que les ha visto en vivo dice que son (ya he dicho que aún no he tenido ocasión de hacerlo), una de las mejores bandas en directo del mundo, ya que, como ellos mismos declaran salen cada noche a darlo todo y morir sobre el escenario... Este día de reyes he vuelto a reencontrarme con esta grabación (que recomiendo fervientemente a cualquier amante del autentico rock and roll) y por lo que se escucha y se ve doy fe de que así debe ser...

lunes, 5 de enero de 2009

Rick Rubin, resucitando muertos

Hasta ahora en este post dedicado a todos aquellos que, sin ser músicos, tienen una aportación clave dentro del negocio, he hablado de periodistas de prensa y radio, diseñadores de portadas, festivales, salas de conciertos, revistas, discográficas piratas... pero aún me falta nombrar al menos a un representante del gremio más importante junto al artista para la elaboración de un disco... Me estoy refiriendo al productor, ese personaje que dirige la grabación en el amplio sentido de la palabra, dejando su seña de identidad en la misma y que en muchas ocasiones es clave (para bien o para mal ) en el sonido final del producto.

A lo largo de la historia han existido varios productores que se han hecho casi tan famosos como los artistas a los que producían como George Martín (¿alguien duda de lo determinante de su aportación en la carrera de The Beatles?) o Phil Spector con su muro de sonido (lo cierto es que el listado es tan grande que podría llenar varios folios), pero probablemente ninguno hasta ahora había tenido la capacidad de obrar el milagro de levantar carreras y devolver la credibilidad a artistas acabados. Ese hombre es Rick Rubin, y no exagero si digo que dentro del mundo musical es uno de los personajes más influyentes de los últimos veinte años.

Nacido en Nueva York en 1963, con 20 años funda su primer sello “Def American Records” que posteriormente se transformaría en la archifamosa “American Recording”. Empezó produciendo a raperos neoyorquinos, pero enseguida le vino la oportunidad de trabajar para Beaty Boys y no la desaprovechó. Fue pionero en la fusión del del rap y el heavy metal siendo uno de los precursores del metal alternativo (“nu metal”). Pero su primer gran éxito llego en 1991 de la mano del “Blood, sugar, sex magikz” de los Red Hot Chili Peppers que vendio siete millones de copias en EEUU y que los lanzó a sonar en las radios de medio mundo.

A partir de ahí le empezaron a reclamar todo tipo de artistas y ha trabajado para gente como Mick Jagger, Tom Petty , Weezer, Willie Nelson, Slayer, AC/DC, Metallica, Linkin Park, System of a Down, Audioslave, Sheryl Crow, Green Day, Rage Against the Machine, Jay-Z, Limp Bizkit, The Smashing Pumpkins, The Cult, Jackob Dylan... e incluso Dixie Chicks, Justin Timberlake o Shakira. De todos ellos ha sacado lo mejor que tenían, pero al fin y al cabo, casi todos, eran artistas en alza o en sus mejores momentos creativos, por lo que alguien puede decir que su mérito es relativo...

Lo que tiene más difícil explicación es lo que ha conseguido con artistas que hacia años que habían logrado sus mayores éxitos y unánimemente se consideraba que ya estaban para sopitas y buen vino. Y de repente, como por arte de magia, los produce este tío y vuelven al primer plano de la actualidad firmando sus mejores álbumes en años (cuando no de toda su carrera) y vuelven a copar las listas de ventas. El primero con el que obró el milagro fue con Johnny Cash al que produjo seis discos de la serie “American Recordings” y que devolvieron al bueno de Johnny el reconocimiento publico y prestigio y le permitieron morir estando en lo más alto como corresponde a su leyenda.

Algo parecido logró con otra gloria marchita de los 60 como es Donovan que aunque con “Sutras” (1996) no logró vender, si consiguió buenísimas críticas y relanzó una carrera casi apagada. Pero el más difícil todavía estaba por llegar... En 2005 dirigió el retorno de Neil Diamond en “12 songs” logrando unos resultados fantásticos con uno de los artistas más edulcorados del panorama mundial, pero si aquello sorprendió, más si cabe que con el nuevo disco del artista haya logrado desbancar del numero uno de ventas tanto en Estados Unidos como en Gran Bretaña el superpromocionado último disco de Madona.

No sabemos que sorpresas nos depara el futuro, pero parece ser que se ha encargado de la producción de “Anchor”, el nuevo disco de Bob Dylan, que aparecerá este año y que, si mantiene el nivel de los anteriores, con una producción como la de Rubin puede convertirse en el disco del año. Algo parecido debieron pensar los irlandeses de U2 cuando lo contrataron, aunque a mitad de grabación decidieron prescindir de él y reiniciar todo con sus productores habituales (Eno y Lanois, que tampoco son moco de pavo) sin que haya transcendido la razón.

Lo que a estas alturas nadie esta dispuesto a discutir es que es el mejor ymás prestigioso productor del mundo y, que si un artista consigue hacerle creer en su proyecto, el es capaz de conseguir lo que casi nadie. No seré malo y me callaré los dos nombres que me están viniendo a la cabeza en este momento, pero si algún día Rubin los hace resucitar de las cloacas musicales en las que se encuentran ahora, los produce y consigue que sus discos me gusten, me comprometo a... Que queréis que os diga, me comprometo a lo que sea, incluso a empaparme de toda su discografía aunque se me revuelvan las tripas...

domingo, 4 de enero de 2009

Knebworth, 5 – Julio – 1975 (Pink Floyd)

Si acabábamos el año comentando un bootleg de la antológica actuación de Dylan en la segunda edición de un mítico festival, para empezar este 2009 traigo la debacle en otra cita clásica de la música en directo protagonizada por Pink Floyd. Le he dado muchas vueltas antes de elegir este doble CD pirata, ya que son muchas las grabaciones memorables de la banda que existen (tanto en sonido como de contenido) y hasta ahora siempre había tratado de compaginar ambos factores, pero al final, la influencia de esta actuación en el posterior devenir de los acontecimientos dentro de la historia particular de la banda, ha sido lo que me han hecho decantarme por el y no por otro.

El año 1975 se inicia para los Floyd entrando en el estudio “Abbey Road” para grabar su primer disco tras “Dark side of the moon”. El álbum había tenido un éxito planetario, y desde que a finales de 1971 empezaron a trabajar en el hasta ese momento había sido el eje sobre el que habían girado sus vidas. Ahora les tocaba dar un nuevo paso, y este se llamaría “Wish you were here”. La grabación se prolongó hasta el 5 de junio (aunque pararon tres semanas en abril para girar por Estados Unidos) día en el que, por sorpresa, recibieron la visita de Syd Barrett (al que ninguno reconoció) cuando estaban empezando a mezclar “Shine on your crazy diamond” dedicada e inspirada en su primer líder (las mezclas se concluyeron el 19 de julio)

El resto del mes de junio lo dedicaron a girar otra vez por Norteamérica, y nuevamente, como en la gira de primavera, los llenos en grandes recintos y el montaje cada vez más sofisticado y espectacular que llevaba la banda fue lo más destacado. Casi al final tuvieron un problema con un globo gigante en forma de pirámide que en los recintos abiertos era difícil de controlar cuando hacía viento, pero no eso no era nada con lo que les esperaba en el único concierto previsto en el Reino Unido.

El material llego un poco justo de tiempo a Knebworth y no pudieron probar las luces y el sonido con antelación, pero es que además, como sólo se trataba de un concierto, decidieron no pagar el viaje al técnico que se había encargado de los monitores en la gira americana, por lo que la aparición de problemas era sólo cuestión de tiempo. A esto hay que añadir que los generadores que contrataron no habían sido probados con los teclados por lo que estos se desafinaron y durante toda la primera parte del show Wright no pudo usarlos con normalidad. Todo este desajuste se escucha perfectamente en esta grabación sobre todo antes del “Shine...” en el que se oye como lo intenta afinar para dejar al final un sonido mecánico de lo más peculiar.

Este concierto además es emblemático por que es la última vez que sonó integra la suite “Dark side of the moon” y el tema “Echoes” interpretadas por toda la banda. En giras posteriores no las interpretaron (sólo alguna canción suelta), y cuando lo hicieron Roger Waters ya no estaba con ellos. Esta segunda parte del show el sonido fue muchísimo mejor, pero la prensa ya tenia material suficiente para destrozar a la banda y cobrarse el presunto desplante que les había hecho al expulsarles de detrás del escenario antes de la actuación. Otra curiosidad es que esta es la única interpretación en vivo de “Have a cigar” cantada por Roy Harper (el que la canta en el disco), y que este, al descubrir que le habían robado en el camerino, se dedicó a golpear y destrozar una furgoneta de los Floyd, imagen que inspiró a Waters para la escena de “The Wall” en la que Pink destroza una habitación de hotel y añade un nuevo ladrillo al muro.

Ya he comentado que las críticas fueron feroces, y tal vez por eso, y por el ritmo de actuaciones sin parar durante años, hizo que hasta 1977 no se volviese a ver al grupo sobre un escenario. En septiembre salió a la venta “Wish you were here” que, aunque fue recibida con división de opiniones por la prensa especializada, entusiasmó al público desde el primer momento y, a ambos lados del atlántico, fue un éxito arrollador e inmediato. Como curiosidad diré que a pesar de trabajar a jornada completa para fabricar los discos, la discográfica tardó varias semanas en cubrir las peticiones iniciales que se habían hecho del disco.

Pink Floyd ya estaban por encima del bien y del mal, y aunque durante esa pausa surgió el punk que hizo tambalearse todos los cimientos, ellos ni lo notaron, y tanto “Animals” como posteriormente “The Wall” no hicieron otra cosa que acrecentar aún más su mito... Y con él la megalomanía y egocentrismo de sus miembros (sobre todo de Waters) que al final haría que se derrumbara ese muro que piedra a piedra y durante años habían ido levantando... Pero esa es otra historia tal vez cuente otro día...

Título del bootleg: Knebworth Park
Lugar y fecha: Knebworth Festival, 5 – Julio – 1975
Listado de canciones:
CD - 1
01 – Intro / Tune up
02 – Raving and drooling (Sheep)
03 – Tune up
04 – Gotta be crazy (Dogs)
05 – Tune up / Organ adjustment0
06 – Shine on your crazy diamond, 1 – 5
07 – Have a cigar (vocals by Roy Harper)
08 – Shine on your crazy diamond, 6 – 9
CD - 2
01 – Speak to me
02 – Breathe
03 – On the run
04 – Time
05 – The great gig in the sky
06 – Money
07 – Us and them
08 – Any colour you like
09 – Brain damage
10 – Eclipse
11 – Echoes